Comment est né cet amour pour le bois ? « Je suis né près d’Eupen, à la lisière des Hautes Fagnes. Mon père, garde-forestier, avait une maison en plein milieu des bois. Les arbres, j’ai appris à les observer, à les connaitre. Je travaille donc un matériau que j’aime, que je respecte. Vous savez, dans le monde de l’art et du design (Kaspar est diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Maastricht – nda), on ne m’a pas poussé à travailler le bois. Au contraire, on me disait d’essayer plutôt le verre. Le seul qui m’a encouragé à travailler le bois, et à le travailler de mes mains, c’est Casimir Reynders (ce designer belge fabrique lui-même ses meubles depuis au moins 25 ans – nda). Il m’a aidé à affiner ma démarche, entre artisanat et design. »

Travailler de ses mains, un choix qui définit votre parcours ! «J’ai l’habitude de dire que je me sens plus artisan que designer. Un designer dessine des plans que d’autres exécutent. Je me connais : je ne serais jamais satisfait ! J’ai vraiment besoin de créer de mes mains et de contempler mon travail fini. Vous savez, je ne suis pas très équilibré dans ma tête. Mon équilibre, c’est ce travail très physique avec le bois qui me l’apporte ! Le soir, je me sens parfois fatigué mais mentalement je vais mieux ! » Il rit.

Vous avez vécu deux ans à Bruxelles, pourriez-vous retourner vivre en ville ? « Non. Je n’aime pas l’énergie que dégage la ville. Même pour aller chercher un clou au magasin, c’est le parcours du combat à cause des embouteillages. A Eupen, qui semble loin de tout, tout est aussi plus accessible ! »

Quel est votre rapport au bois ? « Je lui donne une autre fonction que la simple planche qui sert à construire une maison. Quand je le travaille, quand je construis des tables ou des bancs, je m’intéresse au cœur du bois, à ses nœuds aussi, en essayant de mettre en évidence ce que personne ne voit. »

Avec le bois, vous faites aussi du mobilier… « Oui, je ne voulais pas créer des œuvres iconiques que personne ne touche ! J’aime créer des tables ou des bancs, parfois sculpturaux, parfois moins, mais avec lesquelles on vit. Vivre avec la nature. Vivre avec mes pièces. J’amène la nature dans le lieu de vie des gens. C’est ça ma démarche… »

Le bois vous résiste-t-il parfois ? Qui dicte le travail de l’autre ? « Ah, ça… Parfois, c’est l’arbre, à travers sa forme, qui dicte mon travail ; parfois, ce sont mes idées qui me confortent dans le choix de tel ou tel arbre. Mais quand j’utilise la technique du bois brûlé, parce que j’aime beaucoup son rendu visuel, c’est plutôt moi qui m’exprime ! »

Votre style a-t-il évolué ? « J’ai toujours aimé révéler la dualité du bois, c’est-à-dire sa force et sa fragilité. Au début, je cherchais à rendre le bois plus léger. Mais j’ai tendance aujourd’hui à vouloir créer plus grand, plus monumental, plus sculptural. »

www.kasparhamacher.be

Le Château de Vignée, une atmopshère du XVIIIe siècle…

Situé à Rochefort, dans la vallée richement boisée de la Lesse, le Château de Vignée a connu moult affectations. L’exploitation agricole du XVIIe, qui avait servi d’hôpital militaire au cours de la Deuxième Guerre mondiale, puis de point de chute pour les amateurs de la chasse, s’est donc muée en hôtel-boutique haut de gamme. On vient désormais au Château de Vignée pour s’immerger dans un univers de luxe feutré – le label Relais & Château apposé sur le mur de la façade venant discrètement le rappeler.

Le studio de design WeWantMore a fait appel à Marie’s Corner pour meubler la salle à manger privée, le salon, les chambres thématiques et le restaurant Arden, où derrière les fourneaux, le Chef Marius Bosmans orchestre un diner gastronomique à base de produits régionaux ardennais dont la plupart sont issus de la serre et du potager du château.

