Chaque lieu tel une histoire, chaque détail tel une promesse. Entre approche rigoureuse et raffinement feutré, héritage et réinterprétation, Bernard Dubois trace, aux quatre coins du monde, sa voie architecturale avec une subtilité singulière. Redéfinissant par un minimalisme habité, le luxe de l’espace.

Des boutiques couture de Courrèges et Lanvin à la galerie de l’artiste Xavier Hukens ou encore au restaurant PNY, mais aussi de Paris à New York, vos projets multiplient les domaines et les destinations. Sont-ils guidés par une recherche permanente de réinvention ? Fondamentalement, comme la plupart des créatifs, j’aspire à concevoir et bâtir le beau. Même si sa définition est bien sûr subjective et contextuelle, liée à l’époque ou au lieu. C’est une recherche permanente de ce qui va résonner, par son élégance, sa singularité, son optique contemporaine. On ne crée pas une galerie d’art comme un objet de design ou l’aménagement intérieur d’un hôtel, mais par ces nombreux contextes et ces différents espaces, l’essentiel reste de tendre vers ce qui me captive. Le travail de la forme et le développement d’un langage architectural, d’une narration spatiale.  

Vous évoquez souvent vos influences plurielles de courants et d’époques, qu’il s’agisse de design, d’architecture ou d’art. Brouiller les frontières est-il pour vous une forme de signature ? Je cherche à m’inscrire dans une continuité historique sans pour autant céder à la reproduction littérale. Certains architectes demeurent des références depuis l’époque de mon cursus à La Cambre, comme Mies van der Rohe qui a défini les règles de l’architecture moderne, ou Rem Koolhaas qui m’a beaucoup inspiré. Tout comme je puise dans une série de codes, qui sont principalement ceux du 20^e siècle, mais en y attisant une forme d’ambiguïté et de remise en question. En choisissant d’enfreindre une part de ces notions, voire de s’en jouer, par le volume, la matière ou les proportions. C’était notamment le cas pour un projet comme l’hôtel The Standard, où se mélangent le modernisme assez classique des sixties et une évocation des années 30. Où le rez-de-chaussée rappelle le style fonctionnaliste d’André Jacqmin, tandis que le Lila29, restaurant à la terrasse panoramique du dernier étage s’inspire de Miami et de son atmosphère ensoleillée. J’aime déplacer les éléments hors de leur contexte d’origine pour leur donner une autre échelle et forme inédite de matérialité. 

Après plusieurs années de travail, The Standard vient en effet d’ouvrir ses portes à Bruxelles. Si entre-temps, vous avez conçu le Cap d’Antibes Beach Hotel et l’Hôtel Bouchardon à Paris, cette première expérience garde-t-elle une saveur particulière ? Oui, même si je réalise une majorité de mes projets à l’international, la Belgique reste un lieu de retour aux sources. Par ailleurs, un projet d’une telle ampleur est plein d’enjeu, notamment celui d’être toujours actuel et contemporain plusieurs annéess après avoir entamé son processus créatif. Cela demande une réinvention constante afin de conserver une pleine cohérence à l’époque et au cadre. Il était également primordial pour moi de créer un lieu qui s’écarte de l’anonymat pour révéler une âme et une authenticité.  

Vous définissez votre approche par sa rigueur analytique. Qu’implique ce processus lors d’un nouveau projet ? J’apprécie cette citation de Brassens qui dit que « sans technique, un don n’est rien qu’une sale manie ». C’est ce qui m’a amené à mettre en place une forme de méthode systématique. Qu’il s’agisse de créer un espace, un siège ou un bâtiment, peu importe, je réalise des croquis, qui deviennent des modèles 3D. Vingt, trente, quarante versions différentes, destinées à expérimenter pratiquement tout le champ des possibles, jusqu’à trouver l’option qui fonctionne et que l’on développe en détail. Avec une nouvelle fois l’enjeu du beau, axé sur le ressenti, le coup de cœur. Cette philosophie s’inscrit aussi dans l’héritage du début du 20^e siècle, où les architectes créaient d’office non seulement le lieu mais son mobilier. Cela permet de développer le plein vocabulaire de celui-ci et de lier vraiment le design au contexte. C’est un principe que j’applique énormément, non seulement pour les hôtels mais aussi pour nombre d’autres projets, comme récemment pour le showroom Thierry Mugler ou pour la Galerie Mitterrand, tout juste achevée. 

Votre architecture cultive une simplicité maîtrisée, un langage minimaliste et subtil. Que disent-ils de votre univers ? J’aime parler d’évidence. Et qu’un projet fini résonne vraiment comme tel, comme l’évidence qu’il n’aurait pu en exister d’autre. C’est une notion qui me guide et passe aussi par un apaisement, une absence de bruit et de perturbation, y compris visuelle. Dans mon environnement quotidien, je suis souvent heurté par le fracas des interférences, de ce qui est déséquilibré. La vraie question n’est pas d’aspirer au luxe ou à la grandeur, mais à une réelle harmonie.  

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Quand il raconte les jardins, Jan Verlinden parle de familles végétales, d’amour et d’émotion, mais aussi de l’importance pour l’humain de s’y inscrire avec écoute et humilité. Une nature qu’il façonne autant par ses mains qu’avec âme, telle une sculpture dont émerge l’harmonie. 

