« Spectres » nous emporte dans une traversée au cœur d’une dimension parallèle. Une épopée d’une remarquable cohérence, au point de sembler pleinement ancrée dans le réel. Son écriture vous a-t-elle conduit à un véritable voyage scientifique, philosophique, voire métaphysique ?  Oui, même si cet univers m’était, d’une certaine façon, déjà familier. Mon père était chercheur en astrophysique et professeur d’université. Il a travaillé avec les plus grandes figures du domaine, qui venaient parfois à la maison. J’ai ainsi grandi au milieu de leurs discussions scientifiques qui m’intriguaient, me captivaient, même si je ne les comprenais pas forcément. Parallèlement, mes premières lectures furent des ouvrages de science-fiction. Pas parce que je rêvais d’une vie dans les étoiles ou de batailles interstellaires, mais parce que ces récits interpellaient avant tout le devenir de l’humanité. Lorsque l’idée de « Spectres » a émergé, j’ai compris que son écriture allait ouvrir dans mon esprit un vaste champ de questions auxquelles je devrais trouver des réponses. J’ai consacré un an à la recherche. Mon ambition était de placer le lecteur dans un futur qui lui apparaisse à la fois pleinement plausible et infiniment plus vaste que lui.  

Après le survivalisme post-apocalyptique de « Rocky, dernier rivage », vous poursuivez toujours plus loin votre exploration du récit futuriste. Est-ce le vertige des possibles qu’il ouvre qui vous pousse à y revenir ? J’aime le déplacement du regard, le changement d’échelle que cette littérature permet. Elle plonge très profondément dans les racines de l’imaginaire et, dans le monde que nous habitons aujourd’hui, où les transformations s’accélèrent de manière constante, elle nous offre paradoxalement un espace où nous interroger sur nous-mêmes, sur notre nature et ce que nous sommes en train de devenir. 

Ce roman résonne en effet avec notre époque et son actualité, puisqu’en toile de fond s’y dessinent aussi la perspective de l’effondrement climatique et cette course effrénée à la rentabilité que même la mort ne semble plus capable d’interrompre. Exactement. Ni la disparition progressive de la nature, ni celle des humains. Le capitalisme exploite tout ce qui peut l’être, les forêts et les fonds marins, le génome, l’attention et les relations. Et dans le livre, jusqu’au « plan secondaire », ce lieu d’après-vie, quitte à nous entraîner vers notre destruction.  C’était également l’occasion d’évoquer notre rapport au passé et à la mort, la nôtre comme celle des autres, à ce qu’ils nous laissent et à ce que nous transmettons. Des questionnements qui finalement sont indissociables de notre réflexion sur l’avenir.   

Vous écrivez « Les vivants ont besoin de la mémoire de ce qui les a précédés ». Plus que dans le futur, l’ailleurs ou les étoiles, la réponse à notre quête de sens se trouve-t-elle dans notre histoire collective ? Il est évident que nous sommes le fruit de ces centaines de milliers d’années d’évolution culturelle, sociale, scientifique, vécue par ceux qui nous ont précédés. Mais je m’identifie aussi énormément à Léa, le personnage principal de « Spectres ». Comme elle, j’aurais aimé être scientifique. Je comprends sa curiosité et son besoin viscéral de percer les méandres de l’univers. En tant qu’êtres humains, nous sommes, je pense, bercés par ce double mouvement entre l’ancrage dans nos racines et l’élan vers l’ailleurs. Par ce besoin fondamental de comprendre le fonctionnement, la raison d’être de ce que nous vivons. C’est en cela que science et philosophie sont finalement si proches. 

Revient-on changé après avoir imaginé et exploré d’autres dimensions ? Sans doute, comme pour tout ce que l’on écrit, court texte ou long ouvrage. Mais il est vrai qu’en créant « Spectres », je voulais signer mon roman le plus ambitieux jusqu’ici. Tant par son ampleur et le travail qu’il m’a demandé que par les significations éthiques et métaphysiques qu’il porte. Je n’aurais pas pu l’écrire plus tôt. J’étais trop jeune, trop impatient pour un tel degré d’obstination, de détermination et d’énergie. Il y avait quelque chose d’intimidant à me retrouver au pied de cette montagne gigantesque, avec le sentiment de n’être équipé que d’un petit sac à dos. Mais en même temps, j’en ai éprouvé beaucoup de plaisir, j’ai aimé me confronter à cette immensité. Et cela me donne envie de poursuivre sur cette voie pour le prochain livre. Et qui sait, de continuer à gravir d’autres sommets. 

