On rencontre Pierre de Maere, 21 ans, aux Terres d’Ici, une ferme concept basée à La Hulpe qui abrite une pépinière et un restaurant écoresponsable où l’équipe de Be Perfect aime venir siroter un excellent vin blanc. En ce 15 août, il fait particulièrement chaud. Pierre de Maere arrive en short, décontracté, les cheveux en bataille. La coupe au bol stricte, à la Mireille Mathieu, qui a fait son succès, il n’en veut plus. Message reçu pour un shooting en mode « out of bed ». D’emblée, on se fait la bise, c’est plus convivial. On se tutoie. Ses grands yeux bleus perçants m’interrogent. Ah non, les questions, c’est moi qui les pose… Faudrait pas que je me laisse impressionner !

21 ans, waow, c’est jeune ! A quel âge, Pierre de Maere s’est-il rendu compte qu’il avait une fibre artistique ? Tôt.  Vers 10, 11 ans, je me suis initié à la composition et à la production grâce à l’application GarageBand (un logiciel d’enregistrement sur Mac – nda), je chantais en yaourt, puis dans un anglais assez pitoyable, juste pour le plaisir, pour échapper à l’ennui parfois, mais sans projet d’avenir artistique. Progressivement, j’ai délaissé la musique pour la photographie. Mes photos d’Alex Lawther, l’acteur de la série « The End of the F***ing World » sont publiées dans GQ Magazine. J’imagine ma voie toute tracée : la photo où j’intègre évidemment la mode et la direction artistique… Mais à 18 ans, au début du confinement, je décide d’écrire en français, c’est un véritable déclic : si en anglais, je chantais des sujets bateaux, je ressens soudain, en composant dans ma langue, le besoin de créer un univers, de parler de moi et de sujets personnels. Et je mets à profit mon expérience de photographe. Le facteur chance est au rendez-vous : j’écris et je publie un titre « Potins absurdes » sur Spotify, une plateforme de streaming. Ce single est repéré par Cinq7, un label français (où l’on retrouve Jean-Louis Murat, Bertrand Belin, Dominique A – nda) qui m’appelle aussitôt… Je signe un EP, « Un jour, je » qui sort en janvier 2022 et qui renferme mon premier single « Un jour, je marierai un ange », lequel va me propulser au-devant de la scène. Jusqu’ici, je suis vraiment un artiste verni, mais pas uniquement. Ce succès rapide, je le dois à des heures de travail. 

Quelles sont tes références ?  Ado, je tendais l’oreille à tout ce qui passait à la radio, puis j’ai apporté du crédit à ce qu’écoutaient mes parents : la chanson française du côté maternel et le rock anglo-saxon du côté de mon père, Bowie, Queen, Supertramp notamment. J’ai une culture hybride qui mixe les années 70, 80 et des artistes actuels, Stromae évidemment, les Français Yelle, The Do, La Femme, et Feu! Chatterton, les Canadiens Hubert Lenoir et Arcade Fire. Du côté des States, Tyler, The Creator et Lady Gaga, ma queen, une mère spirituelle pour moi. Ah, les Rita Mitsouko également, l’ovni des années 80.

Des artistes expressifs, hauts en couleur, qui ont du panache scénique ! Oui. Théâtralité, mise en scène, extravagance, dérision, provocation, insolence, insoumission, c’est tout ce que j’aime et qui imprègne mon travail. Quand je suis au rendez-vous professionnel, comme maintenant avec toi, je suis calme, serein, posé. Sur scène, je me lâche. J’aime le baroque, envoyer des strass et des paillettes. Envoyer du rêve.

Ah, et qui est Pierre de Maere alors ? Posé à la ville, excentrique sur scène, ce contraste me convient parfaitement. Je fais bien la part des choses.

Même quand tu demandes au public de te rendre célèbre ?  Ce « make me famous » est en partie ironique. En partie seulement. Car, oui, j’aime cette célébrité soudaine. 

Le quart d’heure de gloire de Warhol te suffira-t-il à être heureux ? Rire. Non, mais je ne réclame pas la gloire pas à tout prix. La célébrité, je la vois comme une reconnaissance de mon travail. Si le facteur chance a beaucoup joué dans ce début de carrière, le travail aussi. Devenir auteur/compositeur/producteur est exigent. Alors oui, j’aime la reconnaissance que m’apporte ce travail. Et l’estime qui va avec. Et l’amour du public. Les messages des fans sont terriblement touchants.

Tu te sens célèbre ? Oh non, la célébrité, c’est remplir Bercy ! 

Quel est ton public ? Il est très hétéroclite, composé de daronnes, quadras et quinquas, qui n’aiment pas la scène rap (rire) et qui sont ravies d’entendre un artiste au look de gendre idéal, chanter en français. Des gays également, qui se reconnaissent à travers moi. Du reste, c’est assez diversifié… Je ne souhaite absolument pas être catalogué chanteur arc-en-ciel. Mon label, heureusement, l’a bien compris, en se concentrant principalement sur la musique.

Comment te perçoit-il ce public ? Certains me trouvent pédant, ce n’est pas du tout le cas ! Ma folie des grandeurs peut irriter, mais je suis surtout un grand rêveur, avec une part de naïveté et beaucoup d’honnêteté dans mes textes. Je me définirais comme un romantique qui vend du rêve et attend d’être aimé en retour. 