Vous vous définissez comme un « sculpteur de paysages ». Quel sens revêt ce terme pour vous ? L’expression d’une appartenance à la nature comme à l’humain. Et la quête d’une harmonie entre eux. C’est pour moi une forme de mission de vie. Comme un peintre œuvre à coups de pinceaux, je redessine les paysages, j’adoucis les frontières, je remodèle le terrain, avec un crayon, comme avec une pelleteuse. En cassant et en reconstruisant, mais surtout en écoutant. Le sol, les plantes, la lumière. La nature tient le rôle principal et c’est en son sein que nous devons explorer la présence humaine et sa mesure. Beaucoup de gens pensent qu’une végétation sauvage implique une forme de chaos, or la nature est histoire d’équilibre et de respiration. Il faut seulement apprendre à la magnifier, sans chercher à la dominer. 

D’où vous vient cette recherche de symbiose entre le végétal et l’homme ? Mon père était fermier. Il m’a transmis sa relation instinctive au vivant et sa connexion profonde à la terre. Je me souviens qu’à six ans, j’arrachais les jolies fleurs que je croisais pour les replanter dans mon jardin, en espérant qu’elles y poussent, ce qui bien sûr ne fonctionnait pas. J’ai toujours recherché cette paix qui s’enracine dans la nature. Et puis à l’adolescence, j’ai rejoint une école professionnelle d’horticulture et découvert là-bas que créer des jardins pouvait devenir un métier. Vers seize ans, alors que je travaillais en alternance pour une entreprise, j’ai commencé à imaginer mes propres espaces et à réaliser de petits travaux d’entretien chez des particuliers le week-end. C’est ainsi qu’une cliente m’a un jour demandé si je pouvais créer un plan d’aménagement paysager pour son terrain. J’ignorais tout des aspects techniques, mais j’étais surexcité. J’ai dessiné toute la nuit sur un grand support bricolé avec deux feuilles de papier. Le lendemain, je me suis empressé d’aller lui montrer le résultat et elle m’a proposé de le réaliser. Ça a été mon premier projet, celui d’un jardin très sobre et simple. Mais il a marqué le point de départ du voyage. Et il figure dans « The Poetry of Landscaping », le livre qui présente mon histoire et ma vision à travers huit projets marquants, publié par Beta-Plus Publishing.

Vous affirmez que « les meilleurs projets tournent autour de l’émotion et de l’émerveillement. Ils expriment qui nous sommes et ce en quoi nous croyons ».  Qu’est-ce qui, pour vous, fait d’un lieu une source d’émerveillement ? On sous-estime souvent la puissance du mystère. C’est fondamental pour moi qu’un jardin ne se dévoile pas entièrement dès les premiers pas, mais qu’il y ait un vrai parcours d’exploration. Parfois, au lancement d’un projet, j’arrive avec dix camions remplis d’arbres et de végétation et les clients m’observent abasourdis, en se demandant où je vais bien pouvoir placer tout ça. Mais ensuite ces plantes se fondent dans le décor, semblant avoir toujours été là. On ne plante pas vingt fois le même arbre, mais une famille, une mère, un père, des grands-parents. Ils ont tous leur caractère, et jouer avec les tailles et les formes de chacun permet d’obtenir un équilibre naturel en même temps qu’une expression artistique. C’est cette beauté de la disparition qui m’émerveille. Et je remarque que les enfants jouent énormément dans mes jardins. Ils se cachent, se perdent dans les recoins, s’approprient des endroits secrets. Façonner ainsi de nouveaux mondes est magique. 

Quels sont les jardins qui deviennent à vos yeux une histoire singulière et unique ? Chaque lieu est unique. Mais plus qu’un jardin, qu’il soit grand ou petit, ce sont les gens qui rendent une expérience exceptionnelle. Il s’agit aussi d’instinct, de ressenti. Je partirai dans quelques mois pour un projet à Saint-Martin, dans les Caraïbes. Je ne connais pas la flore locale, mais je n’en ai pas besoin. En arrivant, je regarderai leur comportement, les arbres poussant droits vers le ciel, ceux qui rampent au sol, la façon dont ils se connec-tent. Cela me montrera comment les respecter. La dynamique est la même pour un étroit jardin belge évoquant la douceur sicilienne ou pour un vaste resort à Majorque, comme celui que je prépare actuellement. Un domaine de cent hectares dont la vue sublime plonge vers l’océan et le Cap de Formentor et qui accueillera un hôtel, des villas et des vignobles. Les murs en pierre sèche des ruines de l’ancienne ferme y rencontrent la nature brute et somptueuse et il s’agit une nouvelle fois de trouver l’équilibre, entre lâcher prise et intervention. En connectant l’humain au paysage, laissant ainsi le beau l’irriguer, comme un cœur qui bat.    

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Entre esthétique intemporelle et fonctionnalité sans compromis, sistem redéfinit les standards des espaces culinaires. A l’occasion de son cinquième anniversaire, célébré par l’ouverture d’un nouveau showroom à Gand, Frederik Saey revient sur les fondements du label, lancé avec son frère Pieterjan et sur son approche novatrice du sur mesure et de la modularité. 

Cette année marque les cinq ans d’existence de sistem. Qu’est-ce qui fait sa singularité et son succès ? Avec sistem, nous avons développé une synergie entre fonctionnalité, précision du design, esthétique et simplicité. Une cuisine est conçue pour durer près de deux décennies. Au-delà de l’esprit et des tendances de l’époque, avec ses matériaux et couleurs phares, nous préférons nous définir par la qualité et la sobriété. Choisir l’ergonomie à la complexité et proposer une multitude de configurations possibles, orientées vers le beau comme l’utile. 

