Lionel Jadot, vous signez un nouvel ouvrage mettant à l’honneur deux projets qui vous sont chers : Zaventem Ateliers et le Mix. Rappelez-nous le concept de Zaventem Ateliers… C’est un lieu que j’ai créé il y a cinq ans. Un espace de 6000m2 dans une ancienne usine de papier de la périphérie bruxelloise où j’ai mis en place un concept d’ateliers partagés rassemblés presque uniquement autour du collectible design. Le but était de « curater » l’espace, de sélectionner précisément chaque producteur, designer, qui nous rejoignait dans l’aventure afin de rassembler en quelque sorte l’excellence du design actuel. Zaventem Ateliers est avant tout un accélérateur, un lieu qui permet aux jeunes studios émergents d’accéder à une place plus importante, une meilleure visibilité sur le marché. On fonctionne par candidature. On recherche des profils différents, originaux, innovants, avec des spécificités variées. C’est une vraie communauté. Et cette année, nous sommes très fiers, nous avons gagné le Henry van de Velde Award.

L’autre projet qui vous est cher et qui tient une place à part entière dans le livre, c’est le Mix… Je rêve de ce bâtiment depuis que je suis petit. Il fallait qu’on donne tout pour ce projet extraordinaire. Je voulais vraiment proposer quelque chose d’unique. On a imaginé Realistic circle. Autrement dit, un projet de 25000m2 où l’idée était de pousser notre client, le Mix, à dépenser localement. L’idée était donc de sélectionner un nombre de designers, ceux de Zaventem Ateliers mais aussi 27 autres se situant à moins de 50 km de Bruxelles. On a créé le concept, le mood board, ensuite les designers ont eu carte blanche pour choisir leur espace d’expression et ce qu’ils souhaitaient en faire. Selon moi, le Mix est devenu aujourd’hui l’ambassade du collectible design en Belgique. 

Et de ces deux projets naît un livre intitulé « Out of catalogues »… Oui, Out of catalogues reflète notre philosophie : ne pas travailler avec ce que l’on trouve dans les catalogues. Je ne sers jamais du tout cuit à mes clients, je réfléchis, je réinvente, je collabore, je souhaite toujours proposer quelque chose de différent. Hors catalogues, c’est aussi la marque de fabrique de Zaventem Ateliers, des ateliers uniques loin d’un marché classique ou tendance. 

Que retrouve-t-on dans ce bel ouvrage ? On retrouve un panel de présentations des designers de Zaventem Ateliers. On y parle de chaque studio, de leur spécificité et de ce qu’ils ont réalisé pour le Mix. Ensuite vient un cahier de trente-cinq pages axées sur le Mix, avec beaucoup de photos, des focus sur chaque objet, sur les designers qui ont participé à l’aventure. Et le troisième volet de ce livre, ce sont des discussions ouvertes, croisées, entre différents designers de Zaventem Ateliers. Cette partie apporte une autre dimension, un échange plus intime. 

Qui retrouve-t-on à l’écriture et derrière ces beaux clichés ? A l’écriture, c’est notre anthropologue maison ! Jérôme Hoppe ! Il a voulu faire sa thèse sur Zaventem Ateliers. ça fait quatre ans qu’il est avec nous, il connaît intimement bien notre communauté, chaque studio, chaque histoire, chaque anecdote, chaque drama. Il n’y avait que lui qui pouvait écrire ce livre. En combinant une vision globale analytique, sa présence continue et des entretiens tant informels que spécifiques, il brosse un tableau personnel qui se focalise sur la dimension humaine de l’équipée et nous emmène à la rencontre de la famille qui habite cette ancienne usine. Quant aux clichés, habités de l’intimité de la création, ils sont signés Stan Huaux et Jeremy Marchant. Pour mettre en forme ce livre d’art hybride écrit et photographié de l’intérieur : Juliette Amigues, graphiste et relieuse bibliophile.

Justement, esthétiquement, comment le décririez-vous ? L’idée était de réaliser un livre facile à prendre en main, avec une couverture souple. Quand on ouvre le livre, il tient à plat. La partie sur le Mix est en papier brillant, le reste en papier mat. La couverture rose reprend en impression gaufrée le plan de tous les ateliers.

