Pour vos dix ans de carrière en solo, vous nous offrez une ode à l’amour et à la vulnérabilité. Atteindre la barre des dix ans a été comme un retour à la raison même pour laquelle je fais de la musique : être radicalement émotionnelle et radicalement honnête. « The Writer » est dédié à l’amour de ma vie, et cette dédicace m’a ouverte d’une manière à laquelle je ne m’attendais pas. La vulnérabilité n’est pas un thème de l’album ; c’est sa méthode. J’ai donné de l’oxygène à mon amour, du feu, cela a rendu tout plus intense… C’était à la fois beau et difficile. Mais après une décennie, je voulais honorer cette vérité : ma musique est le seul endroit où je suis toujours complètement honnête, même lorsque je ne peux pas l’être avec des mots.

Vous étiez moins honnête auparavant ? Par le passé, j’étais plutôt quelqu’un qui cherchait à plaire. J’avais tendance à dire ce que les gens voulaient entendre, par peur de blesser, au point de devenir quelqu’un que je ne reconnaissais plus. Je pouvais être plus honnête dans ma musique mais pas forcément lorsque j’étais interviewée. Avec « The Writer », j’ai laissé le surréa-lisme devenir une manière de révéler plutôt que de dissimuler. Cet album est plus radical parce qu’il est encore plus sincère et vulnérable. Je l’ai écrit comme un rituel médiéval plein de références espiègles, une manière de documenter l’absurdité et la beauté de ce que je vivais. Mes influences, Jodorowsky, Lynch ou encore Carrington, m’ont appris que le symbolisme peut montrer ce que les mots ne parviennent parfois pas à dire, et je me suis laissée porter par cela. Il n’y a aucun compromis sur l’album. Les chansons d’amour, la colère, le désespoir, la nostalgie… Tout est pur et non retouché. C’est nouveau pour moi.

Vous êtes connue pour mélanger les genres. Ici encore, vous faites cohabiter la musique électronique, des influences néoclassiques et une pop avant-gardiste. L’expérimentation est-elle la partie qui vous fascine le plus dans votre travail ? L’expérimentation a toujours été l’endroit où je me sens la plus vivante. Je viens du violon classique mais j’ai grandi obsédée par les textures électroniques sombres. Et ces deux mondes se rencontrent naturellement dans ma musique. Pour « The Writer », cette collision est allée encore plus loin car j’ai commencé à travailler avec de l’an-
cienne polyphonie que mon frère a retrouvée dans de vieilles archives italiennes. Prendre ces voix chorales masculines oubliées du XVI^e siècle et les façonner en chansons d’amour modernes donnait l’impression que le temps se repliait sur lui-même. J’adore quand la musique s’étend à travers les siècles, quand elle devient à la fois familière et étrangère. L’expérimentation n’est pas pour moi un concept, c’est un instinct. C’est ainsi que je trouve la vérité à l’intérieur d’un son. Je crois que c’est Aphex Twin qui a dit qu’à chaque fois que tu entends quelque chose que tu n’as jamais entendu auparavant, ton cerveau change pour toujours.

Dans des titres comme « I Wanna Love You » et « Fanatical/Radical », il y a même une aura mystique. Si vous êtes plus terre à terre, il y a quand même encore un côté vertigineux dans votre musique. Une grande partie de l’atmosphère mystique provient des anciennes voix que j’ai utilisées, mais aussi de l’état émotionnel dans lequel je me trouvais. J’étais submergée par l’amour, par la nostalgie, par la peur de perdre ce que j’aimais. Ce genre d’intensité peut sembler mythologique, presque religieuse. Ces voix polyphoniques ressemblent à des fantômes venus d’un autre monde, guidant ou hantant les chansons. Et les surréalistes qui m’ins-pirent m’ont appris que les symboles peuvent porter plus de poids émotionnel que la réalité brute. Alors j’ai laissé cette énergie prendre le dessus.