Au-delà du label, cette réussite est le fruit de vingt ans d’expertise. La vôtre, comme celle de votre frère Pieterjan, acquises dans les domaines du design intérieur et de l’ébénisterie. Qu’est-ce qui vous a un jour amené à les mettre en commun ? Tout a commencé par une conversation anodine, il y a une quinzaine d’années, durant laquelle nous avons parlé de créer un design en duo. Mais nous avions chacun nos vies, nos carrières et j’habitais alors à Rome avec ma compagne de l’époque. Un jour, je me suis finalement lancé et j’ai dessiné et conçu les plans d’une table, que Pieterjan a ensuite fabriquée. En discutant des détails et de la mise en œuvre, nous avons rapidement réalisé qu’une collaboration faisait vraiment sens. A mon retour en Belgique en 2012, nous n’avons alors pas hésité une seconde à lancer notre entreprise d’aménagement intérieur, Saai. Le soir, nous réalisions nos pièces dans le garage de notre grand-mère, travaillant sept jours sur sept à celles-ci. Au fil des années, le projet a pris de l’ampleur, nous permettant d’avoir notre équipe, mais progressivement nous est apparue l’exigence que représentait cette optique globale. Nous tenions à conserver notre propre atelier mais aussi un fonctionnement artisanal et durable. De là est né sistem, ce principe de modularité autour de matériaux, de détails et de fonctionnalités, permettant d’obtenir un résultat sur mesure.  

Vous revendiquez également une production 100% belge. Cette approche définit-elle aujourd’hui sistem ? Oui, c’est un élément majeur de notre identité. Nous utilisons uniquement des matériaux naturels, évitant notamment la céramique ou le composite, qui vieillissent mal. J’aime qu’une cuisine devienne un peu comme un meuble vintage racontant une histoire, mais pour cela, il faut le charme d’une belle patine, que façonne le temps. Nous fabriquons la majorité des éléments dans notre propre atelier et commandons ceux que nous ne pouvons pas réaliser, notamment les petites poignées de métal, à des artisans situés dans un rayon de 50 kilomètres autour de nos locaux. Soutenir cette production de proximité est fondamental pour nous et permet de mettre en lumière toute l’excellence de structures à taille humaine. 

En avril 2025, vous avez inauguré un second showroom, à Gand. Son caractère est-il différent de celui de votre espace à Aalter ? De par le design des lieux, leur style est en effet très différent. Industriel et épuré à Aalter, où nos créations sont présentées presque à la manière d’un musée, sans décoration superflue. Alors que du côté de Gand, nous sommes au contraire installés dans une maison de maître du 19^e siècle, aux hauts plafonds et moulures, dont nous avons dédié chaque étage à une atmosphère distincte. Cela nous permet de présenter nos concepts les plus haut de gamme dans un showroom à leur mesure. 

Est-ce la volonté de proposer un cadre supplémentaire à l’expérience sistem qui vous a également amené à aménager deux tiny houses à louer ? L’idée venait de mon frère. Il adore rénover des lieux durant son temps libre. Mais pour donner vie à Nest Cabin et Drogengoed, nous avons en effet fonctionné comme pour tout projet sistem. J’en ai conçu l’aménagement et choisi les détails des matériaux, et il s’est chargé de la réalisation. Elles possèdent deux styles presque aux antipodes : la première imaginée comme un chalet dans les bois et la seconde adoptant une esthétique sophistiquée et vintage dans une structure métallique. Deux facettes de notre travail. Elles sont désormais toutes les deux vendues et ne nous appartiennent plus, mais continueront à accueillir des résidents dans ce design que nous avons créé de toute part.  

Qu’estimez-vous avoir été le plus bel accomplissement de ces cinq années ? On a souvent tendance à se concentrer sur ce qu’il reste à améliorer et sur la recherche constante d’innovation qu’impose ce métier. Mais je suis fier de cette philosophie et cette liberté créative que nous avons imaginées pour sistem. Une architecture réfléchie et une ligne directrice affirmée dont peut aujourd’hui émerger tout le potentiel. 

www.chateau-de-theoule.com

De refuges urbains en maisons en bord de mer, les architectures de Vesper s’inscrivent dans une harmonie guidée par l’équilibre. Entre sensibilité et matière, Michael Lenaerts et son agence se dédient avec élégance à la paix intérieure. 

Quelles étaient vos attentes en créant ce studio de design d’intérieur ? C’était en réalité la continuité d’une longue histoire, entamée en famille. La construction et l’aménagement ont été une constante de mon existence. Depuis mon enfance, je suis les nombreux projets de rénovation de mes parents. J’ai par ailleurs commencé mon parcours professionnel dans le secteur de l’isolation, travaillant comme chef d’agence pour différents types de bâtiments, notamment industriels. Et puis, en 2011, avec mon père et ma sœur, nous avons fondé une entreprise commune, proposant la restauration et la transformation de petites maisons et d’appartements, avec pour la première fois une approche esthétique. J’ai toujours été passionné par l’architecture, notamment intérieure et c’est ce qui m’a amené en 2018 à fonder Vesper, afin de structurer et développer pleinement ma propre conception du design. Une vision qui s’est affirmée, mais aussi affinée avec les années, jusqu’à devenir une véritable identité intemporelle et épurée à la fois.