Ton univers étant très rétro, me vient logiquement cette question : que t’inspires notre époque ? Je ne suis pas du tout passéiste, ni en réaction à. Je suis bien ancré dans cette époque, mais mon choix esthétique, qui englobe la musique, la mode, la photo, le clip, est clairement rétro. Mon époque est plutôt frontale, crue, moi j’aime bien enrober le discours. C’est également une manière de me démarquer. Une chose est sûre : je suis moi-même et si je ne corresponds pas aux standards de l’époque, ce n’est franchement pas grave. D’autant que nous sommes relativement nombreux à aimer le rétro, l’argentique, les vinyles, la mode des seventies…

Musique, mode, scène, tu te sens influenceur ? Non. Je ne dénigre pas ce milieu mais, sincèrement, je ne suis aucun influenceur, aucune instagrammeuse. Ma force, c’est ma musique. 

Mais tu aimes te démarquer. Avec, notamment, des R roulés ? En quelque sorte. Mais ce R est le fruit d’un accident, je n’ai pas suivi de cours de chant, ces r roulés ne sont pas un produit marketing, c’est arrivé tout simplement. Et j’ai trouvé ce R roulé très musical. 

En chantant en français, tu n’as pas peur de te couper du monde anglo-saxon ? Stromae a déchaîné les foules américaines. Si la musicalité et les arrangements d’un morceau sont forts, il peut franchir la barrière de la langue. Je l’espère !

« Menteur », « J’aime, J’aime », « Regrets », tes textes questionnent bon nombre de tabous tels que le désir, la quête de reconnaissance ou les addictions. Pourtant, tu avoues ne pas aimer écrire…  Ces textes qui figurent sur mon premier EP ne reflètent pas vraiment mon vécu, je suis trop jeune pour ça, ils expriment plutôt des fantasmes, ils sont une projection idéalisée de ma vie. Dans « Menteur », je le dis sans retenue, je voudrais être une superstar. Mes envies de réussite, je les ai exprimées. Mais écrire, pour revenir à ta question, c’est l’enfer, en effet. J’ai déjà reçu des textes d’autres auteurs, mais ils ne me ressemblent pas, l’écriture faisant partie intégrante de mon projet. En revanche, j’adore composer, produire. Je suis un addict des sons, j’aime l’aspect technique de la production. Je suis bien meilleur compositeur et producteur, qu’interprète. Certes, j’ai une signature vocale, mais je ne pense pas que je chante bien. Et comme les cours de chants ne me parlent pas… Oui, les arrangements, c’est vraiment ma tasse de thé. Je travaille avec mon frère, 23 ans, qui est ingénieur du son. On partage les mêmes références et il est de plus intégré au projet Pierre de Maere. Sur le prochain album, on a produit à deux la plupart des morceaux. 

Pour les lives, tu as choisi l’AB Club à Bruxelles, puis la Cigale à Paris, «  la plus belle soirée de ta vie », écris-tu sur Tik Tok. Paris, un sacré défi, non ? Mon label tenait à se focaliser sur Paris et la France, mais j’ai néanmoins tenu à ajouter Bruxelles, même si pour eux c’est de « l’expor ». L’AB Club, en mai dernier, et La Madeleine le 18 novembre prochain, deux dates auxquelles je tenais vraiment pour rencontrer mon public belge.

J’ai l’impression, mais corrige-moi si je m’égare, que tu te sentais un peu à l’étroit à Walhain, dans le Brabant wallon … Rire. J’ai vécu 10 ans à Bruxelles, puis mes parents se sont installés à Walhain. C’est un magnifique petit village pas si reculé que ça. Beaucoup de Bruxellois s’y sont installés, et je ne regrette pas d’y avoir passé mon adolescence. Mais ma vie actuelle, un pied à Paris un pied à Walhain, me convient mieux. C’est l’équilibre parfait. Je fais la fête là-bas, j’aime le bling parisien, et je me ressource ici. Car à Paris, oui, on peut vite devenir fou …

On a déjà écrit que l’année 2022 serait l’année Pierre de Maere, peut-on rajouter 2023 ? Oui, oui. Début 2023, je sors mon premier album, dont on connaît déjà un single, « Roméo ». Je l’ai envoyé en éclaireur, histoire de ne pas me faire oublier.

On sera au rendez-vous !

En concert à La Madeleine à Bruxelles, le 18 novembre.
EP sorti en 2022 : « Un jour, je » Nouveau single : « Roméo » (qui figurera sur l’album).