La fin de votre année 2026 est marquée par la sortie de deux longs métrages : « Sanguine » et « Le Faux Soir ». Le premier signe les débuts de la réalisatrice Marion Le Corroller tandis que le second vous offre la possibilité de tourner avec Michaël R. Roskam avec qui vous rêviez de travailler. Cela démontre votre volonté de laisser toutes les portes ouvertes. J’ai la chance depuis le début de ma carrière de manifester des choses et de les voir arriver. J’ai aussi confiance un petit peu en l’avenir. Je n’ai jamais eu de plan de carrière mais, du coup, ça me permet de laisser une grande porte ouverte à plein de projets de genres différents. C’est trop gai de travailler avec des gens comme Marion parce que tu viens avec ta propre expérience. C’est plus collaboratif. Bosser avec Michaël, c’était aussi génial. C’est quelqu’un d’extrêmement gentil et de passionné. C’est tellement agréable de se lever le matin pour défendre un projet qu’ils ont écrit pendant autant d’années.

« Sanguine » sera votre premier film après un an de pause forcée due à un burn out. Le hasard fait bien les choses puisque ce thriller parle d’épuisement et de pression au travail. Depuis que j’ai commencé le cinéma, je fais trois à quatre projets par an. C’est quand même donner de sa personne et de son intimité à des rôles. Même si tu as l’impression de te protéger, tu ne le fais pas totalement et tu y laisses des plumes. J’étais arrivée à un moment où il fallait que je me recentre sur moi et que je prenne du temps. Pour le casting de « Sanguine », je m’étais au départ sabotée. Je ne connaissais pas bien mon texte. Cela ne m’arrive jamais normalement. J’étais fébrile, j’avais fait une chute de tension avant d’arriver au casting. Je ne savais pas si j’avais encore les épaules pour. Ce n’est que quand on m’a rappelé pour le second tour que je me suis dit que j’allais leur montrer que je suis vraiment une bosseuse et une battante.

Qu’est-ce qui vous a attirée dans la lecture du scénario de ce film de « body horror » où votre corps est mis à rude épreuve ? J’ai directement eu envie de défendre le scénario quand je l’ai eu en main. J’ai l’expérience du genre et je savais qu’il allait y avoir tout un travail de prothèse derrière. Il y a une vraie touche « The Substance » avec l’équipe et j’adore aborder mes rôles de façon corporelle. J’ai fait beaucoup de danse quand j’étais plus jeune. C’est quelque chose qui me donnait très envie de défendre un personnage qui doit se dépasser corporellement. Et puis il y a aussi tout un message politique avec le dépassement de soi. Aujourd’hui, on nous fait croire que les jeunes sont flemmards. Mais, en fait, pas du tout. Il faut arrêter d’avoir une vision comme ça de la jeunesse qui essaye juste de se battre avec les nouvelles règles du monde qui nous en demande toujours plus. J’ai personnellement la chance aujourd’hui de faire un métier passion. Mais quand on voit le corps médical qui est à bout. Ou le corps enseignant qui manifeste dans la rue parce qu’on n’écoute pas leurs revendications…

Dans « Le Faux Soir », nous sommes aussi sur un projet engagé puisque le long métrage est centré sur la résistance belge pendant la Seconde Guerre mondiale. Pour vous, l’art est politique et cela se prouve à nouveau ici. Je ne choisis pas mes rôles en me disant que je vais défendre un personnage avec une connotation politique. Je pense qu’à partir du moment où tu engages ton corps pour porter un projet qui a du sens et qui fait sens pour toi, c’est politique. Même une histoire d’amour est politique. L’engagement me paraît logique parce qu’on se bat aussi pour de meilleures conditions de vie. Je viens d’une famille où ma mère est très politisée. Elle travaille dans le milieu carcéral et elle fait en sorte de faire reconnaître les droits des prisonniers. Depuis que je suis jeune, j’entends des adultes repenser le monde. J’ai la chance d’avoir cet héritage-là, d’avoir été dans un cercle qui m’oblige à avoir un esprit critique sur ce qui nous entoure.