Un minimalisme qui définit aujourd’hui la touche Vesper ? Oui, même s’il est avant tout un vecteur de bien-être et de sérénité. Une forme de tremplin vers ce sentiment de quiétude que j’espère insuffler dans l’ADN même des lieux. Un calme intérieur qui passe notamment par la limitation du nombre de matériaux employés au sein d’un lieu, et par la certitude qu’ils sont purs et durables. Lorsque nous concevons une maison ou un appartement, nous privilégions une homogénéité de la matière dans un maximum de pièces, avec une préférence pour la pierre naturelle, le marbre et le bois. Les associer à des tons neutres, voire monochromes, intensifie encore l’harmonie globale. Un autre élément qui façonne les réalisations de Vesper est le travail d’alignement des éléments architecturaux : fenêtres, couloirs, ouvertures, tout est pensé pour incarner la cohérence et l’équilibre, gage d’une sensation de paix. 

Vous expliquez être une agence résolument urbaine, puisant ses influences dans la nature. Comment s’exprime ce mélange des genres ? Je vis à Anvers et j’adore la ville, son énergie et son mouvement et cela s’accorde parfaitement avec le fait qu’une majorité de nos projets sont citadins. Mais en parallèle, les grandes métropoles imposent aussi leur bruit et une circulation constante, dont on a besoin de pouvoir se couper par moments. C’est là qu’intervient ce lien à la nature. Par ce souhait de laisser l’agitation à la porte et, une fois franchi le seuil d’un lieu, d’y permettre une véritable pause et un ressourcement. Le design est pour moi pleinement question d’émotions. Ce sont elles qui amènent à un résultat abouti et à un vrai plaisir de vie au sein d’un espace. 

S’il devait ne rester qu’un projet à même de vous représenter ? Ce serait cette ancienne ferme de Turnhout dont nous avons géré la rénovation. Un chantier d’envergure qui a duré quatre ans. A l’époque, le studio n’avait que deux ans et cette mission représentait un immense défi, d’autant plus exceptionnel que le client nous a donné carte blanche. Nous y avons laissé librement cours à toutes nos idées, expérimenté l’emploi de textures murales très travaillées, combinées au choix d’un parquet haut de gamme. C’est sans aucun doute l’une de nos plus belles réalisations. Et puis notre propre bureau, rénové en 2024 et qui est d’une certaine façon notre aménagement le plus personnel. Il permet à nos clients de débuter cette expérience commune dès le premier rendez-vous et de s’imprégner de notre univers à chaque étape.  

Vous avez également conçu de nombreux design d’intérieur en bord de mer, à Knokke, à Anvers, en Zélande ou à Rotterdam, mais aussi pour une résidence en Espagne. Rêvez-vous de lendemains sous un autre ciel que celui de la Belgique ? Oui, c’est notre objectif pour les cinq ans à venir. Concevoir l’intérieur d’un pied-à-terre maritime permet de jouer avec des teintes et matériaux différents, comme des sols coulés, de la chaux, des coloris sableux, qui rappelleront la plage et l’eau, la vue environnante. Mais les paysages belges sont très différents de ceux du sud de la France ou des décors ibériques. Nous venons de débuter un superbe projet de maison espagnole, que nous allons entièrement réaliser. Cela nous donnera l’opportunité de mixer les caractéristiques typiques des habitations locales avec notre style, mais nous n’en sommes encore qu’aux prémisses. Nous achevons par contre une résidence de ville en face du Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers. Deux ambiances, au départ à l’antithèse l’une de l’autre, mais tout autant sources d’inspiration pour Vesper. 

www.vesper-projects.be

Il a fait sienne une géométrie de l’équilibre. Une synergie entre construction et abstraction, dont émergent des compositions d’une harmonie sereine et magnétique. En s’appuyant sur la structure, Jeroen Broux s’évade des cadres et explore une vision vibrante de l’art et de la forme. 

Après des années de création numérique en tant que graphiste, vous concevez aujourd’hui des œuvres picturales et sculpturales. Ressentiez-vous le besoin d’un retour à la matière ? Oui, profondément. C’est la raison principale qui m’a amené à la peinture. Je pouvais passer jusqu’à 12 ou 14 heures par jour devant un écran d’ordinateur et mon corps m’a finalement fait comprendre qu’il était temps de prendre de la distance avec le virtuel. J’ai ressenti un besoin viscéral de travailler de mes mains, de sentir les pinceaux, de me reconnecter au geste et à une approche physique. Pourtant, parallèlement, je ne le vois pas comme un changement créatif radical, plutôt comme une continuité. Après avoir été directeur artistique d’une agence de publicité pendant près d’une décennie, j’ai fondé il y a sept ans mon propre studio de design graphique. C’est durant cette période qu’est survenue une transition progressive vers la peinture d’abord, puis vers l’art dans sa globalité. Mais ce changement s’est déroulé de façon très fluide, presque organique. Et encore aujourd’hui, j’utilise une approche similaire à celle qui m’animait lorsque je concevais des logos, des publicités ou des brochures. Après des croquis au crayon, j’explore la disposition des structures sur logiciel. Mon langage visuel demeure le même. La véritable différence tient à la liberté que j’ai aujourd’hui, celle d’imaginer sans contrainte.   

Vos réalisations s’imprègnent d’un profond travail de structure et de disposition, par des formes récurrentes se reconfigurant à l’infini. Qu’est-ce qui vous l’a inspiré ? C’était à la fois intuitif et basé sur le choix conscient de me cantonner à des figures géométriques de base, comme le carré ou le cercle. Je pense en termes de grilles. C’est une façon de concevoir tout à la fois restrictive et libératrice. Cela peut sembler paradoxal, mais cette approche cadrée, rigoureuse, me permet de créer sans me mettre de limite. Grâce à mon bagage de graphiste, je joue instinctivement avec cette modularité. D’où, d’ailleurs mes titres de tableaux, baptisés « Shift », « Enter », « Ctrl », des raccourcis clavier qui font référence à ce parcours de départ tout en racontant la métamorphose de mon travail artistique vers le lâcher-prise. Lorsque l’on peint, on doit accepter la non-possibilité d’un retour en arrière. Renoncer à cette touche que l’on presse pour effacer et recommencer. Cela oblige à peser chaque geste et à accepter un placement naturel de la matière, dans la beauté de ses imperfections. 

