Un Monde, c’est une plongée dans le monde de l’enfance et de l’école à laquelle nous invite Laura Wandel. Une plongée que l’on va vivre à la suite de Nora, une petite fille de 7 ans qui aujourd’hui entre en primaire. Filmé à hauteur d’enfant, la caméra virtuose de Laura Wandel nous offre une expérience immersive impressionnante autant qu’elle donne à voir la cruauté d’un monde, celui de l’enfance, miroir de celui des adultes.

L’interprétation est en tout point remarquable à commencer par Maya Vanderbeque (Nora), de tous les plans, sidérante de naturel.

Rencontre avec une jeune femme gracile et déterminée dans un café, place Fernand Coq à Bruxelles, par un bel après-midi d’été.

À quel moment le cinéma est entré véritablement dans votre vie ?

Ma première claque cinématographique, j’avais plus ou moins 16 ans. Autant que je me souvienne, deux films m’avaient énormément marqué à ce moment-là ; c’est Japón de Carlos Reygadas et Jeanne Dylman 23, rue du commerce, 1080 Bruxelles de Chantal Akerman. Plus qu’intellectuellement, j’ai véritablement ressenti ces films physiquement… une expérience bouleversante. Je me suis dit : c’est cela que je veux faire. De là j’ai vu de plus en plus de films. Et quand on commence à vraiment s’intéresser au cinéma, ça n’a plus de fin !

Comment s’est passé l’élaboration de Un Monde votre premier long métrage ?

J’ai toujours besoin d’aller observer les lieux qui m’intéressent. J’ai passé des mois à regarder les enfants jouer dans différentes cours de récréation, pour voir comment aujourd’hui ça se passe. J’ai rencontré beaucoup de monde : des directeurs d’école, des instituteurs, des professionnels de l’éducation, des parents, des enfants… J’ai assisté à des médiations.

J’ai besoin d’envisager mon histoire le plus largement possible, pour ensuite partir d’un point de vue en particulier. Et je pense que tout part d’une volonté de s’intégrer à une communauté.  Je suis partie de mes intuitions … et mes observations ont conforté mes intuitions !

Pour ce qui est de l’écriture, je suis très lente ! ça m’a pris 5 ans. Le tournage a été reporté d’un an, afin de boucler le financement du film. Puis le Covid a fait que nous avons dû attendre encore un an avant que le film puisse sortir en salle.

Pourquoi ce choix de l’école pour ancrer votre histoire ?

L’école, pour un enfant, c’est le premier moment en dehors de la famille. Il doit en déchiffrer les codes, s’adapter. J’ai l’impression que c’est aussi là que les choses s’ancrent en nous ; celles qui plus tard vont influencer notre rapport au monde et aux autres.

Votre caméra est étonnamment expressive

J’ai essayé que le film soit très immersif pour le spectateur. Que le spectateur puisse le vivre au travers de son corps et pas seulement intellectuellement. Pour moi, le cinéma c’est ça. Pour être au plus proche de la perception de Nora, on s’est dit que le mieux était de rester à sa hauteur, de montrer finalement très peu de ce qu’il y a autour d’elle, de presque l’enfermer. C’est ce que permet le hors champ… que j’adore travailler !

Comment avez-vous choisi les comédiens, notamment Karim Leklou, le père de Nora dans le film et Laura Verlinden qui joue son institutrice ?

 Je fonctionne par flashs, souvent après avoir vu ces acteurs ou ces actrices au cinéma. Je sais que j’ai envie de travailler avec eux… je ne leur fais jamais passer de casting ! J’ai été très heureuse que tous aient accepté mon invitation.

Avez-vous déjà un prochain film en tête ?

Oui, avec encore un lieu clos ! … Si tout va bien, le milieu de l’hôpital.

Avec un endroit fermé, j’ai l’impression de pouvoir faire vivre les choses de manière viscérale, que l’on est au plus près des choses. Je pars d’un microcosme, parce que pour moi il fait écho au fonctionnement de la société, au reste du monde.

Vous avez écrit « Archie » en plein confinement. Est-ce la réaction de votre fille face aux devoirs facultatifs qui vous a inspirée ?

Le sujet du roman, je l’avais avant le confinement, mais ce temps de pause octroyé aux enfant était un joli signe de la vie, qui a donné une vitalité supplémentaire à mon expérience de l’école démocratique. Durant six mois, j’ai eu la chance immense de pouvoir adapter mon rythme professionnel à celui de mes enfants, de les voir jouer dans le jardin à et construire leur vie comme ils l’entendaient. Quel enrichissement pour eux et pour moi !