Et chaque livre est en quelque sorte exclusif car il est accompagné d’un petit objet fait main… Tout à fait. On a réalisé 2000 marque-pages. Chaque exemplaire est accompagné d’un marque-page unique, fabriqué à la main par l’un des studios de Zaventem Ateliers, avec leurs outils et leurs gestes signature. 

www.mix.brussels

www.zaventemateliers.com

Diplômé architecte d’intérieur de l’Institut St Luc en 1992, vous êtes devenu une pointure du design, un Belge réputé à l’international. Rappelez-nous vos débuts ? Durant mes études j’avais déjà créé quelques mobiliers dont un paravent qui a été acheté quelques années après par l’équipe Ralph Lauren Home, un de mes premiers succès. J’ai débuté en faisant de l’auto-édition, j’avais un accord avec Tradix (qui importait de grandes marques italiennes) qui a pris en collection mes objets que je livrais par vingt pièces : étagères, tables, miroirs pivotants. Même si j’ai appris énormément d’aspects du design qu’on n’apprend pas à l’école, je reproduisais à chaque fois les mêmes modèles, j’avais envie de changement. En 1999, seul devant ma table, une idée incroyable m’est venue : le pliage 3D du métal. L’usine anversoise avec qui je travaillais a réussi à mettre en application mon idée. Chaises et bancs sont nés. Ensuite, en 2000, j’ai voulu faire le salon Satellite à Milan, j’y ai emmené mes plus beaux projets et sans le savoir, j’ai fait le buzz. J’ai rencontré de grands éditeurs dont MDF Italia a voulu mon banc en métal déformé. Et de fil en aiguille, j’ai dessiné beaucoup de projets pour de belles marques très inspirantes : Driade, De Padova…

Très polyvalent, vous avez également exploré le design pour tous avec du mobilier urbain à Bruxelles… Oui, en 2006 on m’appelle pour réaliser du mobilier urbain à Bruxelles. J’ai fait des bancs pour le Mont des Arts (ndlr : presque tous volé entre-temps). J’ai aussi remporté le concours pour créer de nouveaux abris de bus dans la capitale. Douze ans plus tard, il n’y en a toujours pas un qui ait été exposé… Le service public est compliqué et incompétent… Aujourd’hui, évidemment, cet abri imagi-né n’est plus dans les normes mais je n’aurais aucun problème à recommencer le projet. Ca me tient vraiment à cœur. C’est dommage, c’est une grande frustration pour moi. Vous savez, des projets comme cela dans une ville, ça donne une identité, ça tire la ville vers le haut. C’est très important.

Quelle est votre vision du design ? Ma motivation est réellement, à chaque fois, de proposer un projet qui n’a pas de référent, j’aime créer des pièces complètement nouvelles, novatrices dans tous les sens du terme : usage, forme, production, etc.    

En 1900, alors que la révolution industrielle bat son plein, Bruxelles est le terrain d’expérimentations d’un style subversif : l’Art nouveau. Un style ? Non, un état d’esprit et une foi insatiable dans la modernité. La Belgique et surtout Bruxelles occupent une place particulière dans l’histoire de ce style souvent peu considéré qui a été redécouvert dans les années 1970 et qui a finalement regagné ses lettres de noblesse. Parmi les fleurons de l’Art nouveau, l’ouverture récente de l’Hôtel van Eetvelde, conçu selon les dires de Victor Horta lui-même comme étant « le plus audacieux qu’il ait fait jusque-là ». Rencontre avec Hortense de Ghellinck coordinatrice au sein du LAB.AN et de l’Hôtel van Eetvelde.

Rappelez-nous l’origine historique de cette demeure ? Edmond van Eetvelde achète le bâtiment en 1895. Il a des fonctions de plus en plus importantes auprès de Léopold II et finit par être ministre du Congo. Ses besoins de réception grandissants, il a développé cette maison, conçue par Victor Horta, avec comme inspiration l’Art nouveau, une nouveauté fascinante à ses yeux. Ensuite la maison revient à son fils, puis à la famille d’Antoine Pouppez de Kettenis et enfin, de 1950 à aujourd’hui, à la Fédération des Industries du gaz.