Vous vous jouez des formes comme de la matière, entre toiles, sculptures et même tapis. Comment naît une nouvelle œuvre ? De l’expérimentation avant tout. Je suis passionné de design d’intérieur et je m’imprègne de l’architecture pour découvrir de nouvelles combinaisons de teintes et de structures. La mode m’inspire également, notamment des créateurs comme Edouard Vermeulen, de la Maison Natan, qui, par l’emploi de formes épurées et élégantes ainsi que de couleurs vives, parvient à une harmonie entre sérénité et force. Ce mélange de calme et d’audace représente exactement ce que je désire évoquer par mon travail. Une tension graphique mêlée à un profond équilibre. C’est sans doute pourquoi je me considère au croisement de l’art et du design. Lorsque je crée, je visualise d’emblée le projet dans un espace plus vaste, une pièce, un mur, une esthétique qui vit avec son environnement. 

En 2022, vous lanciez également votre propre espace, Kobalt Gallery. Qu’est-ce qui a motivé ce choix ? Je suis tout sauf un artiste classique. Je n’ai suivi aucun cours de peinture, je ne m’inscris dans aucune case. Il était donc inimaginable pour moi de rester dans mon atelier à attendre de trouver une galerie prête à me représenter. Et puis j’aime ce contact avec le public. Ce regard que les spectateurs posent sur mes créations est très enrichissant. Les collaborations m’inspirent également, comme celle avec la marque de céramiques et textiles d’intérieur Kapsul autour de tableaux pensés comme des pièces de collection ou avec Ancré Rugs pour imaginer un tapis ressemblant à un tableau posé au sol. 

Vous acheviez récemment une exposition pop-up à Knokke. Qu’annoncent pour vous les mois à venir ? Brussels Airport m’a invité en février 2025 à exposer durant un an, cinq de mes œuvres au sein du Skyhall, ancien hall des départs transformé en espace événementiel unique. Cela amènera 100 000 visiteurs à pouvoir découvrir mon travail. C’est une belle consécration, surtout pour un périple artistique entamé il y a seulement cinq ans. J’estime avoir encore beaucoup de chemin à parcourir. Un chemin guidé par la création. 

Entre Bruges et Los Angeles, le design de Camille De Prêtre se vit à la frontière des fuseaux horaires, où il allie l’aménagement d’espace à la création de pièces de mobilier tout en fusionnant avec élégance les différentes dimensions.

De l’objet au lieu, votre travail d’architecte aborde le design dans sa globalité. Est-il important pour vous de façonner la matière afin d’imaginer un intérieur ? C’est essentiel. Ces deux domaines sont complémentaires dans mon processus créatif et se nourrissent l’un l’autre. Cette dynamique a toujours fait partie de ma conception du métier. Lors de ma première année d’architecture d’intérieur à la KU Leuven, on nous a donné pour projet d’élaborer un meuble. J’ai réalisé une chaise noire en acier et marbre que, très fière, j’ai postée sur mes réseaux. Rapidement les demandes d’achat ont afflué et je me suis retrouvée propulsée étudiante-entrepreneuse, vendant mes propres pièces. Il s’en est écoulé une quinzaine et dans la foulée j’ai compris que je désirais imaginer et créer à deux niveaux, du mobilier artisanal comme des espaces. Une certitude renforcée ensuite par deux rencontres. Celle d’Arno Declercq, dans l’atelier duquel j’ai travaillé durant un an, et celle de Federico Peri, que j’ai rejoint en Italie pour plusieurs mois. Ils m’ont offert une immersion profonde dans chaque aspect du métier de designer.  

Et l’impulsion de lancer votre propre studio ? J’estimais ne rien avoir à perdre et tout à expérimenter. Collaborer avec eux m’a amené à construire ma propre forme d’architecture. La vision d’Arno est pleinement artistique. Ce qu’il crée s’apparente à de l’art fonctionnel, fait de pièces uniques et conceptuelles. A l’inverse, Federico s’associe à des marques prestigieuses, comme Bentley ou Baxter et se tourne prioritairement vers le marché commercial. Une fois installée à Los Angeles, j’ai également mené un projet commun durant deux ans avec la décoratrice d’intérieur américaine Jacqueline Talski, spécialisée dans le design par l’étude des sciences spatiales et baptisé La-Bel. L’occasion d’une expérience qui une nouvelle fois mixait ces aspects.  Je me situe aujourd’hui à la jonction des deux. Je conçois des meubles pour des labels internationaux, aménage des lieux en fonction des demandes. Et en parallèle je continue à développer mon univers personnel, qui évolue constamment au fil de mes voyages.