Premier album : début 2023

www.cinq7.com/artist/pierre-de-maere

Le récit d’une passion tumultueuse sous le ciel de Bruxelles. Les paysages de l’Iran en toile de fond d’une rencontre de l’autre et de soi-même. Deux fables poétiques signées en duo avec l’illustratrice Marine Schneider, comme des caresses dont abreuver ses enfants. Un recueil intime témoignant de la découverte de la maternité, à la naissance de son fils Nour. Et enfin une réflexion autant qu’un dialogue sur notre rapport aux vêtements, en tant qu’enveloppe de notre identité. Victoire de Changy nous emmène sur les routes, au gré des voyages de l’âme qui composent ses écrits. Pas de format ou de thématique invariable, ni de genre qui cadenasse, pour les six ouvrages de l’écrivaine belge. Mais une délicatesse qui nous effleure, pour ne plus nous lâcher jusqu’au dernier des mots. Et la poésie pour essence, celle qui vibre au cœur et à l’oreille. « C’est une façon dont j’agence mes phrases pour que les sons se répondent entre eux. C’est toujours une question de rythme et de musique, que j’écrive pour les adultes ou pour les enfants, tout est dans la rime et dans l’espacement, même si c’est parfois imperceptible au regard du lecteur. C’est la poésie qui lie tout ce que j’écris. Tout comme ma façon d’écrire est avant tout sensorielle, je pense. Il s’agit presque toujours de transcrire une texture, une matière, un parfum, quelque chose de toujours très ténu.»

Derrière l’étoffe, la trame de nos existences

En tissant la trame de nos rapports aux vêtements « Subvenir aux miracles » aborde tout à la fois l’habit en tant qu’extension de l’être et du paraître, ou plutôt faudrait-il dire du par-être. En tant que transmission aussi, fil fragile qui nous relie aux autres, à leur regard comme à notre histoire partagée. Édité dans une collection des éditions Cambourakis en partenariat avec le Musée des Confluences de Lyon, il a pour point de départ une robe de mariée conçue en fibres optiques lumineuses, par le styliste Mongi Guibane, tout spécialement pour le musée. Et de là, l’occasion pour Victoire de Changy de se questionner sur la robe de mariée en tant qu’objet mais aussi en tant que présence et symbolique, comme elle l’explique « j’ai interrogé l’historique, évidemment, mais aussi mon propre rapport à cet objet, ainsi que les choix de celles de ma famille qui me précédèrent. Très naturellement, la réflexion a bifurqué vers celle du vêtement au sens large. J’ai interrogé tous ceux qui m’entouraient et me croisaient sur leurs rapports à leurs vêtements, et j’ai découvert un monde que je devinais déjà sensible, complexe, bien plus étendu qu’un simple objet d’apparence et de subsistance ». Un monde dont l’écrivaine détricote les archétypes et les carcans, jusqu’à en revenir à la matière brute, l’étoffe des émois et des sens. Et à l’intime, qui toujours chez Victoire de Changy, s’échappe joliment des mots. Ainsi définit-elle son rapport aux vêtements comme « une consolation. Et l’occasion, tous les jours, d’une fête. » Des mots qui font échos à ceux de son ouvrage : « Qu’un miracle survienne à travers lui, et qu’il subvienne à nos miracles. Voilà bien ce qu’on attend, ce que j’attends, moi, d’un vêtement. ». Écho aussi à son attirance pour le cirque, dans son imaginaire et sa représentation visuelle, attirance qu’elle partage également par des photos et de petits textes distillés sur ses réseaux  « Le cirque, l’acrobatie, la magie et les tenues reliées à cet univers m’attirent particulièrement, rapport à cette idée de fête, justement, mais aussi parce qu’ils étirent les possibilités de mon corps qui, à cause d’une maladie neuromusculaire, a des capacités limitées ».

Et au-delà de l’histoire, le lien

Tout comme les récits de Victoire de Changy se refusent à se plier à une forme arrêtée, ils débordent aussi des pages, pour s’écrire partout, en tout, les mots, semblant cultivés, chéris jusque dans la moindre parole. Transformant en évidence son affirmation d’avoir toujours voulu écrire : « J’ai écrit des histoires dès que j’ai eu la capacité d’aligner des mots puis des phrases. Avant d’y parvenir, je chantais toute la journée. Je l’évoque si souvent que j’ai parfois peur que ça puisse ressembler à une posture : oui, j’ai toujours voulu écrire des livres, tant et si bien que lorsqu’il m’arrive aujourd’hui de croiser quelqu’un plus vu depuis l’enfance, on me demande souvent si je suis devenue cette écrivain que je souhaitais déjà être enfant ». Et de fait, au-delà des vêtements, véritables caisses de résonnances de nos existences et de leur capacité, tout à la fois à habiller, masquer, protéger ou mettre à nu notre être, au-delà des perles qu’elle enfile pour composer ses histoires, fictionnelles ou réelles, comme d’autres le feraient de bijoux, Victoire de Changy tisse un lien avec ses lecteurs, tout à la fois doux, subtil et profond, qu’on continue de porter sur soi, longtemps après en avoir refermé les pages.

« Subvenir aux miracles », de Victoire de Changy, aux Editions Cambourakis.

DoubleDouble

Après avoir étudié le journalisme à l’IHECS et travaillé en TV et radio, Laurent Stine se lance comme réalisateur indépendant afin de réunir deux domaines qui l’animent depuis toujours : l’image et le contenu. En 2009, cet originaire de la région de Saint-Hubert décide d’aller encore plus loin et crée DoubleDouble : une société de production audiovisuelle spécialisée dans les films de communication d’entreprise et publicitaires ainsi que dans le motion design. Plusieurs fois récompensée au Corporate Medias and TV Awards de Cannes et au Deauville Green Awards, l’agence DoubleDouble a produit pour de grandes entreprises (dont FedEx, John Cockerill, Beckaert, Facq ou encore SWIFT) ainsi que pour des institutions belges et internationales comme Amnesty International et MSF.