On profite de la vie de château et d’un spa sous le signe de la vinothérapie. De la liesse avec vue sur Lesse. Quant aux golfeurs, ils apprécieront la proximité du château avec le terrain du Royal Golf Club du Château royal d’Ardenne, le golf le plus ancien du pays.

www.chateaudevignee.be

Caillou, une déco qui ne laisse pas de marbre…

Le célèbre chef étoilé du Sel Gris, Frederik Deceuninck, a fait appel à Marie’s Corner » pour développer un modèle inédit  à l’occasion de l’ouverture de son restaurant Caillou à Knokke. Les 48 chaises ne sont pas de basiques accessoires, elles participent pleinement à l’expérience multisensorielle d’un repas et sont la pierre angulaire de la décoration. L’architecte d’intérieur Heidi Wilde a multiplié les rappels au bois et aux matières organiques à l’instar de l’iconique chaise « Sonoma » (avec et sans accoudoirs) imaginée par le chef et la Maison belge de canapés tailor-made.

Quant aux tables, elles sont signées par Houtentiek, les photographies de Filip Moerman, les assiettes artisanales et décorations monumentales en pierre de Terra Torno, les vases sculpturaux et fleurs proviennent respectivement de l’Atelier Vierkant et de Daniel Ost.

Côté cuisine, on y retrouve l’ancien bras droit du Sel Gris, le Chef Sander Van de Walle. Il y propose des plats de saison et une belle carte de vins européenne pour tous les budgets.

www.restaurantcaillou.be

MC RENT, la formule magique de renting

Marie’s Corner démontre tout l’intérêt de sa nouvelle offre de location sur-mesure destinée aux professionnels. La marque  belge ouvre grand le champ des possibles pour les entreprises, les architectes d’intérieur, les designers et les décorateurs. Un loyer simple à payer et la liberté de faire naître des intérieurs toujours plus personnalisés… et de pouvoir les adapter au gré de leurs envies !

www.mariescorner.com

Comment avez-vous démarré ? « J’ai un parcours un peu atypique. Je n’ai pas étudié le design mais le commerce international, qui m’a ouvert les portes des Zannier Hotels (une hôtellerie française au luxe épuré, nda) où j’ai géré de l’opérationnel, du développement, avant de bifurquer vers le design. Pour le compte de ce groupe, j’ai enchaîné les aménagements du Chalet à Megève, du Post 1898 à Gand, du Phum Baitang Resort au Cambodge, des lodges Omaanda et Sonop en Namibie… »

Après 13 ans chez Zannier Hotels, vous décidez de vous lancer à votre propre compte … « Oui, en janvier 2020, j’ai lancé Beyond Design, mon studio londonien. Et les projets ne se sont pas fait attendre ! Nous sommes quatre aujourd’hui à travailler sur différents projets, dont l’aménagement intérieur de l’Hôtel des Postes au Luxembourg, un monument national protégé par l’UNESCO, et qui fait donc l’objet d’une réhabilitation très délicate, dans le respect de l’architecture existante (ouverture prévue en décembre 2023, nda). En Ardenne belge, à Grandvoir, on va s’atteler à mettre en valeur un projet de 84 cottages sur 60 hectares, à l’esprit biophilique, c’est-à-dire qu’on va incorporer dans le design des éléments du monde naturel, le bois, la pierre bleue, etc. (ouverture prévue en automne 2022, nda). On a également deux projets d’aménagement d’hôtels dans des endroits fabuleux : l’un à Dambulla au centre du Sri Lanka en 2023, l’autre dans la ville de Ghami dans la province du Mustang au Népal. Ce projet qui verra le jour en 2024 me tient particulièrement à cœur car l’intégralité des revenus hôteliers sera reversée à la communauté locale, notamment pour financer des écoles et la préservation du patrimoine culturel… »