C’est tout de même un luxe de pouvoir choisir ses rôles. Cela s’explique par le fait que je ne projette pas une vie qui me demande une vie de luxe. Je préfère être heureuse et bien dans mes baskets que d’aller vers des choses auxquelles je ne crois pas. Ça reste un luxe. Mais je sais que, ne venant pas du cinéma, je ne veux pas devenir une star à tout prix. En tant que comédienne, mon but n’est pas d’être connue mais de défendre des films, des histoires et de travailler avec des gens que j’aime bien. Le fait de vivre en Belgique me permet aussi de ne pas être dans le tumulte perpétuel du cinéma. 

Le casting pour « Le Faux Soir » est exceptionnel avec Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Bouli Lanners, François Damiens et, l’une de vos idoles, Yolande Moreau. Comment avez-vous vécu cette aventure ? Les deux ou trois premiers jours, ça a été compliqué pour moi de trouver ma place et d’oser jouer. Karim Leklou, qui a été mon parrain aux César, et la productrice du film Cassandre Warnauts m’ont alors appelée pour me faire comprendre d’arrêter de m’excuser d’être là. Je me suis finalement dit que je n’avais pas envie de regretter, de regarder derrière et d’être frustrée de ne pas m’être amusée. Par contre, je n’ai pas joué avec Yolande Moreau sur « Le Faux Soir » mais j’ai fait un court métrage d’animation qui s’appelle « Le Bain des sirènes » avec elle. C’était une masterclass. Je l’ai regardée jouer. J’ai beaucoup d’admiration pour les gens qui s’amusent quand ils jouent. Et Yolande Moreau fait partie de ces gens-là qui ont un imaginaire tellement grand en eux que, quand ils jouent, tu te demandes ce qu’ils ont invoqué. Et je pense juste que ce sont des gens qui aiment jouer profondément. 

C’est toutefois dans un autre projet dans lequel vous jouez aussi en 2026 que l’on retrouve votre actrice préférée. Dans le court métrage « La pote d’un pote », vous évoluez, en effet, avec votre meilleure amie Salomé Dewaels. J’ai le même sentiment vis-à-vis de Salomé. J’ai vraiment une admiration profonde pour son plaisir à jouer. Je pourrais la regarder des heures parce qu’elle te sort des trucs où tu te dis que tu ne peux que bien jouer face à quelqu’un qui t’envoie ça comme ça. 

Elle nous confiait dans notre dernier numéro vouloir devenir réalisatrice. Qu’en est-il de votre côté ? J’aimerais bien mais je suis encore fort jeune et je n’irai que si j’ai quelque chose à raconter. Ça reste quand même un métier solitaire et ce que j’aime beaucoup dans le métier que je fais, c’est le collectif. Si je devais réaliser un film, ce ne serait peut-être pas toute seule. Je voudrais plus que ce soit collaboratif.

Le mot Diable vient du terme diábolos, issu du verbe diabállô qui signifie « celui qui divise » ou « qui désunit ». Ce n’est pas vraiment un terme qui vous ressemble dans le métier. J’essaie de fédérer le plus grand nombre et je suis fier de dire que je fais de l’humour populaire à tout point de vue. Maintenant, tout le monde n’est pas toujours d’accord avec ce que je dis alors que je pense être toujours dans le second degré. Je tords l’actualité pour la rendre un peu plus drôle et, souvent, j’entends des gens qui me disent que la réalité est triste mais que j’arrive à la rendre drôle. Ça me suffit. Et c’est vrai qu’il y a de la matière tous les jours en Belgique ou à l’étranger pour nous permettre de jouer avec.

Vous êtes connu pour écrire pour de nombreux humoristes. Qu’est-ce que vous diabolisez le plus finalement : les critiques sur vos propres prestations ou sur le travail que vous fournissez aux autres ? J’aime beaucoup écrire pour les autres. Dans « Le Grand Cactus », je connais tellement Kody, Damien Gillard, Isabelle Hauben, Fabian Le Castel… que je ne vais pas écrire pareil pour l’un ou pour l’autre. C’est impossible. Je suis ravi de les porter un peu aussi par cet univers-là. Certains me demandent aussi un petit coup de main pour leur spectacle. Quand je suis en salle et que je vois Virginie Hocq qui sublime un de mes textes, ça me fait quelque chose. Et quand ça ne rit pas, ça me fait encore plus de choses. C’est très gratifiant mais, en même temps, je suis aussi stressé que si c’était moi sur scène.