Un autre regard

Chez DoubleDouble, on ne fait pas dans la communication d’entreprise austère et ennuyeuse. Car Laurent Stine, ce qu’il aime, c’est raconter et ce qu’il veut avant tout, c’est faire de la poésie. «Pendant tout un temps, la vidéo corporate consistait à faire des interviews de gens dans des bureaux. Ça finissait sur un DVD qu’on montrait dans une salle de réunion. Mais aujourd’hui, les choses évoluent, surtout depuis l’avènement du digital. C’est une véritable porte ouverte à la diffusion plus massive de contenus qui permet à tout un chacun d’y avoir accès si l’entreprise le désire.»

Métaphore et onirisme

Ce qui fait la particularité de cette agence bruxelloise, c’est sans conteste ce que Laurent Stine nomme le storytelling. Dans ce domaine, le réalisateur se révèle être un magicien capable de transformer n’importe quelle problématique aussi complexe et peu sexy soit-elle en une histoire qui prend le spectateur par la main. Son secret ? Avoir recours à la poésie. «J’utilise un langage visuel qui fait intervenir le métaphorique et l’onirique. Je cherche à raconter quelque chose en montrant autre chose. Un bon film doit être poétique et inspirant, mais aussi donner une impression positive. Il faut qu’on ait envie de le partager et de le revoir.»

L’amour du métier

Ce qui l’anime au plus profond et le fait vibrer au quotidien, c’est sa passion de l’image. Quand il explique ce qu’il aime dans la réalisation, ses yeux s’illuminent. «Ce métier est incroyable, il me permet de passer d’un sujet à l’autre. La nuit dernière, j’étais dans un tunnel en train de filmer une jeune femme en robe de soirée et là, je prépare un film pour une fondation hospitalière. Avant cela, j’étais en Suisse et en Angleterre dans des stades de foot.» Ce métier, ce sont des découvertes et des rencontres. Celui qui se dit «curieux des gens et des choses» confie s’amuser en faisant son métier.

Ère digitale et concurrence

Laurent Stine l’affirme, sur le marché de la communica-tion d’entreprise et de marque, la concurrence est rude. «La Belgique est un pays avec plusieurs communautés, ce qui réduit la taille du marché et multiplie les coûts (il faut parfois tout décliner en deux ou trois langues)». Selon lui, la communication audiovisuelle est «à un tournant». Alors qu’auparavant, seules certaines entre-prises pouvaient se permettre de réaliser du contenu audiovisuel, désormais avec l’avènement du digital, n’importe qui peut prétendre à la réalisation d’un film.

«En plus de la diffusion, le matériel s’est démocratisé. Aujourd’hui, avec un smartphone, on peut produire des images de bonne qualité. Beaucoup d’entreprises pensent être capables de développer leur propre production visuelle et se demandent pourquoi payer alors qu’elles pourraient le faire elles-mêmes. Sauf qu’elles n’ont pas le savoir-faire. Mon rôle est d’arriver à les convaincre d’aller dans une direction plutôt qu’une autre et de les tirer vers le haut.»

Think like you are and act like you think

«Dans ce milieu, on doit constamment prouver ce qu’on sait faire. Quand on est contacté par un potentiel client, deux fois sur trois, il s’agit d’un pitch qui n’est jamais rémunéré.» Pour y répondre, le réalisateur investit énormément de temps et d’énergie. Ainsi, en plus des différents films qu’il réalise pour ses clients, Laurent Stine a récemment développé un projet personnel, un court métrage de 1 minute 30 dont l’histoire tient en une seule ligne : “Think like you are and act like you think”. «C’est un peu le slogan de l’agence “pensez comme vous êtes et agissez comme vous pensez.” Ce film est en quelque sorte une carte de visite pour DoubleDouble, mais aussi pour moi en tant que réalisateur.»

De la suite dans les idées

Quand on lui demande comment il envisage l’avenir, Laurent Stine confie qu’il souhaite continuer à montrer qu’il est possible de communiquer différemment, de manière visuelle en créant des histoires. Désireux d’aller toujours plus loin dans la réflexion, celui qui semble ne jamais être en panne d’idées le certifie : «Je continuerai à faire des images, peu importe où.»

«Le nom DoubleDouble ? Un clin d’œil cinématographique et culinaire qui fait référence au «double-double», un terme utilisé par les Canadiens pour désigner un café avec double crème et double sucre. Dans «Pulp Fiction», un des personnages du film le commande souvent.»

www.doubledouble.be

 www.laurentstine.com

Il y a 10 ans, vous remportez La Biennale de la chanson française, en 2019, le concours FrancOff  aux Francofolies de Spa puis, en mars dernier, vous êtes sacrée Coup de Coeur des Médias Francophones Publics. A ce titre, votre chanson «Paradis Nord» a été diffusée par La Première (RTBF), Radio France, Radio-Canada, la Radio Télévision Suisse, etc. Percer en Belgique, est-ce un véritable parcours du combattant ? Oui, évidemment, mais je ne souhaite pas être celle dont le parcours artistique se résume à cette phrase un peu fataliste ! Rire. J’ai mis, il est vrai, un peu de temps à trouver ma véritable voie artistique, à savoir vraiment où je souhaitais aller, à faire de belles rencontres enfin fructueuses. Composer un album coûte beaucoup d’argent, ce n’est vraiment pas un métier évident ! 