Comment était votre enfance ? « Marquée par les voyages ! Mes parents m’ont fait découvrir de nombreux continents. Cette passion du voyage, je la leur dois. Puis, j’ai bourlingué seule avec ce besoin d’ailleurs alimenté par une insatiable curiosité … »

Le style Geraldine Dohogne ? « L’hôtel doit être pensé comme le prolongement du pays que l’on visite, il faut donc qu’il soit imprégné de l’héritage culturel, architectural et environnemental du lieu qui l’accueille. Plus que des services, les hôtels que mon studio aménage offrent des expériences d’immersion … »

Très concrètement ? « Nous partons d’une feuille blanche. L’aménagement intérieur d’un hôtel en Namibie se révèle forcément différent du design de cottages en Belgique. On traite donc chaque projet différemment. C’est ce qui rend mon travail si passionnant. Pour un véritable ancrage dans le pays qui héberge l’hôtel, je travaille avec des artisans locaux ou je chine des meubles sur les marchés aux puces sur place, en cherchant toujours à m’imprégner du quotidien de la population … »

Une vie, une passion, forcément riche en anecdotes … « Oh oui, je me souviens d’une visite en Namibie où j’ai été coursée par un buffle. Mais plus généralement, ce sont les rencontres du quotidien qui font toute la richesse de mon travail. Partager une soupe Pho le matin avec des Vietnamiens, c’est la bonne base pour faire naître une vraie relation et démarrer un chantier en toute confiance …  »

La méthode Dohogne, c’est aussi un concept décliné de A à Z … « Tout à fait. J’aime rassembler, fusionner toutes les odeurs, tous les sons, tous les éléments qui nous entourent et ramener l’extérieur à l’intérieur des hôtels. Pour sentir, humer le pays, je vais sur place, une semaine à 10 jours, je baroude à travers la région, avant de créer un  concept de base que je continue à nourrir d’autres voyages sur place. Beyond Design propose en effet de s’occuper de tout, de l’agencement principal, du gros mobilier jusqu’à la tasse à thé, des éléments de déco qu’on chine, qu’on achète sur place à des artisans locaux ou qu’on dessine également pour tel ou tel groupe hôtelier. On raconte une histoire, sans négliger aucun détail, pour que le voyageur se sente chez lui… ailleurs ! »

Où se cache le plus bel hôtel aménagé par Geraldine Dohogne ? « Si vous cherchez un environnement urbain, 1898 The Post à Gand, c’est the place to be. En revanche, si vous souhaitez lâcher prise, je vous conseillerais Sonop en Namibie, dix tentes d’explorateur et de fabuleux paysages désertiques à perte de vue … »

www.geraldinedohogne.com

Au sein de son bureau, Nathalie Deboel Interior Design, implanté à Knokke, notre compatriote  a été la première, en 2005, à proposer des intérieurs haut de gamme pour des secondes résidences en Belgique, puis à l’international, avant de lancer un second bureau à Bruxelles en 2018. Huit architectes d’intérieur se partagent aujourd’hui des projets d’aménagement de résidences premières et secondaires dans notre pays et à l’étranger. Deux bureaux plus… une maison familiale. La maison de Nathalie Deboel située à Uccle en bordure de la forêt de Soignes dans un environnement volontiers apaisant, s’apparente en effet à un laboratoire qui a forgé le style Deboel. « L’architecte d’intérieur doit savoir comment les matériaux évoluent avant de les présenter à ses clients. Je transmets mon expérience de vie, tout en restant bien évidemment à l’écoute des demandes de chacun. Je ne ressens pas ce besoin de démarrer un projet à partir d’une feuille blanche, je préfère au contraire travailler en résonance avec l’histoire de chaque client … »