Vous prônez la pédagogie démocratique qui vise à offrir la liberté dans l’apprentissage. Qu’apporte-t-elle de mieux à l’éducation traditionnelle ?

Comme beaucoup de pédagogies, c’est plus en termes d’atouts qu’il faut l’analyser : dans l’approche démocratique, on ignore qui est le maître et qui est l’élève. Les rapports de domination sont gommés, même si c’est compliqué car ils sont présents dans tous les pans de la société. Pourquoi ne fonctionnerait-on pas de façon plus démocratique en donnant la voix à chaque élève ? En écrivant ce livre, j’ai réalisé que pour être heureux il faut savoir faire des choix et avoir confiance en soi, or ce n’est pas forcément au programme de l’éducation traditionnelle !

Qu’espérez-vous pour la nouvelle génération ?

Que la pédagogie se focalise davantage sur le bien-être de l’enfant et de l’enseignant qui fait ce métier par passion. Réinventer notre école pour qu’elle soit en adéquation avec cette génération fabuleuse qui arrive et qu’elle se soucie de l’épanouissement des professeurs. Ca me choque que notre société sous-finance notre enseignement, alors qu’il est prouvé qu’un système scolaire qui fonctionne bien permet de faire des économies, en préservant notamment la santé mentale. C’est en choisissant un métier qui nous plait que l’on peut arriver à le réussir !

Ancienne avocate, ne regrettez-vous jamais votre ancienne profession ?

Vraiment jamais ! Étant hypersensible, autant  j’étais passionnée par le jeu intellectuel ; autant sur le plan humain, je n’étais pas à ma place. J’ai même pensé que j’avais fait le mauvais choix d’études, de carrière et que j’avais raté ma vie. Il y a eu tout un cheminement pour arriver au métier d’écrivain que j’adore.

Qu’est-ce que l’écriture vous apporte ? 

J’ai toujours voulu faire un métier de défense des droits humains. Je veux aborder dans mes romans des sujets que je trouve essentiels et qui sont trop peu accessibles. Mes interviews d’experts multiplient la richesse des points de vue que j’essaye de transmettre aux lecteurs qui vont lire mes romans.

De manière générale, quels sont les éléments déclencheurs qui inspirent vos romans ?

Il y a toujours, en filigrane, l’importance de l’égalité dans notre société, la volonté d’effacer les rapports de domination et aussi la résilience et le non- jugement.

Pourquoi avoir choisi la Bretagne en toile de fond ?

J’adore la Bretagne que je trouve sublime. J’y étais lorsque j’ai imaginé ce scénario. C’était le cadre parfait pour qu’Archie puisse aller à la rencontre de sa grande beauté. La nature nous permet de nous connecter à toutes nos forces. La beauté extérieure nous renvoie à la beauté intérieure.

 Comment se construire quand vous connaissez l’enfer dès votre naissance ? Quel message voulez-vous faire passer ?

S’il y a des puits de lumière dans une vie, elle n’est pas perdue. On peut tous être ces puits de lumière pour quelqu’un d’autre. Ca peut tout changer !

Vous brossez deux portraits de femmes, une mère toxicomane et une infirmière bienveillante. Tout parait les opposer, pourtant chacune lutte comme elle peut contre ses démons. La culpabilité peut-elle détruire un individu ?

La culpabilité est très nocive pour la santé et est contre-productive. Elle bouffe notre énergie au lieu de nous permettre d’avancer. Il faut la remplacer par une saine remise en question.

Archie, votre cinquième roman sort le 14 octobre 2021. Peut-on espérer un sixième roman pour 2022 ?

Certainement ! Même si je ne connais pas encore le mois de sa sortie. D’ici là, en novembre 2021, paraîtra mon premier album jeunesse qui m’a été commandé par une cheffe de service de néonatologie, parce qu’il n’existe pas de livre pour la fratrie des prématurés. Et en février 2022, sortira l’album jeunesse sur « Mademoiselle Papillon », ma plus grande évidence de mon parcours d’écrivain.

Comment doit-on vous appeler ? Guy, Guillermo ou Guiz ?

Mes amis m’appellent Guiz. L’administration : Guy. Et ceux qui ne me connaissent qu’ à travers mon travail me nomme Guillermo.