Vous avez en effet grandi à Bruges, mais fondé votre studio à l’ombre des collines d’Hollywood. Qu’est-ce qui vous a amené de l’autre côté de l’Atlantique ? L’amour. Mon compagnon a eu une opportunité professionnelle aux Etats-Unis et je l’ai suivi. J’y ai dessiné ma première collection dont les modèles ont ensuite été réalisés en Belgique, en collaboration avec un ami et au sein de son atelier. Mon amour de l’artisanat me vient de mes racines. Notre pays possède un savoir-faire et une technique uniques. Mais l’architecture américaine, dont je suis tombée sous le charme, imprègne tout autant mes créations. Celle de Miami, une esthétique entremêlant des courbes omniprésentes et l’influence art déco. Tout celle du Los Angel des années 70 et 80, illustrée à merveille par le J. Paul Getty Museum. Mais aussi de la vision futuriste du Walt Disney Concert Hall. C’est une région d’une exceptionnelle diversité avec un mélange de cultures inouï, entre pièces vintage, imprimés et objets de collection. Un cadre incroyablement inspirant. 

La vision du design est-elle très différente entre les deux continents ? Totalement. Nous avons la chance de ne pas considérer l’architecture d’intérieur comme un luxe inaccessible, a contrario des Etats-Unis où celle-ci est réservée à une certaine élite. Notre pays nourrit également une vraie sensibilité aux matériaux nobles, comme le bois, le marbre, la pierre mais aussi au fait main et à l’attente d’une exécution parfaite. A Los Angeles, l’accent est davantage mis sur l’aspect visuel et accrocheur d’une pièce plutôt que sur son processus de fabrication et son authenticité. C’est une tout autre approche. 

Considérez-vous Los Angeles comme un foyer ou plutôt comme une escale ? J’aime ce lieu, mais il reste une étape. J’ai d’ailleurs décidé de ne plus y passer que la moitié du temps, pour revenir en partie en Italie et surtout en Belgique, où m’entrainent mes projets professionnels actuels. Je prépare actuellement une collection avec Polywave, une jeune marque de mobilier belge. J’ai également achevé une série murale en noyer, différente de tout ce que j’ai pu conce-voir auparavant, même si elle demeure très organique et artisanale et qui vient d’être présentée à la Belgian Art & Design Affair de Gand. J’exposerai aussi début juin dans une galerie pop-up de Bruges, encore en rénovation. Mais plus que tout, je rêve de poser un jour mes valises dans mon atelier et me consacrer uniquement à la fabrication de mes créations. Définitivement, mon endroit favori.  

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Sophie Hellebaut raconte la beauté du bois comme d’autres le feraient d’une histoire d’amour, avec une fascination passionnée qui s’inscrit aux racines d’Atelier Collón. Incarnations d’un artisanat intemporel et raffiné, ses objets façonnent le vivant pour en embrasser pleinement la nature.  

Comment a débuté votre histoire avec l’artisanat ? J’ai toujours éprouvé une attraction instinctive pour le design et l’architecture. Et, bien qu’ayant entamé une carrière dans l’immobilier, j’avais le désir, le besoin même, d’imaginer et de créer. Par le hasard des rencontres, ma route a croisé celle d’un artisan menuisier retraité de 75 ans. Nous nous sommes appréciés mutuellement et il a accepté de me transmettre une part de son savoir et de m’aider à donner vie à mes idées. Hélas l’épidémie de COVID s’est déclarée dans la foulée et il nous est devenu impossible de nous voir. J’ai alors acheté les machines nécessaires pour installer mon propre atelier et concevoir de petites collections, avant de m’armer de courage et de me rendre dans des boutiques que j’appréciais pour leur proposer mes pièces. Les possibilités se sont multipliées petit à petit, les gammes se sont agrandies. Les quatre premières enseignes sont devenues une cinquantaine et m’ont permis aujourd’hui de transformer cette passion en un merveilleux métier. 

Vos œuvres sont façonnées à partir de bois. Était-il important pour vous de travailler un matériau qui ait une âme ? Absolument. J’ai un rapport tactile à la matière et créer à partir du vivant était fondamental. Même si c’est parfois plus compliqué parce que le bois réagit à l’environnement, à l’humidité ainsi qu’à la lumière et peut s’altérer avec le temps. Mais c’est aussi ce qui fait toute la singularité de ce matériau, qui me fascine, par ses formes et sa profondeur. Afin de lui rendre hommage, j’ai divisé mes collections en deux gammes. « Pure », dont le bois sans nœuds ni fissures, est lissé, poli et coloré avec des huiles de haute qualité. Et « Raw », qui met en valeur son corps brut, avec ses imperfections naturelles. Cela me permet d’imaginer des pièces épurées et sophistiquées ou au contraire organiques et originelles.

Vous définissez votre label comme un témoignage de l’excellence du savoir-faire belge. Quels sont les éléments qui en permettent l’expression ? Notre pays est reconnu pour son exigence, sa minutie et la qualité de ses matières premières. C’est une richesse artisanale qu’il est essentiel de préserver et c’est ce qui m’amène à travailler exclusivement avec des produits, des fournisseurs et des ateliers belges, à qui je confie la production de mes créations. Les cous-sins qui accompagnent mes meubles sont également tissés dans une manufacture en Flandre-Orientale et mon bois provient d’entreprises familiales locales. Cette philosophie « Made in Belgium » est une valeur forte et partie intégrante de l’histoire d’Atelier Collón.

D’où vient d’ailleurs ce doux nom d’Atelier Collón ? Il fait référence aux termes grec kolóna et latin columna, qui signifient colonne. Seule, une colonne est incapable de soutenir un toit, de même qu’une forêt ne naît pas d’un arbre unique mais de la multitude. Je crois profondément à l’importance d’être entourée et d’être part d’un tout. J’ai aussi la certitude que c’est en étant porté par ses racines et par ses piliers que l’on grandit. Ces deux notions sont essentielles pour moi. 

