Aux racines de Destroyers/Builders, il y a ce désir de se défaire des normes du design pour le reconstruire selon votre vision. Où puise-t-il sa raison d’être ? C’est un processus qui s’est imposé naturellement, comme une évidence. Le principe même de design est lié pour moi à une approche expérimentale. Rien n’y est figé et j’aime parcourir ce champ des possibles, qu’il s’agisse de fonction, de dimension ou d’échelle. Et y voir coexister les idées et les références architecturales, à la fois anciennes, intemporelles et contemporaines. 

Vous affirmez également zoomer sur les éléments que les architectes tentent généralement de garder hors de vue. Est-ce par leur biais que vous avez découvert et nourri votre créativité ? Oui, ma passion me vient en effet de cette idée d’une traduction intime de l’architecture, à ma propre échelle. De ce souhait de remodeler les structures afin de proposer de nouvelles solutions visant à atteindre l’équilibre et l’essence d’une pièce. J’ai toujours créé et, plus encore ressenti la liberté de le faire hors format, notamment par l’influence de mes grands-parents collectionneurs, qui mêlaient des pièces de design scandinave, brésilien, européen, en un ensemble multiforme, nourri par les contrastes. Une vision qui m’inspire encore énormément aujourd’hui, notamment en ce qui concerne les matériaux. 

Vous travaillez ceux-ci dans toute leur authenticité, avec leur relief et leurs aspérités. S’agit-il de les respecter, sans chercher à les maîtriser ? Exactement. Je considère que les imperfections apportent une beauté unique aux objets. Mon approche est profondément manuelle. Je suis fascinée par les petites irrégularités et la façon dont les doigts peuvent modeler la matière. C’est notamment le cas pour des modèles en cire, ensuite coulés sous forme de métal, ou le passage du liquide au solide par l’utilisation du verre. C’est ce travail artisanal qui pour moi rend une création sculpturale, tout comme le fait de ne pas la façonner à l’extrême ni chercher à atteindre un aspect parfaitement lisse et fini. Cet équilibre entre espace et expérience, ouvrage et nature profonde, joue un rôle central au sein de mon studio, depuis son lancement en 2014. 

Il y a d’une part les objets que vous créez, sièges, lampes, tables, fonctionnels et artistiques à la fois, de l’autre les lieux que vous aménagez. Deux domaines dissociables ou profondément connectés ? Concevoir des pièces de mes mains, en édition très limitée, est le noyau de mon approche. Là où s’impose son empreinte la plus expérimentale et artistique. Sans ces collections, ma démarche me semblerait creuse et vaine. Ce qui n’empêche pas les projets de conception intérieure de me passionner et me faire grandir. Pouvoir inscrire un objet au sein d’un environnement spatial est fascinant. 

Vous êtes originaire des Pays-Bas mais avez choisi de créer et développer pleinement votre activité artistique en Belgique. En quoi reflète-t-elle votre univers ? Le design néerlandais a un caractère très spécifique, qui, à l’époque où j’ai entamé mon parcours, me semblait trop déterminé et face auquel je me sentais à l’étroit. J’ai également toujours été inspirée par l’art et l’architecture belges, la personnalité singulière du pays. Avoir mis en distance mes origines m’a aussi permis de vivre pleinement ce processus de destruction-reconstruction. Je ne regrette absolument pas mon choix. 

Dans ce travail de redéfinition permanente, quelle est la place de l’humain ? Omniprésente. À commencer par le principe même d’objet et l’émotion qu’il suscite, son lien à la mémoire et au vécu de chacun, qui crée une connexion immédiate. Et puis, autant j’aime travailler seule, autant j’apprécie le dialogue artistique. C’est ce qui m’a amenée à co-fonder le collectif de designers belges BRUT et à développer des collaborations, notamment avec l’entreprise italienne d’ameublement Cassina, autour de structures en pierres ou avec AEQUO, une galerie de Mumbai, pour laquelle j’ai conçu des pièces inédites. 