Dans votre précédent spectacle « Guillermo Guiz a bon fond », vous avez consacré un sketch à votre prénom. Pourquoi ne vous plaît-il pas ?

Je suis né en 1981, à l’époque ce n’était pas un prénom dans le vent. J’ai donc grandi avec un prénom de… vieux !, que le timide que je suis a assumé comme il pouvait ! Ne pas être fier de son prénom, c’est compliqué quand on est ado. A 39 ans, je commence à accepter mon prénom. Plus je vais vieillir, plus ça va aller. Théoriquement, quand j’aurai 60 ans, je le trouverai super !

Avis aux futurs parents ! En quoi le prénom est-il constitutif de la personnalité?

On vit au quotidien avec son apparence physique et avec son prénom. J’ai la chance de faire un métier artistique et de pouvoir choisir comment j’ai envie qu’on m’appelle. Le nom et le prénom, on nous l’attribue à la naissance. Bébé, on n’a pas des masses d’influence. Il y en a peu qui disent : Matis, ça ne me va pas du tout ! Il faut faire confiance à la bienveillance des parents. Les miens, à ce niveau-là n’ont pas été très inspirés ! (Rire).

Quel est votre Guy célèbre préféré ? Guy de Maupassant, Guy Béart , Guy Bedos ou Guy Verhofstadt ?

Guy Bedos ! Il se situait clairement dans le haut du panier de l’humour des années 70, 80, 90.

On dit des « Guy » que ce sont des hommes qui ne dissimulent pas leurs pensées et que leurs franchises font leur charme. Est-ce la clé de votre succès ?

Je ne suis pas tout le temps franc, mais je suis sincère. Je ne vais pas dire frontalement ce que je pense de peur de gêner l’autre, mais je dissimule assez peu ce que je ressens réellement. Sur scène, ma force, c’est vraiment la sincérité. 

On dit aussi des « Guy » qu’ils sont très généreux. Ce n’est donc pas une chimère puisque vous avez proposé de faire une deuxième représentation au Royal Festival de Spa de votre spectacle « Au suivant ! » dont la recette est entièrement reversée aux sinistrés des inondations dans la région. Que pensez-vous de l’élan de solidarité nationale ?

Curieusement en période de crise, on découvre le meilleur des gens. On peut être fier de la manière dont les Belges ont réagi face aux inondations partout dans le pays.

Vous êtes originaire de la commune d’Anderlecht tout comme Guy d’Anderlecht plus connu comme Saint Guidon d’Anderlecht et parfois surnommé « le pauvre d’Anderlecht ». Dans un de vos sketchs, vous avez parlé de votre commune en vous définissant comme un plouc intérieur. Pourquoi ce ressenti ?

J’ai beaucoup de tendresse pour Anderlecht, j’y ai grandi. Ce n’est clairement pas la commune la plus branchée du monde. Anderlecht, n’est pas Brooklyn ! Mais ce n’est pas grave (rien n’est grave, hein avec Guillermo – nda). Quand je repense à ma période anderlechtoise, avec ma coupe mulet, je n’ai pas honte du tout.

« Mon phantasme ultime sur Dieu… J’arrive au paradis et Saint-Pierre m’annonce : il n’osera pas te le dire car il sa fierté mais il aimerait bien prendre une photo avec toi. ». Vous êtes plutôt BG physiquement et sympathique au demeurant.  Si vous deviez-vous décrire en adjectifs ?

Réservé, bon copain et alcoolique ! (Rire). Je suis plutôt gentil. J’essaye si possible de ne pas faire de mal autour de moi.

Vous avez 39 ans. Difficile à imaginer quand on vous regarde, pourtant on dirait que vous avez déjà eu mille vies : ancien espoir de l’équipe de football d’Anderlecht, patron de boîte de nuit, journaliste, chroniqueur sur France Inter et humoriste. Quel fut l’élément déclencheur qui vous a fait monter seul en scène?

J’ai vu la série « Louie » de l’humoriste américain Louis C.K et j’ai été conquis par cette manière de s’exprimer sur scène, devant un mur en briques avec un micro, tout simplement. Ce qu’il disait m’a bouleversé. A l’époque, je faisais déjà beaucoup de blagues. C’était pour moi une manière de dire au monde ce que j’avais envie d’exprimer. Il a fallu un an et demi voire deux ans, pour que j’écrive des petits textes et que j’ose les jouer. A mes 31 ans, j’étais professionnellement un peu en rade, je n’avais plus rien à perdre. Je suis monté sur une scène, pour la première fois, en juillet 2013. A partir de là, progressivement, j’en ai fait mon métier.