Vous semblez au paradis depuis plusieurs années déjà avec Le Grand Cactus. S’il est difficile d’expliquer un tel succès, c’est surtout la reconnaissance de plus en plus grande en France qui doit vous interpeller avec des passages récents dans « Quotidien » ou « Quelle époque ». C’est assez fort parce qu’on ne s’y attendait pas. Moi, je n’ai jamais écrit pour la France. J’ai toujours écrit des sketchs pour Tipik et un public télévisuel belge. Évidemment avec des personnages français parce que c’est ma culture et j’ai grandi avec ça. Je pense quand même qu’on est culturellement bien plus proche de la France que de la Flandre. C’est un peu le malheur de ce pays en fait quelque part. On s’est vite rendu compte via la plateforme YouTube qu’un large public français adhérait parce qu’on est arrivé aussi à un bon moment. La France ne proposait plus ce genre de produits. Même les Guignols ne sont plus là. Donc, il n’y a plus que nous qui mettons des perruques et qui brocardons des personnalités culturelles, politiques, sportives avec ce petit décalage belge où on pourrait croire que l’on fait n’importe quoi mais en fait pas du tout. C’est vrai que c’est très gratifiant de se dire qu’on est analysé, scruté, même à Paris. Quand je lis qu’Antoine de Caunes ou Gad Elmaleh parlent de nous. C’est extraordinaire ! Ce sont tous des gens qu’on attend avec impatience comme invités dans l’émission.

En tant que triple champion de Belgique de Scrabble, vous avez une facilité déconcertante à user des mots les plus savants. D’où vous vient ce talent ? Le Scrabble, ce n’est pas du talent. J’ai accroché au jeu quand j’avais 16 ou 17 ans. Et puis, comme j’aimais beaucoup ça, j’ai commencé à étudier. C’est de l’étude, ni plus ni moins. Mais je pense que ça devrait être un cours à apprendre à l’école. On apprend plein de mots, il faut calculer vite, il faut se concentrer, il y a un attrait pour la compétition… Ça brasse beaucoup de choses.

Vous avez pourtant longtemps hésité à devenir humoriste. Si beaucoup se sont lancés la fleur au fusil avec des parents qui trouvaient que ce n’était pas un vrai métier, le fait d’avoir un père metteur en scène et directeur de théâtre a-t-il été pour vous une pression supplémentaire ? Je m’y suis mis très tard. J’ai commencé à écrire à 33, 34 ans. Mais quand j’ai décidé de le faire, je n’ai pas hésité. Je ne sais pas très bien ce qui s’est passé. J’ai été titillé par ma belle-mère un jour. J’avais beaucoup fait rire tout le monde lors d’un dîner et elle m’avait dit que je devrais monter sur scène comme mon père. Après, on ne fait pas du tout le même métier. Je ne suis pas du tout acteur. Il est directeur de théâtre. Il a été professeur au conservatoire pendant 30 ans de déclamation et d’art dramatique. Mais je n’ai jamais vécu avec lui. Je n’ai jamais traîné dans les théâtres comme beaucoup ou été imprégné de la scène, des comédiens… Je n’ai jamais eu ça, moi. Et ma maman, qui détestait ce métier, m’a toujours fort tenu à l’écart de tout ça pour que je ne devienne pas comme mon père, si je puis dire. Ça a mis du temps mais ça m’a rattrapé.

Le mot Diable vient du terme diábolos, issu du verbe diabállô qui signifie « celui qui divise » ou « qui désunit ». Ce n’est pas vraiment un terme qui vous ressemble dans le métier. J’essaie de fédérer le plus grand nombre et je suis fier de dire que je fais de l’humour populaire à tout point de vue. Maintenant, tout le monde n’est pas toujours d’accord avec ce que je dis alors que je pense être toujours dans le second degré. Je tords l’actualité pour la rendre un peu plus drôle et, souvent, j’entends des gens qui me disent que la réalité est triste mais que j’arrive à la rendre drôle. Ça me suffit. Et c’est vrai qu’il y a de la matière tous les jours en Belgique ou à l’étranger pour nous permettre de jouer avec.