Votre univers artistique inclut aussi le cinéma, la danse et la mode. Retrouve-t-on tout cela dans vos concerts ? Oui, complètement. Mes concerts sont l’endroit où tous mes mondes se rencontrent. Je pense la mise en scène comme un cinéaste pense le cadrage, avec du mouvement, des ombres et du symbo-lisme. Le cinéma est l’un de mes médiums préférés, et en tant que compositrice pour films, je trouve la connexion entre l’image et le son indispensable. La mode représente aussi une partie du récit. J’adore rencontrer les créateurs, rêver avec eux, passer du temps dans leurs ateliers, écouter leurs histoires et je les emmène sur scène. Par contre, je ne vais pas danser. Je laisse cela aux danseurs qui utilisent ma musique pour danser sur internet. Mais s’il y a des gens qui veulent me rejoindre sur scène pendant la tournée, c’est très ouvert : voyons cela comme un concert de jazz improvisé.

Pour l’année de vos trente ans, et surtout vos dix ans de carrière, vous vous livrez sur vos fragilités comme jamais mais aussi sur vos forces. Finalement, c’est un peu l’histoire d’un conte de fées avec ses moments de douceur et de douleur.  À quel chapitre êtes-vous pour l’instant ? Quand on grandit, on apprend à se connaître. J’ai une relation un peu conflictuelle avec moi-même depuis que je suis très jeune. J’ai toujours eu un trou dans l’ego mais, même si ça me paniquait au départ, j’ai adoré le passage à la trentaine. J’apprends finalement à accepter les imperfections qui font qui je suis. Les pensées parasites font partie de mon quotidien mais j’ai l’envie de ne pas tricher. J’ai envie d’être la plus proche de ce que je suis dans la vraie vie en chanson et sur scène.

Vous évoquez des thématiques fortes dans votre album comme vos troubles alimentaires ou l’autosabotage avec une grande sincérité. Malgré les épreuves, vous semblez avoir gardé une grande part d’insouciance. Comment l’expliquez-vous ? Le fait d’être Belge, ça implique déjà un petit peu ça. On ne s’en rend même pas compte parfois. C’est quand on est confronté à d’autres peuples que l’on se rend compte que chez nous on peut rire de tout tout le temps. C’est quand même une force que l’on a. Dans ma famille, on est un peu comme ça. Parfois quand il faut se prendre au sérieux, c’est même problématique (rires). J’ai besoin de rêver tout le temps aussi. La musique me le permet. J’espère ne jamais être grave. On peut être adulte sans être sérieux.

Vous passez des épreuves de l’amour à l’importance de l’amitié dans cet opus. Comment vos rencontres ont façonné qui vous êtes aujourd’hui ? Nous sommes la somme des cinq personnes que l’on côtoie le plus dans sa vie. Autant essayer de faire un choix opportun (rires). Une de mes activités préférées, c’est de rencontrer de nouvelles personnes. Le problème, c’est que je n’arrive pas à donner autant de temps que je voudrais aux personnes que je rencontre. Mais j’adore me glisser dans l’univers de quelqu’un. J’adorerais que l’on organise une journée par an où tu passes une journée au travail de ton ami pour comprendre son quotidien. Sur l’album, sur les dernières notes, on entend d’ailleurs mes vrais amis chanter.

Vous vous êtes d’ailleurs entourée de nombreuses personnes pour composer cet album. Il y avait déjà un besoin technique très simple: j’avais envie de chanter en français. J’apprends encore en le faisant. L’album aurait pu sortir un peu plus tôt mais il n’aurait pas été marqué par ces rencontres. J’avais aussi envie qu’il y ait de l’originalité, parfois des prises de risque dans le choix des instruments. Par exemple, il a fallu créer un mariage entre Albin de la Simone, spécialisé dans les sons acoustiques, et Paco Del Rosso qui a collaboré avec Damso. Ils ont collaboré sur plein de chansons. C’était un pari mais ils ont tous les deux joué le jeu. Ça a donné une forme aux chansons définitives.

D’où vient cette peur de ne pas être trop conventionnelle ? La tournée que j’ai faite précédemment m’a beaucoup impactée car j’ai trouvé un truc qui me plaisait vraiment : être un peu nature peinture. J’ai accepté qu’il y avait des trucs bizarres parfois. J’avais envie qu’il y ait des trucs bizarres dans l’album. C’est pour ça que l’on retrouve des cuivres par exemple. J’avais envie de rêver grand.