La touche pause

Le style Nathalie Deboel a-t-il évolué au fil du temps ? « Certainement. Je suis de plus en plus sensible aux matériaux naturels, écologiques, qui offrent une belle patine, comme la pierre, l’argile, la chaux, le béton ciré, le bois, le lin … On travaille également beaucoup avec des palettes de couleurs très douces. La recherche de l’authenticité guide mes pas. » Nathalie, l’architecte d’intérieur, est-elle une femme sereine ? « Je suis quelqu’un de calme mais mon travail m’oblige à mener une vie trépidante où je suis continuellement en mouvement. Ce n’est pas un hasard si je réfléchis à proposer des intérieurs calmes, apaisants, épurés qui contrastent avec la vie à cent à l’heure que nous menons tous, avec un social media qui oblige à communiquer sans cesse, avec toutes les aliénations du quotidien… Créer des habitats qui invitent à se ressourcer chez soi, à se sentir protéger, à se reconnecter avec l’essence de la vie, la famille, les amis, c’est ma priorité. Je suis également très sensible au design biophilique : la lumière naturelle et une bonne connexion avec la nature sont essentielles à notre santé mentale. Mes bureaux agissent de concert avec des architectes paysagers pour gommer au maximum la frontière entre l’intérieur et le monde extérieur… »

100% belge

En plein confinement, Nathalie Deboel se retrouve à travailler à la maison, comme la plupart d’entre nous. Cette sédentarité forcée va pousser la dynamique quinqua à interroger notre mode de vie et nos besoins du quotidien. Début 2020, elle crée la Nomad Collection, des meubles inspirés des bâtons que les nomades emportent avec eux pour fabriquer des objets temporaires. « Toujours cette quête de l’essentiel qui guide mes pas. Aussi ai-je souhaité une collection très simple dans sa forme et dans les connections entre les éléments qui composent chaque meuble. Ceux-ci sont dessinés et fabriqués sans vis ni boulon, mais avec des éléments d’agencement en bois. Le but étant de faciliter le déplacement des meubles, qui peuvent suivre leur propriétaire partout. Aujourd’hui, la Nomad Collection  se compose de 5 meubles essentiels en chêne ou en noyer massifs : deux tables, l’une ovale, l’autre rectangulaire, une étagère, une banquette-lit et un fauteuil. » Une collection fabriquée dans des ateliers belges … « C’était en effet important pour moi de privilégier le circuit court pour m’inscrire dans une démarche citoyenne de valorisation des matériaux naturels de chez nous et de l’artisanat belge. D’autres objets nomades sont déjà en création, notamment une commode murale disponible cet été. »

www.nathaliedeboel.be

Dans cet ouvrage, les réalisations sélectionnées sont éclairées par les écrits de Philip Jodidio, reconnu comme l’un des auteurs les plus importants dans le domaine de l’architecture. La première image, accompagnant son texte d’introduction, est celle de la façade de la boutique Louis Vuitton à Bruxelles, un bâtiment néo-classique du XIXe siècle, dont Olivier Dwek a entièrement redessiné l’intérieur. Alors jeune architecte de 28 ans, il se frotte déjà aux codes du luxe. Et aux côtés de maisons de rêve comme la Silver House, réinterprétant l’architecture vernaculaire hellénique, en blanc et bleu, 30 % de sa production architecturale correspond à des fondations d’art : ce n’est pas un hasard ! Enfin, passons aux questions… car la culture, c’est essentiel !

Quelle architecture défendez-vous ?

Celle de l’intemporalité. L’architecture n’est pas un geste gratuit condamné à disparaître. Chaque coup de crayon, chaque acte a un sens. Le dialogue avec les éléments, la nature est très important. Lorsque je regarde les photos de la Silver House, je suis satisfait car aujourd’hui, après 15 ans, j’aurai fait la même chose. En cela, l’architecture se rapproche de la philosophie. Dans le terme de « luxe sobre », je me reconnais. Le mur impressionnant de 42 m2, en marbre vert italien, dans l’espace de la Collection New Hope, c’est du luxe pur, de la haute couture. Travaillé à livre ouvert, le joint de la pierre est invisible. Son dessin rappelle une cascade…

Et concernant les lieux dédiés à l’art ?