Vous êtes connu pour écrire pour de nombreux humoristes. Qu’est-ce que vous diabolisez le plus finalement : les critiques sur vos propres prestations ou sur le travail que vous fournissez aux autres ? J’aime beaucoup écrire pour les autres. Dans « Le Grand Cactus », je connais tellement Kody, Damien Gillard, Isabelle Hauben, Fabian Le Castel… que je ne vais pas écrire pareil pour l’un ou pour l’autre. C’est impossible. Je suis ravi de les porter un peu aussi par cet univers-là. Certains me demandent aussi un petit coup de main pour leur spectacle. Quand je suis en salle et que je vois Virginie Hocq qui sublime un de mes textes, ça me fait quelque chose. Et quand ça ne rit pas, ça me fait encore plus de choses. C’est très gratifiant mais, en même temps, je suis aussi stressé que si c’était moi sur scène.

Vous semblez au paradis depuis plusieurs années déjà avec Le Grand Cactus. S’il est difficile d’expliquer un tel succès, c’est surtout la reconnaissance de plus en plus grande en France qui doit vous interpeller avec des passages récents dans « Quotidien » ou « Quelle époque ». C’est assez fort parce qu’on ne s’y attendait pas. Moi, je n’ai jamais écrit pour la France. J’ai toujours écrit des sketchs pour Tipik et un public télévisuel belge. Évidemment avec des personnages français parce que c’est ma culture et j’ai grandi avec ça. Je pense quand même qu’on est culturellement bien plus proche de la France que de la Flandre. C’est un peu le malheur de ce pays en fait quelque part. On s’est vite rendu compte via la plateforme YouTube qu’un large public français adhérait parce qu’on est arrivé aussi à un bon moment. La France ne proposait plus ce genre de produits. Même les Guignols ne sont plus là. Donc, il n’y a plus que nous qui mettons des perruques et qui brocardons des personnalités culturelles, politiques, sportives avec ce petit décalage belge où on pourrait croire que l’on fait n’importe quoi mais en fait pas du tout. C’est vrai que c’est très gratifiant de se dire qu’on est analysé, scruté, même à Paris. Quand je lis qu’Antoine de Caunes ou Gad Elmaleh parlent de nous. C’est extraordinaire ! Ce sont tous des gens qu’on attend avec impatience comme invités dans l’émission.

En tant que triple champion de Belgique de Scrabble, vous avez une facilité déconcertante à user des mots les plus savants. D’où vous vient ce talent ? Le Scrabble, ce n’est pas du talent. J’ai accroché au jeu quand j’avais 16 ou 17 ans. Et puis, comme j’aimais beaucoup ça, j’ai commencé à étudier. C’est de l’étude, ni plus ni moins. Mais je pense que ça devrait être un cours à apprendre à l’école. On apprend plein de mots, il faut calculer vite, il faut se concentrer, il y a un attrait pour la compétition… Ça brasse beaucoup de choses.

Vous avez pourtant longtemps hésité à devenir humoriste. Si beaucoup se sont lancés la fleur au fusil avec des parents qui trouvaient que ce n’était pas un vrai métier, le fait d’avoir un père metteur en scène et directeur de théâtre a-t-il été pour vous une pression supplémentaire ? Je m’y suis mis très tard. J’ai commencé à écrire à 33, 34 ans. Mais quand j’ai décidé de le faire, je n’ai pas hésité. Je ne sais pas très bien ce qui s’est passé. J’ai été titillé par ma belle-mère un jour. J’avais beaucoup fait rire tout le monde lors d’un dîner et elle m’avait dit que je devrais monter sur scène comme mon père. Après, on ne fait pas du tout le même métier. Je ne suis pas du tout acteur. Il est directeur de théâtre. Il a été professeur au conservatoire pendant 30 ans de déclamation et d’art dramatique. Mais je n’ai jamais vécu avec lui. Je n’ai jamais traîné dans les théâtres comme beaucoup ou été imprégné de la scène, des comédiens… Je n’ai jamais eu ça, moi. Et ma maman, qui détestait ce métier, m’a toujours fort tenu à l’écart de tout ça pour que je ne devienne pas comme mon père, si je puis dire. Ça a mis du temps mais ça m’a rattrapé.