Au-delà du design et de la création, Destroyers/Builders, est-il finalement une façon de (re)penser le monde ?  C’est une philosophie, un mode de vie. Il n’y a pas de véritable frontière entre mon studio et la personne que je suis. L’un découle de l’autre. Notre monde est empli de destructeurs et de créateurs, nous ne nous arrêtons jamais de rebâtir, de fabriquer, et le questionnement que cela implique m’amène à mêler intimement les notions de contemplation et de fonction. Il me pousse aussi aujourd’hui à me diriger vers des projets à plus grande échelle, qui seront des territoires toujours plus vastes d’expérience et de reconstruction.

D’où vous vient ce rapport au design ? J’ai étudié l’architecture et à la fin de mes études, j’ai lancé KØGE Design. Durant mon cursus, avec mes professeurs, on s’est rendu compte que je détaillais fortement mes maquettes, que j’appréciais les détails, les objets… Lors de ma formation, on m’a d’ailleurs reproché l’aspect trop détaillé au détriment du côté social. 

Comment est né KØGE Design ? J’ai commencé par fabriquer une première table dans le salon de ma mère ! Elle s’est vendue en 48 heures. Avec le bénéfice, j’en ai créé une seconde, puis les commandes ont suivi. Petit à petit, grâce au bouche-à-oreille, la marque a trouvé son public. Après six mois, la production ne se faisait plus chez ma mère, j’avais trouvé un atelier à Bruxelles. Nous avons débuté avec des tables en Mortex mais devenues rapidement trop tendance, j’ai souhaité évoluer avec d’autres matériaux. En parallèle, on en a aussi profité pour refaire l’identité de la marque. On est reparti de zéro et trois produits ont vu le jour : une table basse en chêne massif ainsi qu’une table et une lampe en acier inoxydable. Aujourd’hui, plusieurs usines produisent nos produits. Elles se situent toutes en Europe (Belgique, Portugal, Lettonie…), c’est très important pour nous.  

Justement, sur votre site web, en grand, on peut lire : « mobilier de collection haut de gamme à impact durable ». Qu’entendre par cela ? Quelles sont les valeurs et l’identité de la marque ? C’est essentiel pour nous de travailler avec des matériaux nobles, d’apprécier une matière avec sa réelle épaisseur comme le chêne massif ou encore l’acier massif. L’acier inoxydable est le métal qui se recycle presque à l’infini, sans se détériorer. L’idée est vraiment que la matière prime. Nous ne souhaitons pas la transformer mais la travailler avec respect. Aussi, nos réalisations portent indéniablement une signature architecturale : nous aimons la simplicité, et chaque détail, lorsqu’il existe, a une raison d’être.

Quel genre de mobilier proposez-vous ? KØGE Design propose deux grandes collections, l’une est en chêne massif et se nomme W, l’autre est en acier inoxydable et s’intitule X. Dans la collection W, nous avons un duo de tables basses décliné en trois couleurs (espresso, honey et naturel) ainsi qu’une chaise, une de nos dernières nouveautés. Dans la collection X, nous avons aussi les tables basses, une side table, un porte-livre ainsi qu’une applique murale. Tout, sauf la chaise, est en mode « flat packing », c’est-à-dire que les pièces sont emballées à plat, ce qui réduit le volume, facilite le transport et diminue les coûts. Et enfin, une belle collaboration en inox avec le chef Paul Delrez fait également partie de nos réalisations.

Comment se déroule la conception et la fabrication de vos pièces ? Tout est dessiné par moi-même. Je réalise d’abord quelques croquis, puis je les laisse reposer. J’y reviens plus tard pour affiner l’idée jusqu’à ce qu’elle me convienne pleinement. Ensuite, nous passons à la modélisation en 3D. On s’assure que tout fonctionne bien, que tout est réaliste et réalisable. Vient enfin l’heure des prototypes qui peuvent se multiplier pour enfin arriver à un produit fini, prêt à être commercialisé. La commercialisation se fait en avant-première sur notre e-shop avec une offre de lancement. Enfin, on retrouve ensuite nos réalisations à prix fixe sur notre site mais aussi sur d’autres plateformes de design.