Vous avez dévoilé une toute nouvelle collection en mars 2025. Quel était son fil rouge ? Je l’ai pensée de manière multiforme et plurielle, puisqu’elle comprend l’extension de la collection de vases « Pilar », qui est désormais proposée en trois tailles. Ainsi que le lancement d’une version de grande taille de ce modèle, décliné en chêne massif, mon matériau de prédilection, ainsi qu’en afrormosia, une essence très chaleureuse aux nuances pourpres et en noyer améri-cain. Dans cette collection, on retrouve également une gamme de mobilier, elle aussi en chêne français et noyer américain, incluant une console, un bureau, une petite table d’appoint et une bibliothèque modulable, dont les éléments peuvent être employés séparément. J’aime l’idée de créations que l’on peut s’approprier en différentes configurations.  

Quelle serait la plus belle réussite pour Atelier Collón ? Continuer de grandir mais sans perdre mon indépendance ni mon épanouissement. Et conserver ce plaisir initial de créer qui donne leur sens à mes pièces. Il me reste tellement à explorer. J’ai conçu un design en pierre, mais j’ignore encore ce que je désire en faire. J’aimerais aussi expérimenter le verre soufflé et le cuir, tout comme le chrome. Peut-être un jour, tenterais-je des combinaisons. Les tendances ne sont pas mon moteur, au contraire de l’instinct et de la sincérité. Le plus beau des compliments pour moi est de savoir que mes pièces ressemblent à celle que je suis. 

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Porté par une approche intime et sur mesure de l’espace, le duo d’architectes déploie sa créativité en harmonie avec ceux qui construiront leurs souvenirs dans les lieux qu’ils façonnent. Une conception de l’habitat qui s’affirme pleinement comme un art de vivre, racontée par Emiel Vercruysse, l’un de ses fondateurs.

Decancq Vercruysse Architects se consacre uniquement à la réalisation d’espaces résidentiels. L’architecture est-elle pour vous le moyen de nouer des liens, d’entrer en connexion ? Oui, c’est une approche passionnante justement par la possibilité qu’elle donne de pénétrer dans le quotidien des gens, de comprendre leurs habitudes et leurs besoins. Chaque projet prend la forme d’une découverte, car tout individu a une façon personnelle et singulière de circuler dans une maison. Cela amène une intimité avec nos clients, créant souvent des relations très fortes. Nombre d’entre eux deviennent d’ailleurs des amis. Cette proximité est l’un des aspects les plus enrichissants de l’architecture résidentielle.

Des liens qui sont également à l’origine de votre cabinet, puisque vous avez fondé celui-ci en duo, avec Hannes Decancq. Quels sont les éléments qui vous ont rapproché ? J’ai rencontré Hannes par l’intermédiaire de connaissances communes et nous avons directement accroché, sans doute en raison de nos caractères complémentaires. Il a une approche très technique alors que je suis pleinement tourné vers l’esthétique. Nos parcours eux aussi reflètent cette différence, qui aujourd’hui fait notre approche et notre marque de fabrique. Alors qu’Hannes évoluait dans des bureaux spécialisés et même auprès d’entreprises de construction, j’ai travaillé dans des agences axées sur le design, notamment auprès de Vincent Van Duysen, dont la vision m’a énormément inspiré. A mes yeux, tout doit être beau, réfléchi jusque dans les moindres détails, afin d’aboutir à une maison ressentie comme un sanctuaire, un foyer chaleureux et serein. Assurer cette cohérence dans chaque aspect, même le plus pointu est un défi, et c’est là que nous nous rejoignons. Et que nous nous complétons pour imaginer ensemble un lieu parfait, à la fois fonctionnel et harmonieux. 

Intérieur et extérieur doivent-ils entrer d’une certaine manière en communion ? Totalement. Nous n’acceptons jamais un projet qui ne nous permet de travailler que sur l’un de ces deux aspects, tant ils sont indissociables. Tout est une question de lumière, de la façon dont elle pénètre l’espace et des matériaux qui la captent et la transforment. L’architecture doit raconter une histoire unique mais avec équilibre et homogénéité. Nous concevons ainsi toujours un lieu en commençant par l’intérieur avant d’aller vers l’extérieur, même lorsqu’il s’agit d’une construction neuve. Nous débutons par un agencement optimal de l’espace résidentiel à proprement parler et tout découle de cette réflexion. 

Comment justement envisagez-vous la relation entre les matériaux et l’espace ? Ils sont profondément liés. Je suis un grand amoureux de la nature et je suis convaincu qu’elle nous rend plus heureux et apaisés, même lorsque ces émotions se vivent de façon inconsciente. Hannes et moi appliquons ce principe à nos maisons en les connectant aux espaces extérieurs. Et l’utilisation de matériaux naturels, avec cette présence centrale du bois et de la pierre, renforce cette continuité. Par notre design, nous espérons donner un sentiment d’appartenance. Un véritable chez-soi est un cocon où l’on puise l’apaisement et le réconfort. Et qui en même temps doit pouvoir raconter le mouvement constant d’un lieu de vie, accueillir la réalité du quotidien. C’est pourquoi ce processus implique un dialogue constant avec leurs futurs habitants. Nous ne créons pas la même cuisine pour un grand chef que pour une personne réchauffant des plats préparés chaque soir ou sortant constamment dîner dehors. L’aménagement réalisé pour un célibataire sera tout autre pour une famille avec trois enfants. Il peut s’agir d’imaginer un tiroir spécifique pour ranger un objet précieux. Ou du choix d’un grand miroir plutôt que d’un petit. Chaque détail contribue à cette identité sur mesure. Et c’est ce qui permet à tout projet de demeurer spécial et singulier.   