Ayant étudié l’histoire de l’art, toutes mes passions se rejoignent en dessinant des fondations. Mon modèle, c’est la Fondation Beyeler imaginée par Renzo Piano. Il a tout compris et en particulier que la meilleure lumière du monde pour éclairer une œuvre, c’est la lumière naturelle. Ce maître a su parfaitement la filtrer et la maîtriser. Tel un magicien, son travail magnifie les œuvres. Légères, elles flottent dans l’espace. L’architecture doit être au service de l’art et non l’inverse. Il faut bien sentir la distance, la hauteur, la profondeur de chaque œuvre, travailler les angles qui permettent de faire dialoguer entre elles les différentes pièces présentées.

Quelles autres particularités pour ce type d’espace ?

L’espace doit être aussi modulable pour accueillir différents types d’œuvres, du mobilier, des objets… On doit anticiper les potentialités d’un espace d’exposition pour lui assurer une longue vie. Je me démarque complètement de la démarche de Frank Gehry, de son trait très puissant. Pour la Fondation CAB, située dans un ancien bâtiment art déco des années 1930, j’ai créé un espace ouvert et polyvalent. Il faut y aller pour comprendre !

Et pour la Collection New Hope ?

J’ai conçu ce lieu en dialogue direct avec le musée Victor Horta pour qu’il garde une vue sur son parc, comme à l’époque de sa construction. Côté jardin, j’ai réinterprété et actualisé les gestes de l’architecte en jouant la même symphonie, avec les instruments de mon temps. Aux lignes souples Art nouveau de sa façade répondent les traits modernistes, lignes verticales, horizontales et obliques des années 2020. A l’intérieur, l’espace a été entièrement redessiné tout en conservant la volumétrie existante.

Architecte, architecte d’intérieur, curateur… pourquoi assurer toutes ces fonctions ?

Architecte d’intérieur ? C’est un drôle de nom. Tout doit être pensé en continuité avec le bâtiment pour effacer les frontières entre l’extérieur et l’intérieur. Le geste est le même, c’est juste une question d’échelle. Je conçois mon travail comme une maîtrise complète pour faire dialoguer tous les éléments. Mon intérêt se porte aussi spontanément sur les objets tridimensionnels, le mobilier et les objets. Au début du XXe siècle, alors que les métiers d’architectes d’intérieur et de designers n’existaient pas, les architectes dessinaient non seulement le bâtiment mais aussi les poignées de porte et jusqu’à la petite cuillère. Ils étaient des ensembliers.

« Il faut un certain recul pour réussir à sélectionner ce qui n’est pas que de la décoration. » 

Comment faire de bons choix?

Dans le domaine de l’art, ma connaissance s’allie à un certain flair pour choisir ce qui, je pense, va rester, ce qui relève de l’universel. C’est à la fois un jeu et une prophétie. Regardez l’artiste Richard Prince, avec son image de cowboy « volée » à Malboro, il y a moins de 20 ans, il a imaginé le monde d’Instagram et de Facebook. Côté design, je suis particulièrement attiré par le mobilier des années 1930 aux années 1970. Mon plaisir de la sélection s’attache aussi dans le choix de pièces de céramique, avec une prédilection pour les années 1950 et les artistes français comme Georges Jouve. Cet artiste e a commencé à créer des pièces figuratives pour aller ensuite après une période de transition vers l’abstraction.