Des nouveautés à venir ? Comment imaginez-vous l’évolution de la marque ? Actuellement, nous travaillons avec Matthieu Doucet, un des fondateurs du cabinet Bim Bam Boom. Parallèlement à son métier d’architecte, il dessine du mobilier. J’avoue adorer son travail. Je l’ai approché pour voir s’il était possible de travailler ensemble. Sans tarder, nous avons imaginé une lampe de table en acier inoxydable, coiffée d’un abat-jour d’inspiration japonaise. Matthieu en a signé le design, et KØGE Design se chargera de l’éditer. Lancement, le 20 décembre ! On est également en train de travailler avec une designeuse portugaise sur des bougeoirs combinant nos deux matières de prédilection… Affaire à suivre car nous cherchons la bonne usine pour les produire. KØGE Design est en train d’explorer une nouvelle façon de développer et de produire des objets. Nous souhaitons proposer peu à peu davantage d’édition de mobilier. C’est très enrichissant car nous sommes ainsi plusieurs esprits à réfléchir sur un projet. 

En quelques mots Cubex c’est… Xavier De Breucker : C’est une marque iconique belge imaginée dans les années 30 par l’architecte visionnaire Louis Herman De Koninck qui a littéralement révolutionné l’histoire de la cuisine. Il en fait la première cuisine modulaire, fonctionnelle, équipée et résolument intemporelle : un concept en avance de plusieurs décennies. Elle rencontrera un immense succès de 1930 à 1965. Aujourd’hui, Cubex perpétue cet héritage moderniste en proposant des cuisines haut de gamme, entièrement personnalisables. Un classique du modernisme réinterprété pour les intérieurs et les modes de vie d’aujourd’hui.

Qu’est-ce qui vous a poussé, vous et Nicolas Swinnen, à relancer Cubex en 2015 ? L’idée de relancer Cubex est née d’un double constat et d’un hasard presque architectural. De mon côté, j’habite une maison conçue par Louis Herman De Koninck lui-même. Lors de sa restauration, j’ai commis ce que je considère aujourd’hui comme une véritable erreur : ne pas y installer une cuisine Cubex. C’est en vivant dans cette maison, en observant la cohérence entre l’architecture et l’aménagement, que j’ai compris l’importance et la pertinence visionnaire du système Cubex. Au même moment, et sans que nous nous connaissions encore, Nicolas Swinnen ressentait la même fascination. En rencontrant Monique De Koninck, la fille et ancienne collaboratrice de l’architecte, il découvre l’ampleur de l’héritage Cubex et réalise que cette invention moderniste méritait d’être remise au monde. Nos deux trajectoires se sont croisées autour d’une évidence : Cubex n’était pas seulement un morceau d’histoire du design belge, c’était une idée brillante, en avance sur son temps, qui méritait une seconde vie.

Quels sont les fondamentaux du style Cubex ? Le style Cubex repose sur une combinaison unique de rigueur moderniste, de fonctionnalité absolue et d’une esthétique intemporelle héritée de Louis-Herman De Koninck. Et ce qui frappe, c’est à quel point ces fondamentaux restent incroyablement actuels. Un design rationnel et épuré : tout est pensé au millimètre. Les lignes sont sobres, droites, sans aucun effet gratuit : une simplicité presque architecturale qui confère à nos cuisines une élégance naturelle, capable de traverser les décennies sans perdre de leur force. Il y a bien sûr aussi le module cube de 60 cm : un principe fondateur devenu norme mondiale. Le style Cubex s’exprime également à travers des matières choisies pour leur durabilité et leur vérité. Cette robustesse se ressent dans la masse des portes, dans leur tenue, et jusque dans le son caractéristique de leur ouverture et fermeture. La poignée iconique fait aussi partie de l’histoire de la maison. Chaque porte et tiroir est équipé d’une poignée en laiton chromé, une vraie signature ergonomique et moderniste. Et aujourd’hui, Cubex préserve l’esprit vintage et patrimonial des modèles originaux tout en intégrant les exigences actuelles : électroménagers intégrés, solutions de tri, éclairage LED, finitions techniques ou minérales…

Comment concilier tradition et innovation dans vos projets ? Pour nous, tradition et innovation ne s’opposent pas : elles dialoguent. Cubex n’est pas une marque nostalgique, mais une marque patrimoniale qui se réinvente en respectant le génie de son système originel. D’un côté, nous restons absolument fidèles aux fondamentaux et de l’autre, nous intégrons des innovations techniques et fonctionnelles contemporaines.