Dans quel cadre la restauration de cet Hôtel a eu lieu ? Une première restauration a eu lieu en 1988 et une seconde en 2000. Le bâtiment était occupé par des locataires membres de la fédération. Le Covid est passé par là, l’idée de restaurer était déjà dans les esprits, mais cela a accéléré les démarches. Ce bâtiment, étant classé, a eu droit à des subsides, et dans les négociations, l’Hôtel, bien privé, peut être visité par le public durant cinq ans. 

Une demeure signée Victor Horta. On dit que cela serait une de ses créations les plus abouties, comment expliquez-vous cela ? C’est une demeure incroyable située dans le quartier des Squares à Schaerbeek. On pourrait passer trois heures à la visiter. Rien que sa façade rideau métallique est exceptionnelle, elle est la seule existante au monde. Tout est extrêmement bien pensé, il n’y a pas un centimètre qui est perdu. L’organisation des espaces et des circulations est subtile, chaque pièce est pensée dans les moindres détails. La verrière est l’une des plus belles de la ville esthétiquement parlant mais d’un point de vue technique aussi. Le système de ventilation, naturel, est aussi très ingénieux pour l’époque. Tout se mêle parfaitement. Le génie Victor Horta a réussi à traiter l’architecture et la décoration comme un tout, atteignant un sens de l’unité extraordinaire grâce à la conception minutieuse du moindre détail du bâtiment, depuis la poignée de porte ou la sonnette, jusqu’à la moindre pièce de mobilier de chaque pièce.

Avant de se quitter, quelques mots sur le LAB·AN qui se trouve au sein même de l’Hôtel van Eetvelde ? Dans le cadre de l’année Art nouveau et l’ouverture de ce bâtiment au public, nous avons créé un centre d’interprétation et de promotion de l’Art nouveau. Les visiteurs peuvent y découvrir une exposition présentant les caractéristiques principales de ce courant. L’objectif est d’en faire un lieu de dialogues avec la création contemporaine, mais aussi un espace de recherches et de débats. L’un des objectifs fondamentaux est la création d’un espace qui valorise et met en relation les partenaires et bâtiments de ce style existants à Bruxelles, en Belgique et en Europe. Une sorte d’émulation positive permettant de faire rayonner Bruxelles, la Belgique et l’Art nouveau dans le paysage culturel national et international.

Remontons le temps, comment vous êtes-vous épris d’amour pour le design ? Déjà tout jeune j’adorais bricoler avec mon père. L’envie de faire des choses c’est aussi comprendre comment elles sont fabriquées et finalement, c’est la base du design. De fil en aiguille, je me suis retrouvé à l’Ecole des Beaux-Arts de Reims qui avait une section design, j’ai poursuivi avec un stage à Paris chez les frères Bouroullec et ensuite un Erasmus en Suisse à l’ECAL à Lausanne. C’est une école très réputée, industrielle, professionnalisante. Cette rigueur était nécessaire à mon parcours. J’ai donc cette approche du design artistique, sensible et libre mais aussi le besoin de faire un design vrai, un design du quotidien. Mon cursus scolaire a véritablement fait qui je suis aujourd’hui, un designer je pense, assez complet. Après la Suisse, je me suis installé en 2009 en Belgique auprès de ma compagne belge. Un pays que j’adore. Et en 2015, je fondais mon studio. 

Un studio où vous créez des objets simples, où leur beauté se découvre dans les détails. Comment décririez-vous votre design ? Difficile car chaque projet est différent. La marque, le matériau diffèrent. Je fais avant tout des choses qui me plaisent. On me dit parfois minimaliste, parfois simple… Sans le vouloir, mes créations s’axent tout de même autour d’une ligne conductrice. Je dirais que mes réalisations ont une logique, elles sont bien faites, compréhensives immédiatement, lisibles…

Justement, un objet réussi pour vous c’est… Un objet que je vais retrouver dans vingt ou trente ans, toujours en production, toujours d’actualité. Un objet qui a du caractère, qu’on a envie de garder, qu’on s’approprie, qu’on transmet, qui ne s’est pas démodé, qui perdure après les années.