Comment qualifieriez-vous votre style d’humour ?

Absurdement noir ! Dans le spectacle, il y a des blagues très dark, très absurdes, très potaches, très fines.

Avez-vous déjà pris un bide ? Dans l’affirmative, comment rebondissez-vous ?

Bien sûr, j’ai pris des bides. Des tonnes. Quand j’étais un humoriste inexpérimenté, j’étais tétanisé, je regardais mes chaussures et je parlais encore plus vite que d’habitude. J’expédiais mon texte pour rentrer chez moi et mettre ma tête sous un coussin le plus vite possible. Aujourd’hui, avec l’expérience, je gère mieux. Mais les textes qui ne sont pas encore rodés continuent à m’affoler car je ne sais jamais si ils vont faire rire, faire rire un peu, beaucoup, sourire à peine, ou ne pas faire rire du tout ! Un spectacle, c’est toujours une loterie. Quand les gens ne rient pas, il me faut  rebondir et rigoler de la situation.

« Au suivant ! » Pourquoi avoir nommé ainsi votre nouveau spectacle ?

J’avais un premier spectacle qui avait beaucoup tourné, il fallait en faire un deuxième : Au suivant ! ma paru un titre logique. Le spectacle parle de la transmission. Du coup, c’est un double sens. Qu’est-ce qu’on transmet à la génération suivante ?

Quel effet cela fait d’avoir reçu le Prix Maeterlinck de la critique 2020 dans la catégorie Meilleur spectacle d’humour pour «  Au suivant » ?

En raison du Covid, j’avais l’impression d’avoir été le seul spectacle de la saison …  Et j’ai pensé : bah, c’est pour cette raison que j’ai raflé le prix ! Gagner dans un domaine artistique n’a pas vraiment de valeur objective, mais je suis content de la subjectivité des membres du jury.

« Il faut toujours laisser à son enfant une marge de progression pour qu’il te dépasse professionnellement. Pour ça, mon père a été nickel ! ». Vos parents, votre père en particulier, sont le fil rouge de votre spectacle. Si on fait abstraction de l’humour, votre jeunesse ne semble pas avoir été très particulièrement dorée ?

Très peu de gens ont une jeunesse parfaite. J’avais un père qui était très présent et qui avait plein de défauts mais beaucoup de qualités aussi. C’est ce que je raconte dans le spectacle : tout n’est pas blanc ou noir. Mon père m’a donné envie de lire et d’apprendre, c’est déjà beaucoup. Gamin, le foot était toute ma vie. Tout ce qui était un peu compliqué était contrebalancé par cette passion pour le football. En définitive, j’ai connu autant de problèmes et autant de moments de joie que les autres.

« Je ne dis pas que je suis un bon coup mais au moins quand je couche avec une femme, ça l’occupe ». Vous n’hésitez pas à parler de vos expériences sexuelles ratées. Vous êtes vraiment le roi de l’autodérision !

Je suis le roi de rien du tout. Je ne suis pas sur scène pour dire que je suis un étalon. De un, ce n’est pas vrai. De deux, ça n’a pas d’intérêt. De trois, ça ne fait pas rire les gens. Ce qui fait marrer les gens et leur permettent de s’identifier à ce que je raconte, sont les échecs. Les foirages !

« J’aime trop les seins, ma mère était alcoolique, du coup quand elle me donnait le sein, il y avait forcément un petit truc en plus, sensation Baileys ». Peut-on rire de tout ? Rien n’est tabou ?

On peut rire de tout, à condition de rester subtil, élégant et pertinent à la fois. Il faut aussi avancer avec son temps et comprendre qu’on ne peut plus rigoler aujourd’hui comme on le faisait en 1985 des blagues de Michel Leeb. L’époque change, les sensibilités sont différentes, il faut en tenir compte et s’adapter. Comprendre la société dans laquelle on vit est un challenge intéressant.

L’humour est-il le parfait exutoire ?