Comment décririez-vous la cuisine actuelle ? Après deux décennies dominées par des cuisines ultra-minimalistes : façades lisses, appareils dissimulés, lignes presque « laboratoire », le haut de gamme ne se définit plus par l’effacement. Le minimalisme extrême s’est banalisé. Aujourd’hui, on recherche des cuisines avec du caractère, où la matière, l’histoire et les objets racontent quelque chose. On mélange le neuf et le vintage, on réintroduit des poignées, des textures, des éléments patinés ou réédités. On assume la singularité et l’authenticité plutôt que la neutralité absolue.

Vous venez de dévoiler votre nouveauté : une cave à vin. Pouvez-vous nous parler de ce projet ? La cave suit la même logique que nos cuisines : un système modulaire capable de s’adapter à n’importe quel espace. Le projet présenté accueille plus de 4 000 bouteilles, mais chaque composition des plus grandes aux plus réduites pourrait être entièrement personnalisable et scénographiée avec la même exigence. Afzelia massif, laques profondes, courbes sculptées, poignées iconiques sont réinterprétés dans un univers où ils deviennent le cadre d’une collection vivante. Plateaux coulissants pour caisses, présentoirs rétroéclairés, rangements grands formats, îlot de dégustation : chaque élément est pensé pour offrir un véritable rituel autour des précieux flacons. 

Est-ce le début d’une extension vers d’autres espaces de vie ? Oui, clairement. Le Cubex wine cellar marque le début d’un mouvement : celui d’un Cubex qui investit d’autres univers que la cuisine, toujours avec la même exigence, la même fidélité au modernisme et la même obsession du détail.

Vous présentez Prado comme une technologie domestique imperceptible, se faisant oublier pour créer un sentiment de sérénité. Quels sont les clés de cet équilibre entre fonctionnalité pointue et approche harmonieuse ? L’essence de Prado est de permettre une forme de retour à une paix intérieure au sein des espaces. Qu’il s’agisse d’habitations, de boutiques, de restaurants, lorsqu’on habille un lieu avec une magnifique table ou une œuvre d’art, ce n’est qu’en enlevant les éléments superflus qui l’entourent qu’on lui permet de briller pleinement. Nos créations sont belles, mais notre objectif n’est pas d’attirer le regard. C’est la lumière qui compte, pas le mécanisme qu’elle cache, tout comme l’air frais est primordial sans besoin de voir le système qui le diffuse. Nous cherchons les solutions optimales pour effacer les interférences et sublimer l’œuvre des architectes. Permettant ainsi aux dispositifs qu’ils souhaitent ajouter, de s’intégrer sous une forme sobre et minimaliste. 

Comment votre parcours vous a-t-il conduit à imaginer le concept de Prado ? Le déclic s’est produit, il y a sept ans, alors que je visitais un Apple Store aux USA. J’avais toujours été passionné par le design et l’architecture, tout comme par la technologie et en pénétrant dans cette boutique, j’ai remarqué qu’elle possédait une aération via ses lampes sans qu’aucun système ne soit visible au plafond. Intrigué, j’ai contacté la marque, qui m’a dit avoir développée elle-même ce principe car il n’existait alors aucune solution. À l’époque, je ne possédais aucune connaissance technique dans ces domaines, mais j’y ai perçu une opportunité. J’ai donc rejoint, en tant que brand manager, la société de ventilation détenue par mon père, en parallèle au développement de Prado. J’étais poussé par la certitude de vouloir développer un produit novateur, tant par son aspect visuel que par sa technicité. 

Prado mêle en effet esthétique et innovation et s’entoure de concepteurs hautement qualifiés. Cette dimension technologique demeure-t-elle indissociable d’une forme d’artisanat ? J’en suis convaincu. Pour obtenir des solutions exceptionnelles, il faut accorder une exigence toute particulière aux plus infimes détails. Le point primordial n’est pas le volume que nous arrivons à produire mais le résultat et si nous voulons atteindre une qualité à la mesure de nos aspirations, l’artisanat ne peut être abandonné au profit d’un processus robotisé ou d’une industrialisation massive. 