Passer à la radio, c’est un sacré tremplin…  Qui m’a agréablement surprise, car je m’attendais à sortir cet album en cachette. Je ne cherche pas la reconnaissance à tout prix, mais plutôt à offrir au public un répertoire de qualité. C’est l’oeuvre qui compte. Mais cette reconnaissance fait plaisir. »

Devenir chanteuse, une évidence ? Oui. C’était ma mission ! (Rire) C’est un peu mystérieux comme ressenti. Dès que j’ai pu m’exprimer, j’ai su que c’était là ma voie. Or, je ne viens pas d’une famille d’artistes…  

Vous avez quitté Neufchâteau pour Bruxelles, il y a quelques années. Votre chanson « La Révélation » parle d’une « ville morte, sans histoire sans révolution. Une ville à réinventer », est-ce là le portrait de Bruxelles ? J’ai écrit cette chanson en pensant plutôt à ma ville natale, ville de province un peu éteinte. Mais je l’ai écrite pendant le confinement ; in fine, elle parle de toutes ces grandes villes qui ont souffert de la crise …

Pour faire carrière si j’ose dire, faut-il monter en ville ? Pas forcément. Regardez Jean-Louis Murat, toujours fidèle à son Auvergne natale !

Votre album est le fruit d’une collaboration avec le parolier Antoine Graugnard. Qu’y a-t-il de Mélanie Isaac dans ces 9 titres ? Tout. Il y a trois chansons en collab, le reste c’est moi ! Quand j’écris, je suis en quête d’authenticité, de justesse, en résonance avec ce que je suis réellement.

A l’écoute du single « Surface » où vous parlez de “saigner en silence ou de s’prendre des cailloux”, je vous devine pessimiste… Rire. Non non, la vie n’est pas facile, qui pourrait dire le contraire ?, mais l’homme reste debout. Cette chanson est un appel à la résistance et au courage. Je suis une volontaire ! 

Parlons musique. Ça vous ennuie si je vous compare à Françoise Hardy ou Dominique  A ? Au contraire, vous me flattez ! J’ai en commun, je crois, avec Françoise Hardy, une même retenue dans ma façon de chanter, sans grandiloquence aucune. Ne pas en faire de trop, c’est important pour moi. Pourtant, j’ai fait beaucoup de chant lyrique et je pourrais envoyer, mais je préfère être tout près de l’oreille de l’auditeur. Une voix parlée qui raconte quelque chose, une approche intime, elle est là ma quête. Quant à mes influences, elles sont multiples : ado, j’ai été bercée par PJ Harvey et Radiohead. Je n’ai aucun snobisme en musique : j’adore imprimer des tablatures et jouer aussi bien les Beatles et de la pop énervée que du William Sheller et du Michel Berger ! Je suis curieuse de toutes les musiques.

Sur scène à Spa le 23 juillet prochain, à quoi le public doit-il s’attendre ? Je serai seule avec ma guitare et mon piano, pour une prestation relativement dépouillée, intimiste de « Surface », agrémentée de chansons qui ne se trouvent pas sur cet album.

Vous avez beaucoup de chansons dans vos tiroirs ? Oh oui ! De quoi remplir la moitié de mon prochain album. Reste à trouver les moyens financiers pour le produire !

CONCERTS

De nouvelles dates en septembre

www.facebook.com/melisaac

CD disponible sur Bandcamp

En avant-propos de votre roman, une photo de vous. Est-ce que votre héroïne vous ressemble ? Il y a toujours un peu de moi dans chacun de mes personnages. Pas uniquement dans l’héroïne d’ailleurs. Il s’avère qu’en 2015, on m’a annoncé que j’étais condamnée. J’ai eu un cancer du sein excessivement agressif. J’élevais alors seule deux adolescents. Nora devient jeune fille au moment où l’on m’annonce ce cancer. Elle a bien compris la gravité de la situation et s’est demandée ce qui allait lui arriver si je ne m’en sortais pas. Elle m’a fait la guerre pendant quelques années … 

Qu’est-ce qui vous a inspiré ce roman ? Tout ce que je voulais transmettre à ma fille se heurtait à une fin de non-recevoir. Le point de départ de « Salsa », c’est donc ce qu’une mère souhaite dire/transmettre à ses enfants, principalement à sa fille. Mais je me fais toujours rattraper par mes personnages qui m’emmènent là où je n’avais pas pensé aller. C’est ainsi que « Salsa » est devenu un thriller psychologique.