« Les grandes œuvres d’art posent des questions mais ne donnent pas de réponses. »

www.olivierdwek.com

L’enseignement et le monde associatif, c’était sa vie d’avant. Avant que notre compatriote Marie Brisart ne ressente l’urgence de se reconnecter à la terre. « A vrai dire, j’ai toujours cherché le contact avec la terre : j’ai fréquenté l’Académie des Beaux-Arts de Boitsfort qui a été une grande source de satisfaction et une licence en anthropologie a confirmé mon intérêt pour la culture matérielle… »

Devenue trentenaire, Marie interroge sa vie professionnelle, mais c’est un drame personnel, la perte d’un être cher, qui va définitivement la pousser à se tourner vers une activité plus en phase avec son vécu et ses aspirations. Il y a 7 ans, elle décide de devenir potière. D’en faire son métier donc. A plein temps. Et quand on lui demande de nous raconter une journée à l’atelier, elle prévient : « Ce n’est pas un hobby, un passe-temps, un atelier-céramique, mais bel et bien une vraie journée de travail, je démarre très tôt et je m’arrête pour aller rechercher les enfants à l’école … » Toute la journée, Marie tourne, tourne, tourne ! Ses pièces, elle les façonne en effet au tour de potier, « j’utilise donc un plateau rotatif sur lequel je centre une motte d’argile en me servant de la force rotative ». Est-ce en tournant qu’on devient céramiste ? « Exactement, comme on apprend à écrire quand on est petit. Ce n’est absolument pas instinctif. Il faut jouer avec la force centrifuge, le geste répétitif s’imprime alors progressivement dans l’inconscient. Cette technique artisanale fort ancienne nécessite une pratique soutenue ; avec le temps, le geste devient plus précis, les pièces deviennent plus régulières… ». L’enthousiasme à la tâche de Marie est palpable, l’artisanat, c’est une profession de foi, « qui exige beaucoup d’implication, de travail, de formation, de documentation, de sérieux, je ne me vois pas faire ce travail en dilettante ! »

La question de l’utilitaire

Marie Brisart tire essentiellement son inspiration des céramiques japonaises et du design européen des années 50. Les pièces qu’elle produit sont sobres, épurées. « Je suis ultra méticuleuse, il y a beaucoup de calcul dans ma démarche, les bols d’une même série doivent avoir les mêmes dimensions. Je suis très exigeante avec moi-même. D’où mon intérêt pour l’art japonais à la fois épuré et très abouti, très maîtrisé. » Des pièces, bols, assiettes, coquetiers, esthétiques certes mais avant toutes choses utilitaires : « j’ai mis un point d’honneur à placer l’utilitaire au cœur de mon travail. Je souhaitais en effet créer des objets qui servent dans la vie de tous les jours. » Est-ce là une démarche qui s’appuie sur une réflexion anticonsumériste ? « Il y a quelque chose de vibrant dans un objet utilitaire et j’adhère effectivement à des mouvements comme le Less is More… »

Son actu

Marie Brisart a récemment créé des assiettes sur mesure pour le restaurant Sanzaru à Bruxelles, qui met à l’honneur la cuisine Nikkei entre Japon et Pérou, et ouvert une petite boutique dans le centre de Bruxelles (14 Petite rue des Bouchers) où elle reçoit les amateurs d’artisanat les vendredis de 10 à 18h. Et l’avenir ? « Je dois bien vous avouer que suis en plein dilemme car les commandes d’assiettes notamment explosent, or je ne vois pas comment me développer davantage sauf à travailler plus vite ce qui reviendrait à tuer l’âme même de mon travail d’artisan ou à déléguer, mais je ne peux m’y résoudre ! Je gère tout aujourd’hui, même les réseaux sociaux. L’idée de collaborer avec d’autres restaurants me ravit évidemment … Je trouverais bien une solution ! »

www.mariebrisart.com/

La maison, ce lieu de vie où l’on passe tant de temps, réfléchit-elle vraiment votre personnalité et votre mode de vie ? La question dépasse les images à la mode épinglées sur Pinterest ou dans des magazines papier ! Ecouter, guider, tracer la voie, proposer le cas échéant des alternatives ou stopper le client dans son élan lorsqu’il fait fausse route, voilà quelques-unes des missions de l’architecte d’intérieur Laurence Sonck et de son équipe. On en discute avec elle à bâtons rompus.

