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En 15 ans, Lore Van Keer a façonné un emblème de la joaillerie, où sophistication et minimalisme se conjuguent en un contraste harmonieux. Puisant son inspiration dans les matériaux nobles, elle crée des parures d’une beauté épurée.

Comment, des esquisses d’un bachelier en design d’intérieur, en êtes-vous arrivée à celles de la joaillerie ? Je n’ai, en fait, jamais imaginé mettre ce bachelier en pratique en tant que tel. Je ne me voyais pas élaborer uniquement des plans et je me suis donc orientée d’emblée vers l’option design de produit. En dernière année, j’avais une liberté totale quant au choix de mon lieu de stage et je me suis engagée auprès d’une créatrice de bijoux. Cela a été un coup de foudre absolu, la certitude soudaine d’avoir découvert ma voie. J’ai ensuite étudié durant quatre ans l’orfèvrerie, tout en travaillant dans un atelier. Une étape qui m’a amenée la certitude de vouloir fonder mon propre label et non pas œuvrer dans celui de quelqu’un d’autre. J’ai alors conçu mes premiers modèles, dans une pièce sous les combles, chez mes parents. Je les ai montrés à mes amis, qui les ont partagés autour d’eux. Cela a pris de l’ampleur, jusqu’à me convaincre de me lancer. Et ce qui était au départ un petit one-woman show est désormais une vraie structure, portée par une équipe de onze personnes investies et passionnées. 

Qu’il s’agisse de joaillerie ou d’architecture, l’essentiel était-il finalement pour vous de créer ? Au contraire, la joaillerie est à mes yeux un domaine unique et distinct. Nombreux sont les gens qui associent les bijoux à de simples accessoires, tandis que je les considère comme des objets à part entière, apportant éclat et élégance non pas à un intérieur mais à ceux qui les portent. Une forme d’art mais aussi de représentation physique d’une émotion. Des boucles d’oreilles ou une bague racontent le bonheur ou sont à même de le créer, tout comme elles peuvent vous faire grandir, vous renforcer ou dévoiler une part de votre identité. 

Alors que votre label atteint ce cap symbolique des 15 ans, êtes-vous toujours celle qui fabriquait ses pièces dans le grenier de la maison familiale ? Mon style et mon univers ont évolué au fil du temps et de mes inspirations, mais mes bijoux sont une extension de moi-même et c’est une dimension essentielle que je tiens à préserver. Suivre mon instinct reste fondamental. L’architecture et le design demeurent aussi mes principales influences. Je ne peux rien regarder sans analyser les structures et les lignes. Je perçois des compositions même en pleine nature. Tout comme la structure des pierres ou la fluidité des maté-
riaux imprègnent mes modèles. Tous ces éléments se combinent pour composer et raconter l’histoire de mon label et de ma vision de la joaillerie. 

Qui dit anniversaire dit aussi célébration ? Bien sûr ! Nos dix ans sont tombés en pleine crise sanitaire et nous n’avons donc rien pu organiser. Ce sera cette fois l’occasion parfaite pour fêter l’événement en beauté. Je prévois une nouvelle collection exclusive et aussi pourquoi pas une collaboration avec un designer, issu d’un autre domaine. Mais tout cela est encore en réflexion et en préparation et ne se dévoilera que d’ici octobre. Une chose est sûre, il ne s’agira pas d’un évènement ni même de brèves célébrations. Après tout, un anniversaire dure une année entière !   

Et si vous deviez raconter votre marque par une pièce unique ? Il serait difficile de n’en conserver qu’une, mais je pense d’emblée à toutes mes boucles d’oreilles asymétriques. Des pièces fortes qui expriment une forme d’audace par leurs différentes combinaisons possibles. Je n’aime pas les éléments figés, mais plutôt l’idée de parures permettant chaque jour une nouvelle composition. Il y a aussi la conception de pièces en argent et en or. Les premières sont plus flexibles dans leur conception, tandis que les secondes racontent l’intemporel. Trouver l’équilibre entre mon identité créative et cette idée de durabilité est un défi très intéressant, avec lequel j’aime jouer. 