Vous rendez également hommage à une certaine Emilie Dequenne sur cet album. Expliquez-nous. Son décès m’a beaucoup perturbée et m’a rendue très triste. J’y pense tous les jours. Ça a un peu changé ma façon d’envisager mes journées. Je l’admirais énormément. Sa famille vient du village à côté du mien dans la campagne montoise. J’ai suivi de près sa carrière, ses interviews quand elle était malade et je l’ai trouvée hyper courageuse. Elle avait un message qui m’a énormément remué dans lequel elle expliquait qu’elle a longtemps été dure avec elle-même. Je m’interdis désormais de penser comme ça car le fil de notre vie est plein de surprises et on ne sait jamais quand elle s’arrête.

Coach dans « The Voice Kids », bientôt au théâtre sous la houlette d’Alex Vizorek, actrice au cinéma et propriétaire d’un musée éphémère pour la sortie de votre album… Où est-ce que vous allez vous arrêter ? Quand j’ai une idée qui me fait frissonner de plaisir, j’essaye de tout faire pour la mettre en place. C’est une philosophie que j’ai apprise en faisant une année d’échange aux États-Unis quand j’ai fini ma rétho. Là-bas, on nous avait dit que pour réussir notre expérience il fallait dire oui à (presque) tout. Ma vie, ce n’est que sortir de ma zone de confort.

Sur ses toiles, le geste libère le chaos comme la poésie et les cicatrices deviennent renaissance. L’œuvre de Kevin Douillez vit, respire, ébranle et révèle plus que jamais sa sensibilité incandescente, avec la sortie d’un recueil entremêlant les réalisations et les mots. 

Cette fin d’année 2025 a marqué la publication de votre premier ouvrage. Une rétrospective que vous définissez comme une extension de votre œuvre picturale. Comment la complète-t-elle ? Je voulais marquer l’achèvement de ces cinq années. Représenter le passage de cette étape en expliquant une part de mon processus créatif, ainsi qu’en racontant les différentes périodes qui ont marqué mon travail depuis mes débuts. Cet ouvrage ne se limite pas à une évocation photographique, mais comprend aussi des textes et des extraits de journaux intimes. J’écris énormément. J’ajoute d’ailleurs fréquemment des pensées, des citations derrière mes tableaux. Plus qu’une continuité, il s’agissait de livrer ici une part de moi encore plus intime et d’aller toujours plus loin sur ce chemin d’expression intérieure. 

Vous êtes venu à l’art en autodidacte. Ressentiez-vous le besoin de développer un langage qui vous soit propre ? En effet, quoique les raisons aient évolué au fil du temps. Enfant, j’avais envie et besoin de fabriquer de mes mains et vers 10 ans j’ai commencé la céramique dans un club de dames retraitées, au sein de mon village. C’est l’une d’entre elles qui m’a amené, pour la première fois, à toucher à un pinceau et à peindre jusqu’à la fin de l’adolescence, qui a ensuite marqué une longue période d’arrêt. J’ai eu mille vies, devenant antiquaire, manager, reprenant l’école hôtelière, ouvrant mon propre restaurant. Et puis, vers 29 ans, j’ai traversé une période d’errance et de souffrance, bousculé dans mes certitudes par une rupture amoureuse et par la revente de mon établissement. Instinctivement, je suis revenu à la peinture, sans but précis. J’avais alors énormément de mal à mettre des mots sur le désespoir qui m’habitait et l’art était l’exutoire dont j’avais besoin pour me libérer de mes traumatismes. Par hasard, un ami m’a proposé dans la foulée d’intégrer son atelier. Quelques mois plus tard, en 2020, au moment de la crise sanitaire, tout a explosé, les ventes et les propositions se sont enchaînées, et je n’ai plus cessé de créer. 

Vous associez vos tableaux à une forme de tension, de douleur, qui, par la peinture devient un voyage méditatif. Est-elle une catharsis, un moyen aussi d’éloigner les fêlures ? L’émotion est la source de ma créativité. Je ne peux travailler sans ressentir. J’ai la conviction que nous avons tous une raison d’être. La mienne est de sublimer mes blessures et ce qui me hante. J’ai appris à aimer ma part d’ombre et cette dualité entre obscurité et lumière, même quand elle se révèle de façon extrême. Ma pratique se nourrit de ce contraste, entre des moments de douceur et d’autres où une force, une rage, s’exprime. 