De page en page, on découvre des établissements bien connus des Bruxellois. Qu’est-ce qui vous plait tant dans cette ville ? L’amour est au centre de ma vie. Je suis une amoureuse. De la vie, de mes enfants, des auteurs belges. Je suis tombée amoureuse de Bruxelles. Partout, j’y ai rencontré des occasions de rire, de sourire et de m’y sentir bien. C’est une ville cosmopolite où toutes les langues se brassent, où on ne peut s’asseoir en terrasse sans être interpelé. Une ville où les gens se parlent, se côtoient, et des poumons d’air avec des parcs et des terrasses. Une ville effervescente qui vit à n’importe quelle heure du jour ou de la nuit. Il y a mille raisons d’aimer Bruxelles.

Pour écrire « Salsa », avez-vous investigué auprès du milieu médical et du judiciaire ? Mon fils, étudiant en médecine, m’a aidée à me familiariser avec le vocabulaire médical. Sur Internet, j’ai consulté des témoignages de personnes qui ont vécu des expériences similaires à la mienne. Mon éditeur qui est criminologue, a corrigé le tir au niveau juridique.

Vous travaillez à l’anglo-saxonne. Est-ce compatible avec votre belgitude ? Autant je prône les valeurs et les mérites de la langue française, autant j’aime le côté anglo-saxon dans l’organisation du travail. Je bosse avec Marc Maouad, réalisateur et scénariste, qui adapte « Hope », un de mes précédents romans, en long métrage. On se retrouvait au Café de la Presse pour discuter de « Salsa ».  Nos échanges m’ont nourrie et aidée à partir dans une autre direction, à créer des rebondissements auxquels je ne m’attendais pas. 

« Salsa », un titre évocateur ? Salsa comme la danse car j’ai un lien très étroit avec Cuba. En 2018, j’ai été à La Havane où j’ai rencontré l’ambassadrice belge qui avait lu mes livres. Lors de notre déjeuner, elle m’a proposé un projet dans le cadre de la Semaine belge à Cuba. Tout est sensualité à Cuba et mes poésies basées sur la sensualité y connaissent un franc succès.

Qu’est-ce qui caractérise votre plume ? La féminitude et la poésie. Je peux travailler sur un meurtre tout en restant poétique. 

Outre votre métier d’écrivain, vous travaillez pour la SABAM. Quel est votre rôle ? A travers l’action de SABAM For Culture que je représente, je valorise les auteurs, les compositeurs, les scénaristes, les réalisateurs, les dramaturges… Ma fonction se focalise sur les créateurs belges dans toutes les disciplines. En littérature, nous avons différentes bourses afin de découvrir d’autres talents que les traditionnels auteurs à succès.

Vous prônez le cycle court dans votre frigo et dans votre bibliothèque. Un constat ? Dans toutes les disciplines et principalement en littérature et en théâtre, les auteurs belges se sentent légitimes lorsqu’ils sont avalisés par la France. Le Français aime l’autodérision, le côté surréaliste, absurde et décalé de l’auteur belge. Le problème vient de chez nous car nous avons un complexe, peut-être lié à nos différentes langues. Dès lors, je recommande d’appliquer les bons conseils de la santé alimentaire à la santé culturelle et intellectuelle. Consommez local ! Consommez nos auteurs issus de notre belgitude.

Votre roman « Salsa » est publié aux Editions Le Scalde, une maison d’édition bruxelloise. Sur votre page Facebook, vous affirmez que nul n’est prophète dans son pays et vous regrettez la fuite de nos talents. Pensez-vous que ce soit irrémédiable ? Il faut oser se sentir légitime ! Les Francophones de Belgique ont une fâcheuse tendance à ne pas se valoriser du point de vue économique, à ne pas monnayer une œuvre. Pour de nombreux artistes belges, le mot « économie » est presque un gros mot. Être artiste au plus profond de soi-même ne signifie pas qu’on ne peut pas être rattaché à un circuit économique ! Au contraire, c’est l’économie culturelle qui va nous sauver.

Votre réflexion sur la peur, le manque, le doute, la honte et la culpabilité. Il n’est jamais trop tard pour oser qui on est ? Je l’ai appris à mes 41 ans à travers mon cancer. Avant cela, je ne m’aimais pas beaucoup. Je me détestais même ! Dès lors, j’ai appris la résilience. Je n’avais pas moins ou plus de valeur que quelqu’un d’autre. Je n’ai pas appris à m’aimer mais à me réconcilier avec la femme imparfaite que je suis. Je suis devenue une femme parfaitement imparfaite.

On rencontre Kody au Kiosque, le café-restaurant du Bois de la Cambre à Bruxelles. Il revient de Lubumbashi et de Los Angeles avec, dans sa valise, un beau projet artistique et l’espoir de voir concrétiser un rêve d’ado …   

On annonce la Good News à nos lecteurs ? Allez, oui ! Je viens de signer chez CAA en Californie, une agence de talents (la plus importante même ! nda) qui représente notamment Steven Spielberg, Georges Clooney, Brad Pitt, Omar Sy… et moi désormais ! (rire)

Félicitations ! Merciiiiii.

Alors, acteur plutôt qu’humoriste ? Acteur ! 