Regardez-vous ce chemin parcouru avec le sentiment d’être aujourd’hui, là où vous le souhaitiez ?  Savoir que l’on porte mes créations au quotidien, me donne un sentiment de joie sans pareil, mais je ne considère rien comme acquis. Il y a toujours des défis et plus on grandit, plus les enjeux sont importants. Avoir ouvert une boutique à Anvers, en plus de mon atelier de Meise, est une belle consécration, mais je travaille aujourd’hui à un développement international. Je viens de refermer les portes d’un pop-up store que nous avions lancé dans le quartier du Marais à Paris, le temps de la Fashion Week 2025. Déjà dans la toute première interview de ma carrière, j’évoquais ce rêve d’avoir un pied-à-terre dans cette inimitable capitale de la mode. Un premier pas dont j’espère qu’il mènera à beaucoup d’autres !

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Lorsqu’on l’interroge sur sa définition d’un beau vêtement, il cite son mentor, Yves Saint Laurent qui affirmait que « Sans élégance de cœur, il n’y a pas d’élégance ». Une formule qui raconte pleinement Jean-Paul Knott et sa signature d’une mode d’âme, au raffinement empreint d’émotion. Et, alors que son label célèbre ses 25 ans d’existence, le créateur continue d’œuvrer passionnément à façonner un vestiaire luxueux et ludique, comme à son art délicat de révéler les êtres.  

2025 marque les 25 ans du label JEANPAULKNOTT. Votre regard sur la mode a-t-il évolué au fil de ces années ? Le monde a énormément changé en un quart de siècle, mais ma conception du style demeure la même. Tout comme mon choix de ne pas faire de mode mais de créer des vêtements. J’ai récemment retrouvé un carnet entamé après mon départ de chez Saint Laurent et dans lequel j’avais couché des mots, comme une note d’intention : « No age, no sex, no color, no seasons, no fashion, just clothes ». Cette démarche est toujours mienne. 

Après 10 ans de stylisme aux côtés d’Yves Saint Laurent, qu’est-ce qui justement vous a amené au début de l’an 2000 à souhaiter créer sous votre nom ? Je ne m’imaginais tout simplement travailler pour personne d’autre. C’est un métier ou l’on ne peut être et créer que pleinement, prêt à donner le meilleur de soi. Pour lequel le respect doit s’unir à une identité partagée. Et puis c’est aussi un récit d’amour. Je conçois des pièces pour habiller les gens que j’aime et pour permettre à tous ceux qui les portent de s’aimer un peu plus. Je viens d’une époque où le vêtement était une manière essentielle de s’exprimer et il reste pour moi le transmetteur d’une forme d’âme et de sensibilité. 

Etes-vous toujours cet étudiant qui avait intégré le Fashion Institute of Technology de New York avec l’ambition de devenir un créateur ?  C’était il y a plus de quarante ans, mais ce qui m’inspire, me fait vibrer, reste similaire aujourd’hui. Après avoir grandi en Afrique, j’ai passé mon adolescence dans le Londres des années 80, influencé par le courant punk, et où tous les genres, âges et cultures se rencontraient et se mélangeaient. Ensuite il y a eu New York, qui m’a ouvert l’esprit sur un monde plus libre encore et où l’art était partout, dans les galeries comme dans la rue. Celui-ci reste au cœur de mon travail. Dans le mouvement de la danse que je transmets par le port d’un vêtement, l’allongement d’une silhouette. Par l’architecture qui imprègne les patrons et les coupes d’une tenue. Par le cinéma aussi, cette forme d’émotion qui me permet de rêver et de m’évader et alimente mon univers. Quant à la photographie j’ai toujours été passionné par les clichés de mode et par la possibilité de capter une histoire en un instant. C’est tout cela qui m’amène à collaborer avec un artiste différent à chaque saison. Le premier était mon ami le photo-graphe Karel Balas, il y a aussi eu le graffeur Zeus ou la créatrice Anna Lehmusniemi. Et c’est ce qui m’a poussé à ouvrir il y a 15 ans la KNOTT Gallery, où j’exposais mes créations en parallèle avec celles de vidéastes, peintres, sculpteurs, … Elle n’existe plus mais ma boutique reste un espace qui dépasse les frontières du prêt à porter et de la couture. La mode seule est selon moi un peu futile ;  c’est le discours, le partage, le lien à d’autres qui lui donnent du relief et du sens.