Vos éclairages sont aujourd’hui adoptés par des architectes de renom tels que Vincent Van Duysen, Nicolas Schuybroek, ou encore Bjarke Ingels, ainsi que par des marques prestigieuses comme Saint Laurent, Chanel et Jacquemus, a quel élément en particulier doivent-ils selon vous leur succès ? A cette motivation, cet enthousiasme et ce perfectionnisme qui nous animent. Pouvoir collaborer avec les grands noms de l’architecture de notre pays, mais aussi à l’international, est pour moi une énorme fierté. J’ai imaginé Prado alors que je suivais depuis longtemps leur travail. C’est aussi, je pense, une question de vision. Notre but n’a jamais été de créer un immense catalogue de produits, mais d’amener chacun de nos modèles à se suffire à lui-même. Nous préférons continuer d’améliorer sans cesse nos créations pour les rendre toujours plus performantes que d’en inventer d’autres. Toujours avec cette dynamique de simplicité et d’harmonie. 

Créé en 2020, Prado a été rejoint 2 ans plus tard par ROND. Puis en 2025 par Vervloet et Atelier Luxus. Quelle vision commune a animé ce rapprochement ? Le souhait d’associer nos compétences et nos forces plutôt que de les superposer. Nous voulions casser cette séparation entre les domaines de l’éclairage, de la ferronnerie et des interrupteurs, pour pouvoir œuvrer ensemble. Nous avons le même souci du détail et des finitions, la même volonté d’excellence. Je suis profondément admiratif de leur design et de leur héritage. Il ne sera pas question de fusionner nos identités, mais de nous unir pour amener l’artisanat belge toujours plus haut et plus loin.

Quelles sont d’ailleurs vos ambitions pour le futur de Prado ? Nous sommes en plein développement aux Etats-Unis, notamment à Los Angeles, New York et Miami. C’est un premier pas fantastique, dont nous sommes ravis. Mais nous demeurons tout aussi heureux de nos projets belges, qu’il s’agisse de résidences, de cocktail bars comme Okën à Bruxelles ou de restaurants tels que The Jane à Anvers, tout récemment inauguré. Plus qu’un projet en particulier continuer d’innover reste le véritable objectif. L’ADN de Prado.

De couple et parents, vous êtes devenus en parallèle un tandem professionnel, avec la création de Maison Osaïn. Quelles sont les raisons qui vous ont poussé à entreprendre en duo ? Ann : C’était il y a cinq ans et je travaillais alors depuis une quinzaine d’années dans les domaines de la presse, du marketing et de l’approvisionnement pour des labels de mode haut de gamme. Thomas, lui, possédait son propre bureau d’architecture, majoritairement résidentiel. La pandémie a tout bouleversé, d’autant qu’elle a coïncidé pour moi avec de graves problèmes de santé. Cette confrontation à la maladie a marqué un véritable tournant dans nos existences, nous poussant à nous recentrer sur notre bien-être et nos valeurs. Sans cela, nous n’aurions sans doute jamais repensé nos vies. 

Thomas Maria : Créer ensemble est alors devenu une évidence. Nous avons énormément lu, appris, et développé une nouvelle vision, qui s’accompagnait aussi d’un besoin de quitter l’effervescence de la ville. Nous avons donc mis en vente notre maison de l’époque, dont nous avions conçu l’architecture et la décoration intérieure et nombreux étaient les acheteurs qui nous demandaient s’ils pouvaient l’acquérir « telle quelle », avec ses rideaux, ses objets, son mobilier. De là est né le concept de Maison Osaïn.

Ann : C’est une belle synergie entre nos domaines. Thomas s’occupe de la conception architecturale, des structures et finitions techniques, tandis que je sélectionne les artistes avec lesquels nous collaborons et les éléments de design et je me charge de la création de nos fragrances, linges de maison et art de la table. 

Concevoir des lieux de vie avec la personne qui partage la nôtre rend-il chaque projet d’autant plus personnel ? Ann : Notre approche est profondément intime et chaque maison est pensée comme si c’était la nôtre. C’est essentiel tant nous cherchons à créer des espaces porteurs de liens. C’est aussi un concept inédit. Il existait beaucoup de projets immobiliers, mais pas d’habitations conçues comme des écosystèmes vivants, des univers à part entière. Chaque projet est le cadre de collaborations avec des galeries et des créateurs, mais aussi avec des artisans et des entrepreneurs, qui partagent notre philosophie, mêlant humain et durabilité. 