Ouais ! Il l’a toujours été pour moi. Je me suis psychologiquement sorti des situations les plus compliquées en racontant des conneries, en dédramatisant, en essayant d’en rire. Si on arrive à rire de ses drames personnels, c’est autant de pris sur l’ennemi !

www.guillermoguiz.com

Le public belge connaît vos constructions organiques monumentales, notamment Cityscape qui était dans le quartier Louise à Bruxelles ou encore The Passenger qui est restée six ans au cœur de la ville de Mons, avant d’être démontée en avril dernier. My Secret Garden, l’expo que le BAM vous consacre ne se résume pas à vos œuvres urbaines, mais invite surtout à découvrir un artiste aux multiples facettes, graffeur, peintre, plasticien… « Oui (un oui enthousiaste ! nda), c’est une magnifique rétrospective qui présente une sélection d’œuvres de ces 25 dernières années. J’en ai rouvert des cartons ! Et cette expo m’a même permis d’en apprendre davantage sur ma propre évolution artistique. Je remercie Xavier (Xavier Roland, le directeur du BAM, nda) qui m’a ouvert les yeux ! De fait, regardez les Nymphéas, ma série de tableaux inspirés de Monet, les toiles sont serties d’un cadre. Les tableaux que je peins aujourd’hui n’ont plus de cadre, je ne restitue plus des fleurs mais tout le jardin. C’est la nature qui m’inspire ce débordement, cette liberté sans aucune entrave ni restriction. »

Vous avez grandi à la campagne mais gamin, vous aviez déjà une idée bien précise de la ville. Quand vous avez finalement déménagé en ville, à Bruxelles, à 9 ans, vous avez dû être sacrément déçu ! « Ah oui ! Gamin, j’avais imaginé que les villes ressemblaient à un film comme Avatar. J’ai fait plusieurs fois le tour du monde et c’est partout pareil : l’homme détruit la nature pour vivre enfermé entre quatre murs, il naît à la maternité entre quatre murs, évolue à l’école entre quatre murs, se loge entre quatre murs, travaille entre quatre murs, termine sa vie entre quatre planches. Son horizon ? Quatre murs !  Il faut absolument réinventer l’espace public, nos villes, notre monde en y incluant la nature, sa beauté à travers son incroyable diversité ! »

Mais Bruxelles est une ville verte ! « Non, c’est une ville terne ! »

Le village de Laethem-Saint-Martin (pas loin de Gand, nda) où vous vivez et travaillez est nettement plus vert, c’est incontestable ! « Où je vis, je travaille et où, tôt le matin, après avoir fait une heure de sport, je prends racine dans mon jardin pour observer ce que les plantes et les fleurs ont à raconter… »

A vos yeux, quelle est la ville la plus verte, humaine, inspirante ? « Le village que je construis actuellement en Espagne : des maisons bâties autour des arbres – on ne rasera aucun arbre ; au contraire, on va en planter des milliers -, des toits végétalisés, un énorme potager, une école à la forme organique… J’y installerai ma fondation et un atelier. C’est un chantier qui va durer au moins dix ans … »

On l’a compris, le monde végétal est votre source principale d’inspiration. Son caractère éphémère, celui des fleurs notamment, ne vous dérange pas ? « Absolument pas. Mon père est décédé il y a peu. Lui, l’homme fort de la maison, était devenu, la veille de sa mort, fragile, son corps tout rabougris… Même cette fragilité-là me semblait belle. Les fleurs, même fanées, je les aime. Je suis très sensible au concept Mono No Aware, un terme japonais qui décrit la prise de conscience de l’éphémère, et inspire mon travail actuel. Je recherche en effet la fragilité visuelle de la puissante bataille que livre la nature au quotidien pour maintenir la diversité. »

En proposant des sculptures dans l’espace public, vous transformez la ville. Avez-vous rencontré des réticences voire de la résistance de la part des instances publiques ? « Evidemment. Les gens ont peur du changement, de la couleur, des projets innovants. Pourtant je note que les mentalités évoluent : il y a 25 ans, mes installations en 3D n’intéressaient personne mais j’ai continué à me battre. Aujourd’hui ce sont les grandes villes, Rio de Janeiro, Mumbai, New York, Shanghai, Moscou, Paris, qui viennent à moi ! Il y a une prise de conscience de l’importance de ramener la nature dans la ville, mais ce réveil est trop tardif et trop lent ! »

Vos œuvres urbaines sont le plus souvent éphémères… « Oui, on a fait beaucoup d’études et de recherches sur le vide que l’installation laisse quand on la démonte. Et souvent, le vide est encore plus interpellant que l’œuvre, même si je n’ai pas pour vocation de créer du vide ! Je suis par ailleurs bien conscient que tout le monde n’aime pas mon travail mais le plus important c’est de créer un dialogue et une interaction avec l’œuvre. Cela dit, je tends aujourd’hui à créer de plus en plus d’installations qui n’ont plus pour vocation d’être démontées… »