Votre musique est définie comme cinématographique. Comment l’expliquez-vous ? J’ai toujours eu du mal à mettre des mots dessus. Les gens ont, en effet, l’impression d’avoir des images devant les yeux, dans la tête, quand ils écoutent ma musique. Pour moi, c’est quelque chose de très ambiant, très mélodique. Par contre, c’est très difficile de mettre le projet dans une case.

Le piano occupe une place centrale avec les harmonies vocales. Quelles émotions insoupçonnées est-il capable de transmettre ? Le piano est capable de transmettre toutes les émotions. Du moindre sentiment le plus petit possible à la plus grosse colère. C’est génial. C’est un instrument très complet.

Vous oscillez entre ombre et lumière avec des thématiques très fortes comme l’anorexie ou le suicide. J’allie souvent des mélodies qui sont très joyeuses, très spatiales et très légères à des textes qui sont beaucoup plus lourds et plus sombres. J’ai l’envie de faire passer de l’émotion pure, que ce soit de la joie ou de la colère, par quelque chose qui est plus fragile, moins agressif, et de faire des choses agréables à entendre.

La musique est-elle une sorte d’exutoire pour vous ? Oui, complètement. La grande majorité de mes morceaux, je les ai écrits à chaud au moment où je sentais que je devais le faire. C’est quelque chose de cathartique. D’une certaine manière, je pourrais même dire un peu égoïste, j’ai créé de la musique que j’aurais peut-être imaginé vouloir entendre quand je n’allais pas bien.

Aujourd’hui, vous ajoutez à votre univers de nouveaux instruments comme la harpe et la flûte traversière. Ça permet de faire encore plus voyager votre public ? Oui, il y a de ça. Il y a aussi le fait qu’on a souvent tendance à se répéter quand on compose. Le fait de passer sur un autre instrument, ça met d’autres contraintes.

Le visuel est également très important avec, par exemple, un clip d’animation qui accompagne le titre « Flowers ». Quelle est la volonté derrière ? Je me vois mal sortir une chanson sans l’illustrer. Je crois que ma personnalité est comme ça. C’est quelque chose d’entier.

Björk, Tyler the Creator ou encore Miles Davis. Le nouveau phénomène de la musique belge Gala Dragot puise ses inspirations dans de nombreux registres. La Bruxelloise de 20 ans, dont les débuts s’inscrivent dans l’art pop, prouve aussi à travers son EP « Twerking Music » son envie irrépressible d’expérimentation.

Instagram : galadragot

Chroniqueuse sur La Première, Mélanie Akkari sillonne actuellement la Belgique avec son premier spectacle « Perséphone ». La nouvelle voix de l’humour noir-jaune-rouge se présente sur scène sans artifice mais avec une sincérité désarmante et un ton drôlement impertinent.

www.melanieakkari.be

Après « Electronic Jacuzzi », l’album fondateur « Blow » et « Mirror Mirror », peut-on dire que votre nouvel album est le plus parfaitement imparfait ? C’est un album un peu différent de ce qu’on a déjà fait. Il a quelque chose d’assez beau dans le sens où, effectivement, c’est vraiment une errance artistique et créative. 

Si vous avez pris votre temps, vous n’avez pas chômé en route puisque vous avez écrit pas moins de 90 « idées » pour en retenir finalement 13. La liberté était donc totale. Il y a une grande satisfaction à se dire que notre entourage est très respectueux. Nous n’avions pas envie de sortir des trucs pour sortir des trucs. Ce qui nous a toujours permis d’être libres aussi, c’est notre réputation sur scène. Cela nous donne une forme d’autorité.

De Queen à Nirvana en passant par les peintres Gerhard Richter et Francis Bacon, vos influences ont été nombreuses. À quel point avez-vous voulu explorer de nouveaux horizons tout en conservant vos fondements pour ne pas brusquer votre public ? Nous ne pensons pas à ça. On est avant tout conduit par ce côté émotionnel, cette fameuse chair de poule. Ça doit nous faire quelque chose. En premier lieu, on prend notre temps, on explore un peu et on voyage. Dans un second temps, quand on a les frissons, on sert ça aux fans et à qui le veut. C’est comme ça que l’on est en paix avec notre conscience. 