Sur vos toiles, la matière est en effet projetée, lacérée, éclatée. La beauté naît-elle pour vous dans le combat ? Dans la lutte, dans le doute, dans une forme de chaos, mais aussi dans une ambivalence entre un besoin d’intensité et une recherche de paix. Les thèmes de mes œuvres sont directement liés à ces moments de lutte ou au contraire de calme intérieur. Ce n’est pas un chemin linéaire. Je ne peux pas tricher. Je vais parfois passer deux mois sans créer, bloqué par un syndrome de la page blanche. J’apprends petit à petit à accepter une certaine forme de lâcher prise.

Les raisons qui vous poussent aujourd’hui à peindre sont-elles les mêmes qu’il y a cinq ans ? Fondamentalement oui. Mes blessures sont et seront, je pense, toujours là. J’ai besoin d’une forme d’écorchure pour me lancer. Mais il y a eu du chemin aussi. Je suis plus apaisé. Mes premières toiles étaient ainsi dédiées à mes frères. Mon jumeau, tout comme celui que j’ai perdu avant la naissance, puisque nous aurions dû être des triplés. Cette blessure d’abandon ne me quittera pas, mais résonne désormais autrement. 

Quels sont les projets qui vous animent ? Le 25 janvier 2026 s’achèvera ma première exposition muséale, au sein du CAP (Musée des Beaux-Arts de Mons). Pour la suite, je suis actuellement en discussion avec mon agent, Nathan Wisniec Brachot, afin de préparer une prochaine exposition à Paris, courant 2026. Et puis il y a New York où je rêve de pouvoir également présenter mon travail. La publication du livre représente en tout cas un tournant : l’émergence de ma nouvelle ère artistique.

Vous disiez, par la création, chercher l’harmonie dans le désordre. L’avez-vous trouvée ? Certains jours. J’ai surtout compris qu’il faut accepter de ne pas être aux commandes. Lorsque je peins, je rentre dans une forme de transe, laissant mes gestes me guider. Je ne sais pas à l’avance où je veux aller, ni où je vais parvenir. Parfois le résultat ne me plaît pas et dans ce cas, je détruis la toile. Cela fait partie du processus et de sa beauté. Le cheminement est plus important que la réponse.

Avec « Trace », Geneviève Damas explore le heurt entre un talent athlétique qui surgit et l’engrenage du deal où se trouve prise une adolescente. Deux lignes qui se croisent puis s’opposent, dans un récit traversé par une intensité à la fois brutale et profondément humaine.

Autrice, metteuse en scène et comédienne formée au théâtre, Geneviève Damas signe depuis plusieurs années une œuvre recon- nue, au croisement de l’écriture et de la scène.

Dans « Trace », elle donne voix à Farkass, une adolescente qui avance au jour le jour dans une cité bruxelloise tenue par le trafic. Elle vend après les cours, non par goût du risque, mais pour assurer le quotidien d’un foyer où chaque euro compte. Dans cet environnement où les règles s’apprennent vite et les menaces encore plus vite, Geneviève Damas capte avec une justesse remarquable le mélange de dureté, de lucidité et de vulnérabilité qui traverse son héroïne.

La rupture survient sur un terrain de sport, lorsque son professeur repère son endurance exceptionnelle. À travers cette rencontre, l’autrice ouvre une autre perspective : celle d’un corps qui découvre sa puissance, d’une adolescente qui, pour la première fois, se projette ailleurs que dans la seule survie. L’athlétisme devient un espace d’air, un rythme, une tension neuve, presque une révélation. Mais cette passion nouvelle se heurte rapidement aux exigences du réseau, aux attentes du supérieur, aux menaces latentes qui pèsent sur ceux qui dévient de leur rôle.

Geneviève Damas excelle à montrer comment deux trajectoires peuvent se heurter dans le même corps : celle façonnée par le réseau, et celle qui surgit lorsqu’un talent trouve, enfin, un espace pour exister. Elle ne dramatise pas, ne moralise pas ; elle avance au plus près, portée par une langue directe et tenue, qui capte la pulsation de chaque instant.

Un récit au bord du précipice, porté par une langue vive et un personnage qui se débat pour tracer sa propre ligne d’horizon entre deux formes d’addiction.