Combien de temps faut-il pour construire une œuvre comme The Passenger ? « Si on fait la somme du temps à réfléchir, à faire des recherches, à construire la maquette, à former les équipes, je dirais près de 20 ans ! »

Vos projets actuels et à venir ? « Des installations au Caire, au Brésil, à Shanghai, au Mexique… »

Un ouvrage monographique sur votre carrière est prévu pour fin juillet… « Oui, il s’inscrit dans l’expo du BAM, retracera 25 années de ma carrière et sera illustré avec plus de 500 images. »

Fin de l’entretien. Pause jardin bien méritée ? « (Rire) Non, je vais travailler dans mon atelier ! »

www.arnequinze.com

Quelle est votre formation ?

« C’est mon grand-père autodidacte qui m’a appris à dessiner. Depuis l’âge de 14 ans, j’ai suivi des études en arts plastiques avant d’entrer dans l’atelier de peinture de l’Institut Saint-Luc de Liège. Toujours à Saint-Luc, j’ai ensuite entrepris une formation de restauratrice d’objets d’art, avec une spécialisation en verre et céramique. C’est là que j’ai appris à travailler la feuille d’or. J’aimais beaucoup cette technique mais je n’avais pas envie de la pratiquer dans le cadre de la copie d’ancien. Mon langage d’aujourd’hui, qui se construit depuis 6 ans, témoigne du mixage de tous mes apprentissages. Objets, sculptures, toiles sur châssis… le choix de différents supports me permet de briser les codes pour réinterpréter la matière. »

Mais pourquoi avoir choisi le blanc ?

« Le blanc symbolise tous les possibles. Sa dimension infinie et son rayonnement me parlent directement. En étudiant les différentes croyances africaines, indiennes… caribéennes, j’ai constaté que cette couleur était un élément central. Dans la tradition vaudou, on trace des signes sur le sol avec une craie blanche pour appeler l’énergie positive. L’or, quant à lui, est très utilisé dans l’iconographie catholique et sacrée. Je l’associe au blanc pour exprimer la richesse de l’esprit, l’énergie solaire et la lumière de l’union des cultures. »

Que vous ont appris vos voyages ?

« A Saint-Barth, Saint-Martin et dans l’îlet de Pinel, j’ai côtoyé la population locale. Ces îles paradisiaques ne sont pas seulement le repaire de la jet-set et d’une certaine superficialité mais regorgent de personnalités à la richesse de cœur qui témoignent d’une réelle tolérance pour le vivre ensemble. Ce qui n’empêche pas d’apprécier le côté sensuel de la plage, la magie des fonds marins. Mais j’ai été envoutée par le côté terrestre et énergétique des cultures et des hommes qui cohabitent en belle intelligence sur ces territoires. J’ai notamment échangé avec une artisane qui perpétue la tradition du tissage de la paille. Des moments merveilleux où j’ai découvert son savoir-faire…séculaire. »

Quelles matières aimez-vous travailler ?

« Les matières naturelles, bien sûr, comme la porcelaine que je choisis à l’état brut, sans émaillage pour favoriser son côté tactile, poreux. J’apprécie d’ailleurs que l’on touche mes pièces pour ressentir l’importance des textures. Lorsque je pose la feuille d’or, je ne rajoute jamais de vernis protecteur pour que la matière se patine spontanément avec le temps. Le fil de coton de mes broderies, qui sont instinctives, provient de ma grand-mère, un acte qui me relie aussi à mes origines. » 

Depuis vos premières pièces, quelle évolution ?

« Aujourd’hui, je travaille sur le thème des rites, des bijoux et des talismans pour rendre hommage à la magie blanche de ces cultures. Dans toutes les ethnies, on retrouve aussi la présence du végétal qui fait partie de l’âme du bouddhisme comme des pratiques vaudous. Mais ma première œuvre, c’était la grande table Links qui, comme son nom l’indique, signifie liens. Pour cette création et d’autres modèles de tables, j’ai travaillé en collaboration avec un ferronnier. Aujourd’hui, je préfère réaliser entièrement mes œuvres même si ma balançoire Bliss a été fabriquée avec la participation d’une entreprise de réinsertion. J’aime les projets qui me permettent de développer le sens du partage. En préparation, bientôt une collaboration avec leRiad Maison Anaroze, de Marrackech. Mes pièces y seront exposées, en plus d’être réalisées avec leur participation. Mais aussi plusieurs idées de co-créations avec Amah Ayivi, créateur de la marque Marché Noir Lomé-Paris. L’une d’entre elles s’articulera autour de la balançoire Bliss, d’autres encore concernent les porcelaines. Le tout se déroulant entre Paris et l’Afrique. Les énergies se rencontres autour de projets communs, c’est très excitant et inspirant. En prévision cette année, une exposition à la YOKO UHODA GALLERY de Liège… »