L’amour occupe une place centrale dans cet album et démontre une envie de générer avant tout des thématiques universelles. Il y a des sujets qui touchent pas mal de personnes. Que ce soit les sujets périphériques de l’amour ou qui font partie de la passion. Les séparations, l’euphorie, la compassion, le pardon… L’amour est un peu la clé de tout ça. C’est un peu ça, cet album. Quand quelque chose te touche, tu as l’impression que tu es le seul au monde à le vivre alors qu’en réalité tout le monde a déjà eu un chagrin ou tout le monde va probablement en avoir un. C’est une espèce de transmission. Nous sommes passés par là et il y a aussi une dimension nostalgique. Après, comme d’habitude avec Ghinzu, il y a plusieurs niveaux de lecture dans les morceaux. 

Un titre comme « Death Race » prouve que vous ne vous êtes pas totalement assagis. C’est un titre qui, musicalement, est une forme d’escalier. Le jeu était de créer des paliers et que la personne qui l’écoute se dise qu’on est le plus haut possible et qu’on ne peut pas rajouter quelque chose. C’est pour ça qu’à un moment donné, il y a quelque chose qui se transforme dans un riff à deux accords. Et puis, tout d’un coup, il y a l’orchestre qui arrive. Et au-dessus de l’orchestre, il y a une guitare… Il y a quelque chose en plus, de violent.

Vos sons ont été enregistrés entre l’Europe et les États-Unis. Pourquoi était-ce important de multiplier les studios ? Il faut le dire : on se prend un peu pour des producteurs. Quand on rencontre un producteur ou un mixeur, on a une idée très claire de là où on veut aller. Ça ne fait pas de nous des producteurs mais on chipote quand même. On touche, on crée des sons et tu as des setups qui te permettent d’avoir des studios mobiles. Il y a des nouveaux plugins qui existent en digitaux. Cela permet de commencer à t’enregistrer où tu veux, quand tu veux et tu accumules des téras et des téras de disques durs. Après, on va aller en studio pour retrouver une espèce de cadre. Mais il y a à la base cette idée d’exploration. Tout ne doit pas être terminé. Par exemple, sur cet album, il y a des morceaux qui ont été joués il y a dix ans. Et ce ne sont pas du tout les mêmes. Ce ne sont pas du tout les mêmes paroles, ce ne sont pas du tout les mêmes mélodies de couplets… En fait, l’arrangement des guitares est complètement différent. Dans dix ans, si on laisse les choses se faire, il sera peut-être encore différent.

Le mixage s’est fait, lui, à Los Angeles au studio Hillside Manor où des groupes comme Oasis et les Rolling Stones ont enregistré. Qu’est-ce que ça change concrètement ? Il y a un petit truc en plus. La Belgique arrive alors que nous ne sommes pas réputés pour être le marché de la pop rock. Notre pays crée des produits un peu spéciaux. On chante en anglais mais notre langue maternelle est le français. Nous sommes évidemment influencés. On ne cultive pas comme d’autres pays une espèce de culture de l’excellence. On a de l’autodérision. Notre excellence à nous, c’est le 19e siècle. C’est le charbon, l’industrie du métal… On s’assied dans un endroit où il y a les Rolling Stones et on rigole. C’est notre force : comprendre la poésie d’une certaine médiocrité. Mais ça n’enlève pas que nous avons une notion du chic et qu’on a quelque chose d’assez bon vivant.

Le décès de l’acteur français Gaspard Ulliel a secoué le monde du septième art en 2022. Son meilleur ami, Jérémie Renier, avait alors dû faire face à la douloureuse épreuve du deuil. Après une pause de carrière et un long parcours introspectif, sa rencontre avec l’explorateur Loury Lag a changé sa manière de voir sa vie sur Terre. Elle lui a permis de survivre au sortir d’une expédition aussi dangereuse que libératrice de 3 400 kilomètres en Arctique qu’il raconte dans un film poignant et porté par la résilience.