Forte de l’expérience acquise aux côtés de sa comparse Sasha au sein du groupe JUICY, Julie Rens, dite Julie Rains pour orienter la prononciation de son nom, se lance dans un nouveau projet où elle explore sa propre musicalité, délaissant les sonorités jazz-pop au profit d’une touche plus déstructurée et imagée, avec l’appui du producteur électronique Rowan Van Hoef.

Le travail d’écriture et de composition de votre premier EP « Lentement » est centré sur la répétition et le temps long. Expliquez-nous. J’ai voulu aller chercher dans toutes mes inspirations musicales. Je viens à la base du classique. J’ai ensuite étudié le jazz au conservatoire avant de faire du rock… J’avais envie de tout mélanger et de le faire hyper lentement. Cela m’a ouvert plein de portes. Avec Rowan Van Hoef, on a d’abord joué les morceaux en live puis on les a enregistrés. On a fait les choses dans le sens inverse. Ça m’a permis d’éprouver la musique beaucoup plus profondément. J’avais envie de kiffer toutes les étapes. L’écriture était déjà une étape valorisante en soi.

Les paroles sont secondaires dans votre nouveau projet. J’avais envie que la musique puisse dire quelque chose au-delà des paroles et du chant. Cet EP représente une recherche. Les instruments ont autant de place que le chant. Nous sommes sur quelque chose où j’essaye de proposer des images. Que ce soit la voix ou l’instrumentalisation, ce sont des métaphores qui peuvent voyager et que tout le monde peut s’approprier.

« Doucement », premier titre que vous avez dévoilé, est assez différent du reste. C’est le plus pop de tous. C’est le seul qui a une structure que l’on identifie comme quelque chose que l’on connaît. Même au niveau des rythmes, des harmonies, c’est plus abor- dable. Ce morceau ouvre la porte à des choses plus perchées. Et en même temps, il y a des nuances et des contrastes très forts. C’est l’une des caractéristiques de cet EP. Il y a de la surprise car je pense que les audi- teurs ont besoin de ça.

Avec JUICY, vous avez performé un peu partout en Europe. Aspirez-vous à en faire de même avec Julie Rains ? C’est ce qui se passe en ce moment. J’ai joué à Lisbonne, en Suisse, au Luxembourg, en Allemagne… C’est limite plus facile que JUICY de sortir de la Belgique. JUICY, c’est de la musique complexe dans des structures très pop. Il y avait un truc qui fonctionnait en Belgique et en France. Ici, je sais que je ne vais pas faire une tournée en Wallonie. Et c’est mon rêve de pouvoir jouer dans des petits clubs de 100 personnes un peu partout.

Instagram : julie_rains_

Dans « Ici s’arrête le monde », le nouveau thriller coup de poing de Barbara Abel fait basculer un quotidien banal dans l’inconnu. Explosions, black-out, panique collective. Sous la terreur, les blessures intimes se réveillent et un courage ordinaire émerge quand survivre ne suffit plus.

Le roman s’ouvre sur une journée déjà contrariée par des tensions, marquée par des irritations discrètes et des équilibres fragiles. Puis tout dérape : un grondement, l’obscurité totale, les vitres qui vibrent, une explosion. Ce choc brutal suffit à faire voler en éclats le cadre rassurant dans lequel tous vivaient encore quelques minutes plus tôt.

Une famille recomposée et ses voisins se retrouvent soudain entassés dans une cave, devenue en un instant leur unique abri. Dans ce huis clos improvisé naît une mini-société frémissante, avec ses frictions, ses élans, ses murmures. On partage la peur, l’attente, les bribes d’informations. On tente d’imposer un semblant d’ordre alors que le monde extérieur semble se dissoudre. Dans cette proximité forcée, la survie ne se limite plus à tenir : elle devient un engagement envers l’autre.

C’est là que la « reine du thriller » frappe le plus fort : l’apocalypse dehors réveille les fissures dedans. Les vieux conflits remontent, les certitudes craquent, l’entraide hésite. Rien n’est stable : faut-il protéger tout le monde, ou ceux qu’on aime d’abord ? Comment rester lucide alors que chaque minute chancelle ? La terreur recompose les priorités à toute vitesse.

Sans jamais forcer le trait, Barbara Abel scrute les comportements, leurs nuances et leurs contradictions. Pas de héros, pas de monstres : seulement des êtres humains contraints de s’ajuster dans l’urgence. La tension naît autant des explosions que de ce qui se joue entre ces personnes soudain dépendantes les unes des autres.