Vous décrivez en effet le « sincere living » comme le manifeste de Maison Osaïn. Qu’implique ce concept ? Thomas Maria : D’employer exclusivement des matériaux naturels, dans leur usage le plus pur et minimaliste, leur beauté se suffisant à elle-même. Nous refusons ainsi le faux marbre, et les imitations bois ou céramique, afin de permettre à l’authenticité et l’intemporalité de primer sur les tendances. C’est aussi ce qui nous pousse à rénover plutôt qu’à partir d’une page blanche. Notre travail incarne le respect du patrimoine et la volonté d’offrir un renouveau à des lieux porteurs d’une âme. Chaque étape témoigne de cette notion de sens qui nous habite. 

Comment, après de multiples réalisations en Belgique, s’est présenté le projet House Montagna, ce sublime chalet de Courmayeur, situé au pied du Mont Blanc ? Thomas Maria : Le propriétaire, que nous connaissions, nous a confié ce chantier et c’était un défi à tout point de vue tant le bâtiment était en ruine. Étant uniquement accessible par une remontée mécanique, il a aussi fallu transporter la plupart des matériaux par hélicoptère. Un magnifique challenge. 

Ann : House Montagna représente pleinement notre ADN, celui d’un foyer où se recentrer sur soi-même tout en se connectant à la nature. L’extérieur est partie intégrante de la maison. Le paysage est magique et nous souhaitions le magnifier sans ornement superflu, grâce à du bois issu de la région, venant compléter la structure en béton et des teintes naturelles, qui feraient rayonner le décor de montagnes s’étendant à perte de vue. 

House Montagna sera-t-elle le point de départ de plus de projets internationaux ?  Ann : Définitivement ! Nous nous sommes donné pour mission de réitérer cette expérience à l’étranger une fois par an, pourquoi pas en Toscane, à Paris ou encore aux USA, mais tout cela demeure à l’étude. Nous avons actuellement une dizaine de projets en cours en Belgique et nous entamons une colla-
boration avec de nouveaux artistes, tels que Maison Rhizomes, Galerie Suzan à Paris et Leonet et Hoang. Maison Osaïn ne cesse de se réinventer. 

Quelle est d’ailleurs l’histoire qui se cache derrière ce nom étonnant ? Thomas Maria : Il s’inspire d’Osaïn, une divinité de la religion yoruba, originaire d’Afrique de l’Ouest, incarnant la nature et la sagesse des plantes. Un guérisseur qui protège l’équilibre du monde. Nous n’aurions pu trouver plus beau symbole pour notre philosophie de renouveau et d’authenticité. 

Les lieux que vous concevez sont multiples, hétéroclites, aussi bien par leur emplacement que par leur caractère et leur taille. Qu’est-ce qui motive le choix d’un projet ? Il s’agit d’une dimension très intuitive, mais aussi d’une profonde recherche de diversification. Il est essentiel pour moi de ne pas être labellisé, assimilé à une catégorie de bâtiment ou de client, mais au contraire d’œuvrer à de nombreuses échelles et typologies. Qu’il s’agisse de la boutique Aesop de Londres, du restaurant The Jane à Anvers, de la galerie d’art Carpenters, des constructions résidentielles ou des rénovations d’appartements à Paris et Amsterdam, les récentes réalisations de notre bureau racontent toutes cette volonté. 

Chacune est-elle dès lors pour vous l’occasion d’une réinvention ? Qu’il s’agisse de technique ou de vision ? Je pense que c’est totalement nécessaire. Sans cela, on tombe dans un côté linéaire et dogmatique, en perdant une part fondamentale de créativité. Lorsque j’entame un projet, je m’interroge sur la manière de repenser les éléments, la structure ou le dessin et ainsi faire pleinement sens par rapport au lieu et aux besoins qui l’accompagnent. C’est en même temps paradoxal, car en tant qu’architecte on souhaite aussi la reconnaissance d’une certaine forme de signature. Cela demande d’atteindre l’équilibre entre renouveau et identité. 