On va y revenir, le temps de rembobiner jusqu’à votre enfance. Gamin, Kody faisait-il déjà rire ses camarades de classe ? Oh, non, j’étais trop timide ! Je faisais un peu le fou avec mes cousins, c’est tout. Il a fallu attendre l’adolescence pour que je choisisse l’option « Arts d’expression » au collège Cardinal-Mercier à Braine-l’Alleud. Depuis ce moment-là, je sais que je veux devenir acteur. C’est d’ailleurs à la même époque, vers 15 ans, que j’ai compris que je pouvais faire rire. J’imitais notamment des professeurs (rire) dont celui de math. Et déjà Belmondo. 

Feu votre père, ambassadeur à Bruxelles, vous destinait probablement à une autre carrière … Oui oui ! Mais mon père avait beaucoup d’humour et d’éloquence, il arrivait à capter l’attention des gens. Jeune, il habitait dans le même quartier que Papa Wemba, avec lequel il avait formé un petit groupe musical et il aimait bien pousser la chansonnette aux fêtes de famille. Il y a peut-être une petite fibre artistique dans mon patrimoine génétique ! 

Le stand-up, un tournant ? J’avais déjà 28 ans quand j’ai rejoint la bande du Kings of Comedy. Mes amis me poussaient à avoir un travail « sérieux », qui paie, et à jouer à mi-temps. Mais je ne voulais pas réaliser mon rêve « à côté » ! Alors, je suis devenu humoriste à plein-temps.

Acteur, humoriste, ce n’est pas  le même métier … Mais je n’ai jamais voulu devenir humoriste ! C’était un moyen pour devenir acteur. Mes idoles de l’école américaine, les Eddie Murphy et Robin Williams sont tous passés par le stand up …

Parlons du Grand Cactus*. Sept saisons déjà au compteur et plus d’une centaine de personnages  à votre actif ! Etes-vous un imitateur ? Non. Je ne suis pas un imitateur plutôt un ‘incarnateur’. Il m’arrive de jouer sur l’identité vocale de la personne que j’incarne, mais le plus souvent, je travaille sur la gestuelle et les tics de langage, que je caricature. Et le texte aussi voire surtout. 

Qui écrit les textes du Grand Cactus ? Jérôme (de Warzée – nda) et quatre auteurs. J’apporte ma touche personnelle, et comme j’aime beaucoup sortir du texte et du cadre, l’improvisation joue un rôle très important dans la manière dont j’aborde tel ou tel personnage …

Y’a-t-il des personnages impossibles à incarner ? Parfois, j’hésite. Jamais mais jamais, je n’aurais imaginé être capable de jouer Amanda Lear ! C’est une véritable révélation. (rire).

Votre caricature de Belmondo est l’une des plus fameuses. Vous l’avez rencontré il y a deux ans, racontez-nous ! C’était fabuleux ! Je reçois un coup de fil d’un ami de Belmondo à venir le rejoindre dans le sud de la France, sous prétexte que Bébel adore mes sketches ! Je suis estomaqué et fou de joie à la fois, et je prends l’avion. Je n’oublierai jamais ce moment : des heures de rigolade avec mon idole, à l’imiter avec son cigare évidemment ! Ah, j’aurais tellement aimé jouer dans « L’As des as ». L’aventure et la comédie, c’est ce qui me botte le plus, alors l’union des deux dans un même film …

Jouer Zemmour, est-ce particulièrement jubilatoire ? (Rire). Je ne savais pas comment l’aborder ! Jonathan Lambert qui l’avait fait chez Ruquier, dans On N’est Pas Couché, avait placé la barre très haut … Il y a deux éléments qui interviennent pour parvenir à créer l’illusion : le texte et le jeu. J’ai notamment isolé son « Ben voyons », qui est devenu son slogan lors de sa campagne, et la magie a opéré.

Avez-vous déjà loupé un sketch ? Oh oui, plusieurs fois. Le public ne rigole pas toujours au moment où l’on s’y attend. Je dirais même plus : dans Le Grand Cactus, par saison, il y a cinq personnages qui cartonnent, tout au plus. Par chance, le public ne retient que ceux-là ! 

Les chouchous du public ? Belmondo, Lagerfeld, Van Damme, Depardieu.

Ne craignez-vous pas de rester coincé dans ce rôle d’humoriste du Grand Cactus ? Si, c’est ma plus grande hantise. Car une carrière, c’est un marathon, pas un sprint. Je pense d’ailleurs signer pour une saison supplémentaire, pas davantage. Cela dit, Le Grand Cactus, c’est aussi un tremplin extraordinaire : l’émission TV en replay sur Auvio et sa page Facebook m’offrent une visibilité incroyable en France et à l’étranger. 

Votre popularité au sein de cette émission vous a donc ouvert des portes ? Elle m’a notamment permis de rencontrer Mathieu Rochet, un réalisateur français qui m’avait vu dans Le Grand Cactus, et qui m’a offert le rôle phare de sa web-série, « Lost in Traplanta », co-produite par Arte et la RTBF.  J’y joue Larry, un Français qui part à la recherche des membres du groupe légendaire Outkast et découvre le mouvement trap d’Atlanta. Cette série documentaire a été primée à la Rochelle, à Berlin et au Marseille Web Fest. Le succès fut tel, que Mathieu Rochet signe une saison 2, californienne celle-ci, au coeur de la West Coast, berceau du gangsta rap.