« Ici s’arrête le monde » dépasse ainsi le simple récit apocalyptique. C’est un roman tendu, nerveux, d’une grande acuité, où l’effondrement extérieur n’est que le déclencheur d’un séisme intérieur : que reste-t-il d’humanité quand tout vacille ?

Ici s’arrête le monde, Barbara Abel, éditions Récamier

Camille Gemoets, plus connue sous le nom de scène de RORI, poursuit son ascension avec son deuxième EP « Miroir ». Après avoir conquis la Belgique avec « Ma saison en enfer », sublimé par des titres comme « Docteur » ou « Ma place », la Liégeoise vise désormais la conquête de la France grâce à une patte toujours aussi incisive et une aversion certaine pour les chansons d’amour.

Depuis quelques années, vous semblez vivre un véritable conte de fées avec un enchaînement de hits et l’accumulation de scènes. Parvenez-vous à vous lever le matin et à vous dire que vous êtes la plus belle devant le miroir ? Jamais ! (rires) Je ne me lève pas en me disant que j’ai réussi. Justement, c’est le contraire. Je me dis toujours qu’il faut que j’écrive un truc chouette et que je fasse de la bonne musique.

Vous n’épargnez pas la société dans ce deuxième EP. Effectivement ! Je fais une satire de notre vie qui est très narcissique. Je constate que nous sommes tous devenus complètement fous à vouloir devenir les meilleurs, les plus beaux, à n’importe quel prix. Cela ne concerne pas une génération en particulier mais c’est vraiment un problème de société.

En parlant de conte de fées, le grand méchant continue d’être les réseaux sociaux. En 2023, vous nous affirmiez : « Si je ne faisais pas de la musique, je serais absente des réseaux ». Cela n’a pas beaucoup changé. C’est très piégeux car ça te force à te comparer aux autres et à souvent te dévaluer. Tout ce que l’on produit doit devenir quelque chose avec du profit. Il y a une véritable compétition qui s’est installée dans tous les métiers. C’est assez malsain. Personnellement, je n’ai pas envie de suivre cette ligne de conduite. J’ai passé ma vie à essayer de sortir d’un schéma, ce n’est pas pour qu’on m’en remette un nouveau dans la figure parce que, soi-disant, ça plaît aux gens. Tant pis si j’ai moins d’abonnés.

Peut-on réussir sans les réseaux sociaux à notre époque ? J’ai envie de croire que oui. Il y a des groupes qui font des tournées et qui remplissent des salles sans avoir énormément de followers sur Instagram. On entend évidemment plus parler de ceux qui ont plus de visibilité parce qu’on les voit mais la réalité est plus nuancée.

Une chanson comme « Loser » participe à la révolte de ceux qui veulent détruire les étiquettes. On a tendance à oublier le chemin parcouru. Cette chanson me permet de me souvenir que j’étais à la base dans quelque chose qui ne me convenait pas. J’ai réussi à m’en extraire alors que les gens autour de moi m’en dissuadaient et ne m’encourageaient absolument pas à aller vers autre chose. Ils ne savaient pas eux-mêmes qu’il y avait un autre chemin. J’ai tourné ça en revanche pour que ce soit plus universel mais je ne vais pas aller retrouver des gens pour me venger (rires). On peut parfois se sentir perdu et trouver quelque chose qui nous convient et qui nous parle.

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Instagram : roriwithi

Huit ans après son dernier opus, le Courtraisien de 55 ans Piet Goddaer, alias Ozark Henry, revient avec un dixième album intitulé « August Parker ». Une invitation pour tous, enjolivée par un son immersif, à investir davantage dans son empathie dans un monde qui tend de plus en plus vers l’intelligence artificielle.

Près de trente ans après vos débuts, appréhendez-vous encore la sortie d’un disque ? Je ne cherche pas à convaincre mais plutôt à partager avec le public. Personne n’a le devoir d’écouter. J’ai hâte d’avoir les réactions car c’est pour moi ma meilleure œuvre.

En quoi se distingue-t-elle des autres ? C’est une histoire d’expérience, de maturité et en même temps j’ai encore le même sentiment que pour mon tout premier album. Je sais que j’ai 55 ans mais je me sens très jeune quand je fais de la musique. Je suis très proche de l’esprit que j’avais quand j’avais 18 ans et j’ai en parallèle la maturité qui accompagne mon âge. C’est une richesse.