Quelles sont les inspirations qui ont guidé cette collection Printemps/Eté 2025 ? Était-elle spéciale en raison de cet anniversaire ? L’intemporalité toujours. Une élégance qui mélange les codes du masculin et féminin et repose sur une fluidité de la forme et du tissu. Mais, même si je questionne sans cesse ma vision, ma philosophie première est celle de vêtements à collectionner plutôt qu’à solder et de pièces qui saison après saison vont venir se coordonner avec les précédentes et se sublimer mutuellement. Cette collection est une nouvelle fois une fusion, entre les tissus bruts et délicats, les textures et les styles. S’habiller doit rester une forme d’expérimentation ludique.  

Et si vous deviez résumer ces 25 années à ses moments les plus intenses ? Sans aucun doute la création des costumes de Brel & Barbara, le spectacle de Maurice Béjart. Je reconduis d’ailleurs chaque saison une pièce issue d’une collection précédente et cette fois, il s’agit de celle que je nomme la robe Béjart. Voir Loulou de La Falaise se lever pour m’applaudir à la fin de mon premier défilé parisien. Et puis lorsqu’une cliente quitte ma Maison en m’embrassant et en me remerciant de lui avoir permis de se sentir belle et heureuse. Des instants étonnants et magiques, chacun à leur manière. 

Quel est aujourd’hui votre plus grand défi ? Continuer à faire ce que j’aime et dès lors à rester naïf et innocent. Curieux. Avec le désir de me lais-ser porter par la merveilleuse philosophie du Japon. Là-bas y résonne le sentiment que seul on n’est rien, mais qu’à plusieurs, on est plein. Sans amour, on perd tout sens.

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En moins d’une décennie, Ludovic de Saint Sernin a quitté le statut d’anonyme pour celui de créateur au succès international. Un parcours atypique pour un designer qui ne l’est pas moins, tout à la fois ovni poétique et ambassadeur brillant de sa génération. En parallèle au triomphe de sa marque, le belgo-français orchestrera en janvier la collection Haute Couture printemps/été 2025 de la Maison Jean-Paul Gaultier. Portrait d’un talent résolument avant-gardiste.

Février 2024, à New York. Des modèles à l’allure envoûtante et à la délicatesse androgyne défilent sur le sol de béton ciré du Starrett-Lehigh Building. Le cadre est celui d’une prestigieuse Fashion Week, mais pourrait tout aussi bien s’apparenter à un entrepôt underground. Ludovic de Saint Sernin y présente sa collection Automne/Hiver 2024-2025. Un hommage à l’emblématique photographe Robert Mapplethorpe, dont l’impertinence créative et la dualité entre une âme sulfureuse et une sensibilité à fleur de peau sont pour lui une source immuable d’inspiration. Le cuir y croise l’organza, les fleurs caressent en transparence la peau nue. L’érotisme ténébreux embrasse une douceur profonde, presque innocente.  

Un regard singulier

Ce tout premier show américain a tout d’une consécration pour le designer belgo-français de 33 ans. Une confirmation fulgurante autant que la suite sublimement logique d’un itinéraire singulier. Celui d’un enfant des années 90, ayant très jeune quitté Bruxelles où il est né, d’abord pour la Côte d’Ivoire puis pour Paris. C’est la Ville Lumière qui accueille sa vocation en devenir et où sa passion du dessin et du style se développent grâce à des cours de peinture mais aussi de couture. Il y sort diplômé d’un cursus mode de l’Ecole Supérieure des Arts Appliqués Duperré, auquel succèdent des collaborations avec Dior, Maxime Simoens et Yves Saint Laurent, ainsi que Balmain. Son départ après trois ans passés sous la direction artistique d’Olivier Rousteing, marque un point de bascule. Et le lancement, en 2017, de sa propre Maison éponyme, récompensée dès l’année suivante par le prestigieux Prix du Label Créatif de l’ANDAM. Ludovic de Saint Sernin a alors 26 ans. Considéré comme l’un des ambassadeurs d’une génération émergente de créateurs, son regard est pourtant déjà empreint d’une finesse et d’une maturité qui contredit les clichés de l’âge. Mais également d’une fluidité qui deviendra signature. Lui qui avait appris la mode par le prisme féminin présente pourtant à la Fashion Week Homme de Paris son défilé inaugural. Avant de balayer définitivement toute frontière, avec l’affirmation d’une sensualité dépassant la notion de genre. 