« Je suis une vraie autodidacte. J’ai tout d’abord aménagé une boutique de prêt-à-porter, puis une seconde. De belles rencontres vont très vite m’apporter une franche notoriété. Je pense notamment à François Schiemsky, propriétaire des magasins Francis Ferrent, qui m’avait demandé de m’occuper de ses boutiques … » Rapidement, le bouche- à-oreille devient un levier de reconnaissance… « Progressivement, on va en effet faire appel à moi pour aménager des intérieurs privés. Il a fallu néanmoins que je me démarque. Je crois que ma personnalité, mon enthousiasme, mon professionnalisme et ma capacité d’écoute ont su faire la différence. »

Quand on demande à Laurence Sonck si son travail exige un minimum de psychologie, elle nuance : « La plupart de mes clients attendent d’être écoutés, rassurés, guidés surtout. Mais c’est un métier qui nécessite aussi de savoir dire non ! J’ai à ce sujet une petite anecdote croustillante : un client fortuné pour lequel j’avais réalisé un magnifique penthouse souhaitait que tout son mobilier soit en bleu ! J’ai évidemment refusé. Il m’a néanmoins donné carte blanche et, à la fin du chantier, il m’a confié qu’il avait bien fait de m’écouter ! (rire) »

Pas toujours facile de convaincre les clients plus hésitants ? « Pour aider les clients qui n’arrivent pas à lire un plan et à le visualiser, on propose une modélisation 3D du projet qui permet de mieux appréhender sa conception. On va également prochainement s’équiper en casques virtuels. Ce ne sont pas juste des outils de vente mais de vrais outils d’aide à la validation des choix d’architecture et d’ameublement de son habitation. »

Le style Laurence Sonck, c’est …  

« J’ai une clientèle belge et internationale (à 40%) forcément diversifiée, et avec laquelle je fonctionne au feeling. J’observe, je conseille, j’accompagne, je gère tout de A à Z, en fonction des demandes. Au fil des projets, j’ai réussi à imposer ma signature qui consiste à trouver le juste équilibre entre l’espace libéré, l’épure, et l’apport de chaleur et de vie dans les pièces. Par ailleurs, j’ai eu la chance de rencontrer un client qui était grand amateur d’art contemporain et qui m’a permis d’affirmer mon style en intégrant l’art dans mes projets. »

Un petit conseil à nos lecteurs et lectrices pour éviter le piège de la maison muséale ? « Je privilégie les intérieurs blancs et les tons neutres mais le style showroom, ce n’est pas du Laurence Sonck, en effet. Je conseille donc de travailler les volumes ouverts parce qu’ils accentuent la convivialité, et de les réchauffer. Comment ? En jouant avec la lumière naturelle, avec les éclairages indirects, en apportant des matières chaleureuses, des tapis épais, un plaid douillet, des coussins stylés, des objets et tableaux aussi. Vous savez, il suffit parfois de changer simplement quelques accessoires pour avoir l’impression de vivre dans un nouvel intérieur ! »

Son projet le plus ambitieux ? Et de citer sans hésiter Ramatuelle. « J’avais une relation fantastique avec le client qui m’a fait pleine confiance. On a tout géré, jusqu’au mobilier sur mesure et la commande d’une table de terrasse de 6m40 dessinée par mon bureau et conçue par Xavier Lust. La collaboration nouée dans le cadre de ce beau projet d’envergure a porté ses fruits ! »

Des projets qui sont autant de belles aventures humaines… « Pour vous donner un ordre de grandeur, il faut compter deux à trois ans entre le dépôt de permis et la réalisation d’une maison de 300 mètres carrés. C’est dire si moi et mon équipe nous avons le temps de faire connaissance avec nos clients, de les questionner sur leur manière de vivre et de recevoir, sur leurs attentes, sur le style de déco qui leur conviendrait le mieux … L’occasion de nouer de vrais rapports privilégiés et souvent de belles amitiés !

www.laurencesonck.be