Vous êtes un designer pluridisciplinaire, vous réalisez aussi des intérieurs, vous êtes photographe mais aussi directeur créatif de Kewlox. C’est important pour vous de multiplier les casquettes ? Quand on est designer, on est aussi artiste donc toutes ces situations variées inspirent mais nous alimentent également, le métier de designer n’est pas toujours facile. C’est important de multiplier les casquettes pour réussir, pour avoir un travail consistant, mature. J’essaie que mes autres activités sur le côté nourrissent bien sûr mon design.

Coup de cœur pour vos intérieurs ! Comment vous êtes-vous éprise d’amour pour l’architecture d’intérieure ? Ma mère est très créative, elle a toujours eu un amour fou pour l’architecture, les décors, les beaux intérieurs, elle a un goût évident pour le beau. On a toujours aussi beaucoup voyagé. Cela a certainement ouvert mon esprit. Dans un petit carnet d’enfant, j’avais déjà écrit que je voulais être vétérinaire, architecte ou architecte d’intérieur. Et des années plus tard, me voilà à suivre des études d’architecture d’intérieur et de design au CAD à Bruxelles. Plusieurs stages intéressants ont ponctué mon parcours, un à Anvers chez Claire Bataille, un studio à l’époque de grands minimalistes belges et pour mon dernier stage, je suis allée à Paris chez Charlotte Perelman (Studio CMP). Là-bas, j’ai eu très vite beaucoup de responsabilités. J’ai terminé mes études, elle m’a proposé du travail et je suis partie vivre à Paris. De fil en aiguille, j’ai eu mes propres projets et j’ai lancé mon bureau en 2014, je travaillais alors entre la France et la Belgique. En 2017, je quitte la Ville lumière pour la Belgique et j’installe mon bureau à Gand.

Comment vous êtes-vous faite connaître en Belgique après des années à Paris ? Le bouche-à-oreille, les clients satisfaits qui parlent autour d’eux. Mais travailler à Paris a beaucoup boosté ma réputation. Plus exotique peut-être, plus tendance ? En tout cas, les gens voyaient que j’avais de beaux projets, une belle clientèle, des projets publiés dans des magazines… Paris était attrayant.

Comment décririez-vous votre univers ? C’est difficile à dire car nous nous adaptons au projet et au client. On a certains codes mais c’est particulièrement la philosophie de notre dessin qui fait notre patte. On analyse le lieu, la ville, l’architecture, l’histoire et l’origine de la maison et ensuite on essaie de la réinterpréter d’une manière contemporaine. Soit on utilise des volumes, des formes, des détails d’époque qu’on combine avec des matériaux ou des couleurs plus au goût du jour ou l’inverse, des matériaux anciens qu’on réveille avec formes plus contemporaines, des détails minimalistes. La cohérence et l’équilibre sont essentiels. On s’inspire aussi bien entendu du client, de la garçonnière à la maison conviviale, l’idée demeure très différente. A chaque fois on dessine autre chose et c’est ce qui me plait ! Mais quoiqu’il arrive on tente d’uniformiser, de viser la cohérence d’un espace à l’autre avec une simplicité des couleurs et des matières entre autres.

Carlo Busschop, vous êtes Directeur, troisième génération chez Bulo, quelle est l’histoire de la marque belge ? Mon grand-père, Walter Busschop, a commencé il y a soixante ans près d’Anvers avec un caisson en métal adapté plutôt aux églises ou aux hôpitaux. Ensuite, on a déménagé à Malines. C’est réellement dix ans après la création de l’entreprise que notre corps business est devenu le mobilier de bureau, l’ « office ». Mon père a repris la société et a développé l’export tout en appréciant travailler avec des designers renommés comme Claire Bataille et Paul Ibens ou encore Vincent Van Duysen. Aujourd’hui, je suis à la tête de l’entreprise depuis quatre ans.