www.catherinegrasser.com

J’ai pris le temps de vivre l’expérience et de rencontrer l’artiste et son travail impressionnant, chez elle. Situé à Lasne, c’est un lieu plein de charme où les frontières entre maison, atelier, jardin, n’existent plus. Partout des sculptures, miniatures ou gigantesques, se livrent à cœur ouvert.

J’aimerais savoir comment vous êtes devenue artiste…  L’avez-vous décidé ?

Je ne sais pas si cela se décide, ni même comment définir l’art… Pour ma part, c’est une action qui permet d’accepter le réel. J’essaye de répondre par le geste, aux interrogations qui me traversent et de chercher sans fin la forme absolue.

Au début de mon parcours de peintre, je voulais simplement utiliser une habileté que j’avais à dessiner, pour me créer une vie meilleure. En effet, dès mes 16 ans, dans le but d’être autonome, je travaillais dans le milieu équestre. Du poney club aux écuries de courses, j’y ai passé près de 10 années. Et un jour je me suis souvenue que je savais dessiner. Alors j’ai proposé aux gens autour de moi, des portraits de leurs animaux. Sans intention ni prétention artistique, j’y trouvais un moyen de subvenir à mes besoins. Ça marchait très bien pendant des années et au fil du temps, j’ai appris à mieux peindre.

Tout doucement, les couleurs de ma palette sont devenues le carburant de mon imaginaire. Tenter des expériences sur la toile me donnait une telle énergie, que j’ai fini par rechercher uniquement cette source de joie ! Par chance, un public m’a suivie, et grâce à ce soutien j’ai pu arrêter de faire des portraits, et écouter réellement mes aspirations. Le modelage découle naturellement de cette évolution. Je retrouve d’ailleurs ma touche de peintre dans la texture de mes sculptures.

Parlons justement de cette texture étonnante et singulière, ce mouvement que vous imprimez dans la terre, comme un souvenir vivant. L’empreinte est touchante, elle relie le spectateur à ses propres sensations d’enfant. C’est un témoignage qui revient souvent à propos de votre travail. Il donne envie de plonger les mains dans la terre, tant ce geste semble spontané et joyeux dans vos œuvres.

Oui, c’est un plaisir et un jeu avec la lumière. J’ai besoin de la texture pour qu’elle s’y accroche. Comme un peintre cherche une trace toute simple qui peut évoquer le sentiment juste ! A l’atelier, je valide uniquement des sculptures qui me bouleversent, la seule référence est ma propre émotion.

Tout au long de votre progression, quels sont les artistes qui vous ont le plus émue ?

J’ai toujours adoré des peintres comme Rik Wouters, Vincent Van Gogh… mais j’ai été réellement transportée par la peinture de Marc Rothko. Comme si chaque infime nuance de ses toiles me parlait directement de ce que je vivais. La vibration qui s’en dégage m’atteint au plus profond de mon être. Francis Bacon a aussi été une découverte extraordinaire. Un peu comme si je pouvais entrer dans ses tableaux et voyager dans la conscience.

J’ai rarement été touchée par la sculpture, jusqu’au jour où j’ai aperçu une œuvre de Henry Moore.   Je me souviens être au milieu d’une foule à la TEFAF, et ne pas parvenir à quitter cette sculpture des yeux. J’ai compris comment des formes pouvaient se parler entre elles et l’air qui les entoure. Émue aux larmes, je me suis sentie devenir ces formes. A cet instant j’ai su que le chemin de la création serait long et passionnant !

Vous trouverez les œuvres de Catherine Thiry au SCULPTURACT Studio à Lasne. Renseignements et rendez-vous via l’adresse mail info@sculpturact.be

Et également lors d’expositions dans différentes galeries indiquées sur le site de l’artiste www.catherinethiry.be