Si vous gardez le nom de scène Ozark Henry, un nouveau personnage fait son apparition : August Parker. Pourquoi avoir créé un nouvel alter ego ? Je rassure tout le monde : je suis toujours le même ! (rires). Le fait d’avoir un nom d’artiste était surtout à la base quelque chose de pratique car mon nom Piet Goddaer est difficile à prononcer dans les autres langues. Quand j’ai participé au projet avec l’Orchestre National de Belgique en 2015 (un enregistrement stupéfiant dans lequel il interprète ses plus belles compositions de concert avec l’ONB, NDA), je suis tombé dans un monde que je ne connaissais pas. Celui du son immersif. J’ai alors voulu explorer davantage les rouages techniques et émotionnels de cette technologie. J’ai vite compris que c’était le format le plus naturel pour moi. À ce moment-là, comme c’était un autre monde et que j’étais un pionnier dans le secteur, j’ai décidé de me donner le nom d’August Parker à chaque fois que je travaillerai désormais dans la 3D. Je me suis toutefois rendu compte que ce personnage était finalement très proche d’Ozark Henry.

Votre album transmet des ondes particulièrement positives. Dans « Dancer in the night », vous évoquez le fait de « faire la paix avec nos cicatrices » en les acceptant et en ne formant qu’un avec comme dans le Kintsugi, une méthode de réparation japonaise. Avez- vous réussi à le faire de votre côté ? Oui. Quand on voit ce qui se passe dans le monde, c’est souvent pour cette raison que nous n’arrivons pas à vivre ensemble. Les choses ne sont pas parfaites dans la vie et nous devons savoir l’accepter. Il faut savoir vivre avec nos imperfections pour parvenir à faire preuve d’empathie envers autrui. Je ne pensais pas que nous puissions revivre une période où le fascisme prend petit à petit le pas sur la démocratie. Certaines personnes tentent de justifier l’injustifiable, comme à Gaza, en affirmant que c’est complexe mais ça ne l’est pas !

Vous vous investissez depuis longtemps dans des causes humanitaires comme en participant aux campagnes de Médecins sans frontières. Êtes- vous aussi optimiste que vous l’êtes pour vous avec le monde ? Je vis près de Ypres qui a lourdement souffert de la Première Guerre mondiale. Pourtant, aujourd’hui, c’est dur de trouver des « cicatrices » sur place. Il faut donc faire preuve de résilience et se dire qu’on peut survivre à des situations horribles.

Sans digression, revenons à votre son qui semble avoir autant d’importance que les paroles. Est-ce finalement le cas avec l’utilisation du studio Ozark Henry dans ce dixième album ? Il ne faut pas se méprendre : les paroles sont quand même la clé de voûte des chansons. Le son, lui, c’est l’image et le contexte qui les enjolive. Je considère le tout comme un film. Quand tu racontes une histoire, les dialogues sont importants mais l’ensemble doit être efficace et le son permet de créer ce monde.

En 2017, vous expliquiez de manière imagée que vous êtes devenu un sculpteur alors que vous étiez auparavant un peintre. Vous avez donc versé dans une nouvelle forme d’expression ? Effectivement. J’ai effectué cette comparaison pour expliquer le fait que faire de la 3D est tout simplement une autre manière de travailler.

Des éloges de David Bowie aux partages d’émotions professionnelles avec Toots Thielemans ou encore Moby, votre carrière a été saluée par beaucoup. Qu’est-ce qui vous motive encore aujourd’hui à faire de la musique ? Je suis persuadé que partager de la musique a du sens et augmente la qualité de vie. C’est une langue qui permet de transmettre ce que tu ne sais pas exprimer autrement. Je suis ambassadeur de « Together Stronger », un mouvement qui soutient les victimes de terrorisme, et j’ai été amené à gravir le Mont Dore en France avec des dizaines d’entre eux. Sur place, j’ai chanté pour eux et j’ai senti que ça avait de l’importance. Ils m’ont donné de la force. C’est l’une des raisons pour lesquelles je fais encore de la musique.

Instagram : ozarkhenry

www.studioozarkhenry.com