Soixante ans plus tard, l’entreprise est toujours là, qu’est ce qui fait votre succès, votre longévité ? L’une des grandes forces de l’ADN Bulo est de produire et développer des collections intemporelles. Certaines collections sont là depuis trente ans, elles existent toujours et elles sont même devenues des must de la marque. La collection H2O est un bel exemple, créée en 1994, elle reste un de nos bestsellers, tant sa qualité que son design traversent les années sans vieillir. De plus, notre production se fait en grande partie en Belgique, avec un savoir-faire et une qualité exceptionnelle. Cela devient rare. Nous faisons également beaucoup de sur mesure pour correspondre à la demande du client et trouver une solution adéquate. Enfin, nous sommes une entreprise familiale, on se connait tous, les liens sont directs et les décisions courtes. 

Vous tentez de vous développer à l’international ? Oui, de plus en plus, en Europe mais aussi à l’étranger. Les États-Unis sont un marché très important pour nous. Au printemps, Bulo ouvrira un showroom à Chicago. C’est un énorme marché avec beaucoup de potentiel et de volume. Quand on entame un grand projet en Belgique, on parle de cent postes de travail, là-bas on parle tout de suite de mille postes… 

Quel est le produit qui reflète le mieux Bulo ? La collection H2O, une table qui a fêté ses trente ans l’année dernière, elle reste contemporaine au fil des époques. Mais aussi la chaise SL 58 de Léon Stynen qui a été créée pour l’expo 58. Elle magnifique, organique, en bois ou en tissu. 

Percevez-vous une évolution du bureau dans le milieu privé et professionnel ? Les bureaux dans l’espace professionnel deviennent très qualitatifs. Il faut attirer et séduire le travailleur qui a pris l’habitude de travailler chez lui. Aujourd’hui, le bureau a un autre but, cela devient un point de contact, une zone de rencontre, de création, de magnifiques lounge area ou coffee corner voient par exemple le jour. Le bureau est devenu plus important qu’avant, il doit être attractif pour attirer ! On retrouve des couleurs tendres, claires, des matières douces, durables… A la maison, le bureau prend aussi plus d’importance, il est plus grand, plus innovant. Il devient une pièce à part entière. On délaisse la forme rectangulaire classique pour une silhouette plus organique.

Un anniversaire, ça se célèbre… Vous vous entourez une nouvelle fois de Vincent Van Duysen. On était une des premières marques à travailler avec Vincent Van Duysen. On collabore donc une nouvelle fois ensemble pour nos 60 ans avec une variante de la chaise Bistro, la chaise VVD Bistro Monocolor. Son rapport qualité-prix est exceptionnel et les couleurs sont belles, très douces, elle est en polypropylène recyclé et donc durable. Et l’année prochaine, une nouvelle collection en partenariat avec Vincent verra aussi le jour !

Les prix du public et prix 1.2.3, remportés lors de la 23è édition du Festival international de mode et de photographie d’Hyères en 2008 ont marqué les bases de votre reconnaissance artistique. Mais pas celles de votre parcours créatif. En effet. Devenir styliste était un rêve depuis tout petit. Mais lors de mes études d’arts plastiques puis de mes premières collections, j’ai compris que je désirais enraciner mes modèles dans une vision plus globale, un univers comprenant aussi des créations d’objets et d’œuvres plastiques. Mon noyau central c’est la mode, mais agrémentée d’influences et expériences. Elle va, pour moi, bien plus loin que le vêtement. Lorsque je parle de mode, j’évoque un mode de vie. 

Des collections de prêt-à-porter et des costumes pour le théâtre et la danse, une boutique d’art et d’artisanat contemporain baptisée Extra-Ordinaire et même la conception d’emballages pour la chocolaterie Galler… Vous êtes en effet un formidable touche-à-tout. Est-ce une manière de renvoyer dans les cordes toute forme de carcan ? Lorsqu’on est designer, on regarde, on analyse, on donne sa version du monde. Pourquoi cela devrait-il se limiter à un domaine particulier ? D’autant que chacun est l’occasion de concevoir une vraie scénographie. En cela, mes deux réalisations les plus représentatives sont sans doute l’exposition réalisée au Musée Mode & Dentelle et la suite aménagée au 18^e étage de The Hotel, à Bruxelles. Dans le premier, je mêlais un patchwork d’œuvres, de vêtments et de souvenirs venant de chez mes parents. Le second était une autre forme de plongée dans mon intimité, rassemblant des trouvailles glanées au fil de mes voyages comme issus de mes placards, pour obtenir un amalgame d’émotions et de styles et une expérience où tous les sens se retrouvaient en éveil. 