Votre empreinte est chaleureuse et pourtant profondément épurée. À la fois vivante et caractérisée par une puissante sobriété. Comment ces éléments se rencontrent-ils ? C’est un processus en constante évolution. En 2021, je publiais Selected Works. Volume 1, une monographie des réalisations de la décennie écoulée. Une démarche d’archivage et de mise en perspective qui m’a permis d’en reparcourir le fil et de réaliser leur transformation progressive. Mon approche reste contextuelle et globale, celle de lignes justes, d’un travail de lumière, de proportion, de symétrie. La métamorphose vient des éléments qui se greffent sur ce socle, notamment au niveau de la palette de matériaux, plus chaude, texturée, profonde, mais aussi de l’esthétique. J’ai toujours ressenti une grande admiration pour l’architecture romane du 10e et 11e siècle, mais s’y est aussi ajouté un langage plus contemporain et vernaculaire, inspiré par les créations de Luis Barragan ou de Studio Mumbai, avec la volonté de rendre un cadre très minimaliste, et géométrisé, plus humain, afin qu’il s’en dégage une pleine émotion. 

Vous liez aussi votre vision à une forme de révérence, presque mystique. Elle est nourrie par un cadre de références, dont un certain nombre de structures religieuses, mais aussi par la musique et l’art plastique. C’est avant tout une question de cadence, de rythme, de plein et de vide, comme de silence, qui permet de créer une architecture qui fasse sens. C’est une notion très mystérieuse, portée par la certitude d’avoir trouvé le bon axe, le bon vecteur. Celui qui conférera un calme intérieur à l’endroit, le sentiment d’une communion avec celui-ci. C’était notamment le cas pour The Jane, où un changement s’opère chez ceux qui y pénètrent, comme emportés vers un ailleurs. 

Vous venez en effet de signer le nouveau cadre de ce restaurant emblématique. Quelles en étaient les notes d’intention ?  C’est un projet comprenant énormément de concepts, qu’il s’agisse d’expérience, de philosophie, ou de proportions, nourri par une palette de matières chaleureuses et très brutes à la fois. Nous avons poussé très loin son histoire, en faisant appel à des artisans en provenance de la région d’Anvers et des Pays-Bas qui ont dessiné des meubles, spécialement pour faire corps avec l’endroit, participer à ce narratif. Le lieu s’apparente à un temple, une notion qui m’est chère, celle d’un espace où l’on perd toute notion de temporalité et de géographie, de dimension extérieure. L’humain a toujours construit à travers les siècles pour s’abriter, se soigner, se mettre en lien, se protéger. Et aujourd’hui cette bulle, cette mise à distance du monde est devenue une notion primordiale.  

Après ces 14 ans d’activité au sein de votre propre studio, reste-t-il des concepts inexplorés, des projets qui demeurent à l’état d’ambition ? J’aimerais créer pour des sphères plus publiques, très architecturées et de plus grande ampleur, autour d’un vignoble ou encore d’un musée. L’art et la culture jouent un rôle essentiel pour moi et ont toujours fait partie de mon cheminement personnel. Un second livre est également en réflexion. J’espère pouvoir le publier en 2026, afin qu’il marque une période de cinq ans. L’occasion d’un nouveau jalon créatif et de continuer cette exploration qui me porte toujours plus loin. 

C’est la vie qui s’impose au cœur de la vision de Peter Ivens. Celle, expressive et vibrante, qui nourrit une architecture intérieure à l’élégance chaleureuse et au minimalisme habité. Une empreinte d’authenticité et d’exception, qu’il cultive seul, comme en duo, avec la décoratrice Bea Mombaers.

Vous l’affirmez, chaque lieu possède sa propre histoire personnelle. Quels sont ceux qui vous ont menés sur le chemin de l’architecture ? Étonnamment il s’agissait de boutiques de mode. Je viens d’une famille de maîtres tailleurs depuis cinq générations. Mes parents possédaient donc des magasins, et, espérant que je leur succède un jour, ils m’ont chargé d’en retravailler l’intérieur. Découvrant cette rénovation, certains de nos clients m’ont à leur tour sollicité pour des projets architecturaux, notamment résidentiels. Cela m’a passionné et j’ai décidé d’en faire mon métier. C’était finalement presque un hasard, gouverné par les rencontres. Et cela n’a pas changé. Tout demeure question de personnes et d’interaction. J’ai besoin de sentir une véritable connexion avec ceux pour qui j’imagine des lieux.