Comment est considéré l’artiste belge aujourd’hui en France ? On est passé du petit Belge, au Belge avec un grand B. Je crois qu’ils ont peur de la mafia belge de l’humour ! 

Et de votre voyage à Lubumbashi, qu’avez-vous rapporté ? L’écriture d’un projet de documentaire sur la rumba congolaise, qui sera probablement tourné par Mathieu Rochet également.

Votre carrière cinéma est également sur des rails… Oui, mais la crise du Covid n’a pas épargné les récents films dans lesquels j’ai joué ! « Lucky » d’Olivier Van Hoofstadt a vu son exploitation arrêtée en pleine crise et « Losers révolution » de Thomas Ancora et Grégory Beghin est sorti après diffusion en VOP et sur Tipik. On a vécu une période très compliquée ! J’ai également tourné dans « Match », une série belge produite par Be TV…

Et la scène ? Je suis en pleine phase d’écriture de mon prochain spectacle où je serai seul en scène, et qui s’appellera probablement « Oui ». Tout simplement parce que je ne sais jamais dire Non ! Le rendez-vous avec le public est fixé en septembre, dans de belles salles partout en Belgique.

Et à la ville, il est comment Kody ? Je ne suis pas aussi exalté et exubérant qu’un  Roberto Benigni ! Je suis un calme qui ose sur scène et devant les caméras, ce qu’il n’oserait probablement pas faire dans la vie. Et ce métier de comédien est tellement beau, qu’il me permet de vivre plein d’expériences différentes. D’avoir plusieurs vies en quelque sorte.

* L’émission humoristique de la RTBF pilotée notamment par Jérôme de Warzée, anciennement sur La Deux est désormais sur Tipik.

Un mélange maîtrisé de compositions électro-pop, d’instruments, d’influences jazz, hip-hop, rock, sur treize titres engagés, frappant de réalisme, écrits avant et produits pendant la pandémie, voilà de quoi nous interpeller. Et espérer en apprendre plus sur Sasha et Julie ! 

Pourquoi ce titre « Mobile » ? Pour moult raisons ! Nous travaillons avec Gogolplex, un collectif de vidéastes qui s’occupe de tous nos visuels et qui a créé 13 mobiles pour enfants pour illustrer les différentes thématiques de l’album ; « Mobile » encore car on parle beaucoup de la place de la technologie dans nos vies ; « Mobile » toujours, car dans un monde idéal rien n’est figé, tout est mobile… 

Comment appréhendez-vous votre époque ? Les sujets abordés dans l’album sont sombres, on y parle de surinformation, de féminicide, de violence … 

Comment réussir à éduquer des enfants dans ce monde moderne et néanmoins violent ? A la première écoute/lecture, « Mobile » n’est pas un album réjouissant, mais on préconise justement de se recentrer sur l’essentiel, de conserver son esprit critique, de trouver des solutions tous ensemble. 

« Fall Asleep » qui ouvre l’album a des airs de berceuse pour enfants. L’imaginaire au pouvoir, c’est votre réponse à la violence du monde ? En quelque sorte. Oui à l’imaginaire pour se protéger, nous et nos enfants, tout en conservant un esprit critique et en nourrissant notre intelligence. Il faut toujours être aux aguets.

Un premier album est forcément très identitaire. A son écoute, on découvre votre éclectisme musical, de l’électro sous influence rock, hip-hop, jazz, classique aussi, et de nombreuses sonorités acoustiques …  Etait-ce un pari de mixer le tout ? « Plutôt un choix. Et peut-être risqué. Car l’album n’est pas forcément lisible pour tous les auditeurs. On n’a pas un style très reconnaissable, comprenez : nous n’entrons pas dans une catégorie musicale précise. Cet album est riche de toutes nos influences. Donc, oui, nous l’avons pensé/conçu sans concession.

Chez le disquaire, vous êtes dans quel bac ? Pas dans le bac folk!

Ni Death Metal ! (rire) Il y a des arrangements rock ! Boutade à part, dans le bac pop en raison des mélodies. Mais de la pop sous multiples influences, dans l’intention et dans les arrangements. 

Dans un duo, qui fait quoi ? On décide de tout à deux ! 

C’est plus rassurant ? Non, c’est parce qu’on s’aime beaucoup ! On s’est rencontrées au Conservatoire de jazz. Une amitié est née. On fonctionne bien à deux : la même envie d’écriture musicale, le même plaisir d’être ensemble sur scène, les mêmes projets d’avenir …

A quoi doit-on s’attendre à un concert de Juicy ? A un show haut en couleur et un voyage à travers plein de styles musicaux ! Nous avons acquis une belle maîtrise de nos instruments. Les productions sont dansantes, avec des moments plus lyriques aussi. Et, surtout, il y a cette énergie qui nous est propre ! 

CONCERTS

15 avril au Rock & Trolls Festival à Leuze

16 avril au Reflektor à Liège

7 mai au Godifest à Godinne

8 mai à l’Inc’Rock à Incourt

3 juin au Kino Corso à St Vith

21 juillet au Kingdom Festival à Genappe

22 juillet aux Francofolies de Spa

20 janvier 2023 à l’Open Music Jazz Club à Comines