Dans votre univers, un King Kong doré côtoie des chemises affublées d’extraits de journaux, des coques de smartphone se voient dotées de homards à joyaux et les foulards en soie s’ornent d’aigles et de billets de banque. Le moindre objet semble pour vous le point de départ d’un terrain de jeu infini.  Votre cerveau est-il en constante ébullition ? Totalement. Tout m’inspire. La création est depuis toujours, bien plus vaste que la matière sur laquelle elle se travaille. Et quel qu’en soit le support, je cherche ce qui, d’une certaine façon, nous rassemble tous. Et à, au-delà de l’éclectisme de style, raconter la multiculturalité et le mélange social. Je voyage beaucoup, pour différents projets et cela influence forcément ce que je crée, mais pour moi, il s’agit avant tout de s’imprégner de ce qui m’entoure, peu importe le lieu, et d’en faire le cheminement de mon voyage intérieur. 

Liégeois d’origine, vous avez aussi vécu à Bruxelles et Anvers, mais vous définissez comme nomade. Pourquoi ? J’ai aussi vécu à Berlin et New York entre autres. J’ai coutume de dire que je viens d’Harzé, dans la commune d’Aywaille, dans la région de Liège, en Wallonie, en Belgique qui est en Europe. Je suis aussi belge que citoyen du monde. Mon identité ne s’arrête pas aux frontières. Même si la diversité culturelle de notre pays m’a certainement influencée. 

Participer à l’élaboration graphique du coworking Silversquare Guillemains, était-il malgré tout une forme de retour à vos racines ?  Cela m’a fait très plaisir en effet de réaliser un projet à Liège et d’avoir cette dimension à la fois liée à l’artistique et au patrimoine, au local et à l’international. Ma philosophie est de miser sur une globalisation positive, en travaillant avec des artisans de proximité ou rencontrés dans des pays plus lointains mais tous issus de petites structures ou de familles, qu’elles soient de Liège, d’Inde ou du Maroc. 

Vous retrouvez la grisaille bruxelloise après plusieurs semaines de travail au Mexique. Comment s’annoncent les mois à venir ? Oui, j’y avais installé mon Projet Nomade présentant mes créations un peu partout dans le monde. Cet été, il avait pris la forme d’un pop-up au sein d’une maison de pêcheurs sur l’île grecque d’Hydra, avant de s’exporter à Istanbul. Puis, jusqu’à mi-novembre, dans une boutique de Mexico City. Je me concentre désormais sur une collaboration encore tenue secrète avec une grande maison de luxe parisienne et dont le résultat sera révélé au mois de mars. J’en n’ai pas fini avec l’éclectisme !  Mais l’essentiel à mes yeux est de pouvoir continuer à aller à la rencontre du public et aborder avec lui cette créativité qui rassemble, l’art et son pouvoir d’unité.

www.jeanpaullespagnard.com

La Maison Hannon est en pleine renaissance et a ouvert ses portes au public. Vous en êtes le jeune conservateur. Quelle aventure ! Rappelez-nous les origines, l’histoire de la Maison ? Grégory Van Aelbrouck – Elle est construite entre 1902 et 1904 par un couple franco-belge, Monsieur et Madame Hannon. Cette demeure est imprégnée par les deux personnages. Marie Hannon a géré la Maison et son intérieur et Monsieur s’est intéressé à l’extérieur et au deuxième étage où se trouvaient la chambre noire (il faisait de la photo) et la bibliothèque. L’étiquette est française dans le choix du mobilier et des matières. Tandis que les œuvres d’art sont plutôt l’apanage de Monsieur et sont donc belges : sculptures, peintures… Ce mariage des deux goûts est particulièrement intéressant. Le couple a fait appel à l’architecte Jules Brunfaut, meilleur ami de Monsieur Hannon. A l’époque, Victor Horta était l’architecte des grands dirigeants de Solvay où Monsieur travaillait et cela ne se fait pas d’imiter son patron donc ils ont fait appel à un autre architecte en demandant de s’inspirer d’Horta.

