Sous le patronyme de Duga, Christian Dugardeyn questionne la nature humaine d’une voix singulière et vivante. Celle d’un conteur visuel, dont chaque trait d’une beauté brute interpelle avec sensibilité et explore l’identité personnelle autant que l’émotion collective.

Vous êtes médecin et artiste depuis près de quarante ans. Deux métiers parallèles, deux vocations, dont vous évoquez pourtant la connexion et la résonance en vous. Où se rencontrent-ils ? C’est l’humain qui les relie, dans sa complexité et sa vie intérieure. Il est le ciment de mon travail, qu’il soit médical ou artistique. Je serais incapable de renoncer à l’un de ces deux univers. Ils retentissent l’un sur l’autre, interagissent et se répondent. Ils ont d’ailleurs toujours évolué côte à côte. Adolescent, je rêvais d’entrer aux Beaux-Arts, mais mes professeurs, au vu de mes résultats, me poussaient vers la médecine. J’ai finalement réalisé les deux cursus en même temps. Je me suis ensuite spécialisé en imagerie médicale, une discipline qui malgré un principe profondément rationnel a aussi un aspect très visuel, presque artistique. Je ne pouvais pas choisir à l’époque et je ne le peux pas plus aujourd’hui.

Par la radiologie comme par le pinceau et la sculpture, vous sondez finalement l’humain, aussi bien littéralement que symboliquement. Y cherchez-vous des réponses ? C’est une quête constante de compréhension, entre interrogation et expérimentation, bien qu’elle soit par moments inconsciente. Et une recherche qui commence en soi-même. Les personnages que je crée sont à la fois des autoportraits et un reflet de la nature humaine, que chacun perçoit selon un éclairage personnel. Plus qu’un sens ou un message, c’est une émotion que je souhaite transmettre. Je ne sais jamais vers quoi une création va me conduire. Je pars en exploration, sans modèle, sans chemin tracé. Parfois, rien ne vient et puis par moments, l’émotion surgit, un trait part, suivi par des dizaines d’autres. C’est un état presque second, où l’on est seul face à soi-même, porté par l’instinct, avec une intensité brute et viscérale.

Vous dites que c’est en « déformant les choses que l’on se rapproche de la vérité », celle du ressenti, de l’image ? On vit dans un monde devenu très réaliste, terriblement terre à terre. Où on nous proclame des vérités absolues et où on ne réfléchit plus. J’ai le sentiment qu’en s’éloignant de cette forme de limpidité, en quittant ce qui est compréhensible au premier coup d’œil, on va alors pouvoir véritablement susciter un chamboulement qui ne laissera pas indemne. C’est ce qui m’a amené dès le départ vers l’art figuratif libre, sans vraiment le décider. J’ai la certitude que c’est par la déformation que l’humain se reflète avec le plus de vérité et de réalisme. Laissant apparaître ce qui est sinon aussi fondamental qu’invisible.

Pour vous, qui êtes tant dans le rapport à l’être, aux êtres, quelle importance prend le regard des spectateurs sur votre travail artistique ? Il m’apporte une analyse, une forme de compréhension incroyable. Des mots sur des contrastes et des sentiments qui étaient jusque-là restés aux limites de mon champ de vision, qui s’étaient imposés sans que je le réalise. Ainsi que sur la portée de ces influences qui me guident et imprègnent viscéralement ce que je crée. La passion des arts africains et amérindiens, des arts modernes et premiers aussi. L’élan pour des artistes comme Basquiat, Alechinsky, Picasso ou Dubuffet, dont la vision et les œuvres accompagnent cette réflexion sur la nature humaine.

Vous mélangez et variez les outils, expliquant avoir voulu désapprendre les principes techniques appris aux Beaux-Arts. Votre créativité se nourrit elle de cette déconstruction ? Totalement. Une fois épuisée une voie, il est essentiel d’en chercher une autre, pour rester dans l’émotion. C’est ce qui m’a amené pendant deux, trois ans à partir vers l’art abstrait, avant de revenir au figuratif. Tout autour de moi dans mon atelier, on retrouve des crayons ou de l’acrylique, mais aussi des plaques d’aluminium, du plexiglas, des portes de voitures, du bois, des peintures en aérosol. Je refuse d’être prisonnier d’un courant ou d’impératifs fixés par d’autres. Et j’accepte les demandes seulement si elles font sens pour moi, aussi variées soient-elles. Des séries de petites tailles pour des galeries à Paris ou la représentation d’une famille sur un capot de véhicule. Une exposition à la Affordable Art Fair de Stockholm en octobre ou des poupées Kokeshi que je reproduis pour l’instant en bronze, influencé par un voyage au Japon que j’ai fait récemment. En quarante ans, ma créativité a évolué, mes envies aussi. Ce n’est pas un chemin linéaire. Je n’aurai pas assez d’une vie pour développer toutes mes idées. Mais c’est cette recherche constante qui me passionne et j’espère bien qu’elle ne prendra jamais fin.