Pourquoi avoir décidé de faire de votre odyssée, qui visait avant tout à vous sauver, un documentaire ? J’avais envie au départ de raconter l’histoire de Loury et de poser mon regard sur lui. Ce n’est que par la suite que l’idée a germé d’être plus intime. J’ai pris avec moi une caméra et un caméraman qui est un ami d’enfance, le Belge Fabien Ruyssen. C’était un vrai pari parce que je ne savais pas si j’allais pouvoir raconter une histoire et si j’allais pouvoir avoir des images. Techniquement, c’était très compliqué. On l’a fait à l’instinct.

Comment avez-vous convaincu votre famille, vous qui avez trois enfants, que c’était une bonne idée alors que vous risquiez votre vie ? Personne ne se rendait compte du danger réel. Ils étaient conscients aussi de là où j’en étais dans ma vie à ce moment-là. Je souffrais et cette proposition était salvatrice. On en a parlé mais, en même temps, c’est comme si je n’avais pas non plus laissé le choix. Ils comprenaient que c’était nécessaire pour moi. Loury était tout de même conscient de là où il m’emmenait et il a souhaité faire un déjeuner avec nos familles respectives pour demander à ma famille si ça leur allait. Car il y avait une possibilité que je ne revienne pas.

Vous avez également dû vous convaincre vous-même de vous livrer intimement sur vos émotions. Ça a été un long processus pour devenir moins pudique, pour me dévoiler. J’ai une amie actrice qui m’a accompagné un peu sur le film, qui m’a donné son regard et ses retours. À un moment, sur l’une des versions, elle m’a dit : « Mais tu es où Jérémie ? ». Je ne comprenais pas et j’étais surtout un peu choqué car j’avais l’impression que j’étais déjà trop présent. Elle affirmait que l’on voyait de belles images mais elle m’expliquait que ce que les gens voulaient savoir était ce qui se passait en moi. Elle m’a dit : « Utilise ce procédé pour pouvoir passer le message que tu as envie de passer, nous dire qui tu es et donne-nous ton regard ». Ça a été un vrai déclencheur. Je me rends compte aujourd’hui que c’est la seule possibilité que j’ai eue de pouvoir raconter un peu plus qui je suis. C’est un vrai objet qui parle de quelque chose qui m’anime par rapport au regard que j’ai sur l’humain, sur le vivant, sur l’invisible.

Le film propose un voyage exceptionnel à travers le deuil et l’amitié. En quoi votre rencontre avec un personnage comme Loury vous a donné cette énergie pour tenter de « survivre » et de vous « sentir vivant »? Il a perçu quelque chose en moi que je n’avais peut-être pas perçu. Sa proposition partait déjà de là. Je pense qu’il sentait que si je partais avec lui, il allait se passer quelque chose en moi. Après, c’est un long chemin. Le fait d’être dans un endroit qui est un des plus dangereux au monde, où la mort est à peu près partout, réveille sans doute une part de vie en nous. Il y a beaucoup de choses que je n’ai pas conscientisées. Je l’ai perçu comme étant un guide qui m’accompagnait, qui me poussait, qui m’a déstabilisé, qui m’a fait mal, pour arriver à peut-être reprendre vie.

N’avez-vous pas peur que, désormais, le shot d’adrénaline et de danger soit votre seule manière d’affronter les épreuves de la vie ? Non, il y a plein de manières de traverser un deuil. Ici, elle était symbolique aussi. C’est pour ça que j’ai vu un film, une fable, un conte initiatique.

C’est votre toute première réalisation en solo. Cela vous a donné envie d’explorer davantage ce métier ? J’ai toujours voulu réaliser depuis que je suis gamin. Même avant de jouer. J’étais beaucoup plus attiré par le fait de raconter des histoires que de participer à une histoire. Le métier d’acteur est venu combler cette envie et j’ai découvert un autre médium, une autre façon de pouvoir accompagner ça. Mais il y a quelque chose de beaucoup plus nourrissant pour moi d’être à la genèse d’un projet. J’en ai d’autres en tête. Ce qui m’a surtout plu aussi grâce à ce documentaire et la façon dont il s’est construit, c’est la liberté qu’il m’a permis d’avoir.

Le fait de vous retrouver devant la caméra sans jouer vous a aussi redonné l’envie d’être acteur. Ça a réanimé quelque chose en moi qui s’était un petit peu épuisé, oui. Ça fait trente ans que je fais ce métier, il y a des moments où on se pose la question de savoir si ça nous remplit toujours.