Et de fil en aiguille, cette Maison a survécu aux années… Effectivement. Edouard survit à Marie et à sa mort, la Maison passe à leur fille unique qui vit dans le souvenir de son père. à son décès, rien n’a bougé dans la Maison. Les descendants vendent, un promoteur achète, il souhaite détruire la Maison. On est en 65, l’Art nouveau n’a pas encore ses lettres de noblesse, c’est un style parmi d’autres, décrié, pas rationnel, passéiste… Mais la fille de l’architecte Brunfaut va se mobiliser pour sauver le bâtiment et après beaucoup de scandales, la façade est classée, ce qui empêche sa destruction même si certains éléments ont déjà disparu. Quelques années plus tard, l’intérieur est aussi classé au moment où la commune de Saint-Gilles achète le bâtiment. Assainissement du lieu et appel à projets s’ensuivent. Après diverses orientations, nous décidons d’en faire une maison-musée et non un musée d’arts décoratifs. 

Pourquoi justement parler de « maison-musée » ? Indéniablement, c’est la Maison qui intéresse réellement le grand public. Avec tant d’éléments, de traces et d’objets en notre possession, j’ai décidé de remettre au cœur de l’histoire le couple et la Maison avec comme vocation de muséifier le lieu où on tient une certaine dynamique avec des activités pédagogiques. Nous avons décidé de faire une exposition temporaire pour renouve-ler le public et surtout le public local. Nous voulons mettre en lumière l’œuvre du couple Hannon et de l’Art nouveau en général. Il n’y a pas de lieu qui défend actuellement l’Art nouveau au sens large, dans sa pluralité. La Maison Hannon, spectaculaire, est une superbe vitrine car elle a une grande attractivité visuelle. Actuellement, le visiteur découvre une exposition permanente avec le mobilier d’origine de la Maison qui revient progressivement et une exposition temporaire sur l’Art nouveau dans sa diversité à l’exception de Victor Horta qui détient le monopole. Justement, pour jeter en quelque sorte un pavé dans la mare. L’Art nouveau est un art du quotidien hors qu’Horta crée tout sauf un art du quotidien. 

Qu’est-ce qui différencie cette demeure d’une Maison Horta ? Victor Horta était un génie perfectionniste avec les défauts et les qualités que cela entraîne. Dans les réalisations Horta, vous serez toujours chez Victor Horta, ici vous êtes tout d’abord chez les commanditaires des lieux, tout a été pensé pour eux, tout a été adapté à la personnalité du couple, c’est une maison portrait. 

La Maison Hannon est ouverte au public mais sa restauration est encore en cours… On ne sait pas tout restaurer d’un coup, pour des raisons de temps, de connaissances et de budget. On en a fait une force et la question de la restauration est au centre de notre discours. Tous les quatre ou six mois, le public va pouvoir participer et voir les artisans restaurer un certain espace. Et ce jusque 2030. Par ailleurs, quand il paie son entrée, 2 euros vont à la restauration, donc il contribue à revenir au musée, c’est un bien collectif. Le visiteur a de plus en plus besoin de sens. Une première phase de restauration est achevée : le rez-de-chaussée qui restitue fidèlement l’univers des Hannon et le premièr étage, lieu d’expositions temporaires. La façade est restaurée également. La fresque monumentale dans les escaliers aussi avec douze personnes qui y ont travaillé durant deux mois. Aujourd’hui, on travaille sur les décors de la serre ou encore la remise des tissus dans les pièces. Mais comme je le mentionne, ces rénovations signent la première phase d’un projet bien plus large.

Vous êtes le conservateur de cette Maison, qu’est-ce qu’elle vous inspire personnellement ? C’est un moment de grâce, un moment hors du temps. C’est une consolation au monde, un paradis perdu. On voyage indéniablement quand on vient dans ce genre d’endroit.

Cette année, l’Art nouveau est à l’honneur, quelles sont les plus belles haltes pour l’apprécier ? La Maison Horta pour un ordinaire très sophistiqué, c’est l’antre du maître. L’Hôtel Solvay, seule maison du maître totalement intacte. La Maison Cauchie qui est la maison d’un peintre et bien sûr la Maison Hannon avec ce goût français et symboliste unique.

www.maisonhannon.be