En existe-t-il malgré tout un défi architectural particulier que vous rêveriez que l’on vous propose ? Je pratique parfois la voile et je trouverais fascinant de concevoir un voilier. Une maison est un lieu de repos, où l’on revient s’ancrer. Mais créer un espace qui accompagnerait un voyage et qui ferait partie intégrante de l’aventure serait une expérience exceptionnelle. 

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L’aménagement paysager, est pour Gonzague et Gérault Nobels, indissociable d’une pleine conscience du vivant et d’une rencontre harmonieuse du végétal et de l’humain. Une approche qu’ils cultivent au sein d’Henrion Landscapers, réalisant des havres extérieurs où il fait doux de vivre et s’épanouir. 

Au-delà de son aspect esthétique, vous abordez l’aménagement paysager dans une démarche de durabilité. Quelle forme concrète prend cet engagement ? Gonzague : Celle de jardins qui évoluent à leur rythme, au fil des saisons, au lieu d’être façonnés en un jour. En optant pour des prairies fleuries plutôt que pour des terrains de golf à l’herbe parfaitement taillée et en favorisant les plantes indigènes à la place des espèces exotiques. Nous sommes bien sûr à l’écoute des demandes de nos clients, mais nous cherchons également à leur transmettre l’approche raisonnée qui est la nôtre et cette volonté de repla-cer la biodiversité au cœur de l’aménagement extérieur. 

Gérault : On peut limiter la tonte pour permettre à la faune et à la flore de se développer, adopter la permaculture, nourrir le sol et dès lors les plantes avec des matériaux organiques. Nous évitons d’ailleurs au maximum les produits phytopharmaceutiques et chimiques, comme les fongicides et les herbicides. Il s’agit finalement juste de choisir la simplicité, en laissant la nature reprendre ses droits, aussi bien lors de la création même d’un espace vert que pour son entretien.

Gonzague, comment en êtes-vous venu à reprendre les rênes d’Henrion Landscapers il y a 14 ans ? Et cette conception écologique du jardin était-elle déjà présente ? Cette opportunité s’est présentée alors que je cherchais à me réorienter professionnellement, après 20 ans de carrière dans le secteur informatique. D’Henrion, j’avais des souvenirs d’enfance, puisque mes parents avaient confié à l’entreprise la transformation de notre jardin familial. En 2011, l’aspect écologique n’était pas encore au cœur du projet, les conditions étant très différentes. Il nous a fallu, ces dernières années, apprendre à nous adapter aux transformations écologiques toujours plus nombreuses, au raccourcissement des périodes de plantation, ainsi qu’à la sécheresse et aux pluies trop abondantes. Et ce, sans pour autant rompre avec l’identité ayant fait le succès de l’entreprise depuis six décennies. Aménager un jardin est un processus créatif qui ne se limite pas à trois dimensions, mais intègre une saisonnalité, tout comme une composante visuelle et olfactive. Avec pour mission première de créer une bulle de nature et un refuge quotidien, aussi bien pour une famille qu’au sein d’une copropriété ou pour les employés d’une entreprise. Je n’imaginais en revanche pas du tout pouvoir poursuivre la tradition d’une affaire familiale, à l’image des précédents propriétaires, mais je suis heureux que Gérault ait contredit cette idée et rejoint l’aventure.

Gérault, vous avez en effet intégré l’agence il y a 5 ans, après une carrière dans le secteur du vin. Pourquoi ce choix ? J’y avais travaillé comme étudiant durant toute ma scolarité, avant de partir pour Bordeaux me former à la vinification et au commerce de vin. Après plusieurs expériences à l’étran-ger, j’étais finalement revenu en Belgique pour m’y lancer à mon compte, quand est survenue la crise sanitaire. Mes activités liées à l’horeca se sont retrouvées à l’arrêt et j’en ai alors profité pour étudier la viticulture. Lorsqu’un des associés au sein d’Henrion a pris sa retraite, rejoindre l’entreprise est devenu pour moi une évidence. Par amour du monde végétal, qu’il s’agisse de vignes ou de jardins, tout comme du fait de connaître l’équipe et d’avoir expérimenté chaque aspect concret du métier. Mais il n’était pas question d’un traitement de faveur sous prétexte d’être le fils du directeur. J’ai commencé sur les chantiers, pour finalement aujourd’hui encadrer une douzaine d’équipes. 

Continuité ou développement, quel futur imaginez-vous aujourd’hui pour Henrion Landscapers ? Gérault : Créer, aménager et entretenir… Nos rôles au sein de l’agence sont multiples, mais nourrissent le même but, faire fleurir la vie dans le paysage. Cela passe bien sûr par l’idée de grandir, mais pas forcément en taille, plutôt en continuant de mûrir et développer notre connaissance et notre compréhension de la biodiversité. Et de la transmettre grâce à la passion qui nous anime. 

Gonzague : Nous réalisons aussi de nombreux projets de restauration de sites bruxellois, comme le Parc Pierre Paulus, le Musée & Jardins Van Buuren et, actuellement, le Parc de la Sauvagère. Cela implique un vrai travail de réhabilitation et d’histoire, en employant des techniques d’époque pour conserver l’authenticité des lieux. Veiller à la préservation du patrimoine ainsi qu’à celle de l’environnement est une magnifique chance et un engagement que nous tenons à poursuivre.

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