Hôtels, maisons de maître et même granges, vos réalisations sont aussi éclectiques que votre style est élégant et intemporel. Comment le perpétuez-vous au fil de projets si multiples ? Peu importe qu’il s’agisse d’un penthouse à la mer ou d’une maison en béton, le fil rouge reste une forme de poésie, qui passe par l’artisanat, le fait-main et le soin des détails. Et un lien intense avec la nature qui me pousse à travailler uniquement des matériaux organiques et chargés d’histoire comme des pierres douces, du bois et du métal patinés. J’aime aussi créer à partir d’obstacles et de contraintes. Je les trouve plus intéressants qu’une page blanche. On a trop tendance à rechercher la perfection. De mon côté, j’apprécie ce qui a du caractère, même si ce n’est pas lisse. Les fissures sur les murs, les matériaux qui évoluent. C’est de la vie que naît le charme, l’âme et la personnalité unique d’un endroit.

Après près de trente ans de création, 2024 a vu la publication de « Houses », votre première rétrospective. Qu’avez-vous souhaité que l’ouvrage raconte ? Le livre présente dix projets de maisons issus des cinq dernières années. Dix architectures d’intérieur variées, autant par leur style que leur conception. Mon but était de montrer différentes facettes de mon univers, tout en conservant une forme d’unité. C’est la signature photographique qui accomplit ce lien. Les clichés ont été réalisés en analogique, pour avoir un grain, une couleur, une lumière, qui reflètent tout ce que je désire transmettre, notamment cet équilibre entre sophistication et simplicité et cette harmonie issue d’une forme d’authenticité, à laquelle je suis très sensible. C’est une fenêtre sur mon travail, mais aussi de celui de Bea Mombaers qui a signé l’aménagement d’une majorité des lieux.

Bea Mombaers, votre complice de longue date. Qu’est- ce qui fait la force de votre tandem ? Entre Bea et moi, c’est un vrai coup de foudre amical, une histoire entamée il y a 25 ans, lorsque nous nous sommes rencontrés à la mer, en pratiquant la voile. Elle est comme une sœur pour moi. Nous voyageons même ensemble pour trouver des objets et des inspirations. Nous sommes complémentaires et possédons une passion commune pour le minimalisme chaleureux, le mélange d’influences et les lieux habités, éclectiques, vintage, mêlant mémoire et modernité. C’est ce qui nous permet de flouter les limites entre décoration et design pour atteindre une cohérence esthétique.

Vous acheviez d’ailleurs récemment ensemble la rénovation de l’hôtel Julien à Anvers. Quel était l’axe de cette transformation ? Nous connaissions bien les lieux, ayant réalisé une exposition sur place il y a onze ans. Les deux bâtiments datant du 18e siècle et devant être préservés en raison de leur richesse historique, il n’était pas question de toucher à la structure et à l’agencement intérieur, mais plutôt de travailler l’atmosphère, pour lui apporter de la chaleur, grâce aux matériaux, à la lumière et au mobilier. L’éclairage met l’accent sur les détails architecturaux, le bois massif et les lambris se marient aux moulures, les tons terracotta, écru et gris et les textures mélangées, créent une combinaison raffinée de luxe et de convivialité.

Quels sont vos projets en préparation, seul ou en duo ? Ils sont nombreux et nous les signerons presque tous à quatre mains. De petites maisons à Port Grimaud, sur le Golfe de Saint-Tropez, une résidence historique à Bruges, une immense finca du côté de Marbella, des rénovations ainsi que des espaces à construire. Petits ou grands chantiers, finalement à mes yeux cela importe peu. Ce qui me rend fier est de revenir des années plus tard sur les lieux que j’ai conçus pour découvrir que ceux qui les habitent continuent de faire vivre et évoluer l’âme que j’ai voulue y insuffler.

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