Artiste de l’irrévérence

Les collections se succèdent, au fil de pièces qui racontent le minimalisme empreint d’exubérance, les références à la culture rave et fétichiste autant que les éclats des cristaux Swarovski. L’esthétique queer au diapason du raffinement de la haute couture. Les corps tantôt suggérés sous des looks monochromes, tantôt exposés par des jeux de découpes. L’univers de Ludovic de Saint Sernin est un manifeste de tous les possibles, d’une émancipation flirtant avec l’irrévérence. Jusqu’à s’inscrire en véritable référence de la mode contemporaine. En 2022, le créateur surprend pourtant en devenant directeur artistique d’Ann Demeulemeester, avec qui il partage une même liberté de ton et l’expression d’une vision romantique et lascive à la fois, aux allures gothiques. Une collaboration aussi iconique que brève, puisqu’elle s’est achevée après une seule saison, ne laissant à la postérité que 80 looks d’archives. Le label du designer fête ses cinq ans l’année suivante, auréolé d’un succès que rien ne semble à même d’arrêter. Jusqu’à ce défilé new-yorkais. Puis en septembre 2024, à une invitation au parfum d’héritage. Celle de devenir le 8è designer convié par Jean-Paul Gaultier à prendre les rênes d’une collection couture. Une place que depuis 2021, la Maison propose chaque saison à un autre styliste renommé. 

Après Haider Ackermann, Simone Rocha ou encore Glenn Martens, Ludovic de Saint Sernin dévoilera son interprétation du vestiaire Gaultier en janvier 2025. L’amenant à être le plus jeune créateur à concevoir une ligne masculine au sein de la marque. D’un enfant terrible de la mode à un autre. Et d’une audace à la suivante, phares d’un voyage vers les sommets.

www.ludovicdesaintsernin.com

Derrière la marque éponyme de Vanessa Tugendhaft, un fil rouge. Celui à l’origine de son premier bijou, un bracelet serti d’un diamant. Celui aussi d’un raffinement telle une seconde peau, imprégnant sa vision joaillière et son label, qui célèbre ses 20 ans. 

Deux décennies ont passé depuis le lancement d’Identity, parure toute en finesse, n’ayant jamais quitté votre gamme. Ce bel anniversaire est-il pour vous synonyme de bilan ? C’est un moment qui réveille en tout cas les souvenirs et amène à reparcourir cette superbe histoire faite d’émotions et d’instants inoubliables. Mais également d’étapes plus complexes, comme c’est le cas, je pense, pour tout entrepreneur. Je songe en souriant à la jeune femme que j’étais en 2004 et à qui ce premier bijou a permis de trouver sa voie et de laisser émerger une créativité dont elle n’avait pas conscience. Et quelle plus jolie manière de savourer le chemin parcouru qu’en en écrivant déjà le chapitre suivant ? D’où ce choix de dévoiler six collections conçues pour l’occasion, dont Rainbow qui revisite le bracelet Identity en un arc-en-ciel, composé non plus d’un, mais de sept fils de différents coloris. 

Issue d’une lignée de joailliers par vos arrière-grands-parents et de diamantaires par vos parents, cet univers faisait-il office pour vous de voie toute tracée  ?Absolument pas. J’avais côtoyé ce monde toute mon enfance, allant très souvent au bureau avec mes parents, mais je ne m’imaginais absolument pas le rejoindre. Après des études de commerce à Bruxelles, je me dirigeais sans réelle certitude vers le marketing et la communication dans le secteur du cinéma, lorsque par hasard m’est venue une idée : celle de revisiter le fil rouge symbolique, que les célébrités à la mode mais aussi les anonymes de tous horizons arboraient alors en porte-bonheur et de l’associer à un diamant, pour créer un modèle qui soit subtil et précieux. A l’époque, la joaillerie fine et ses pièces accessibles et nobles à la fois, en était à ses balbutiements et ce bijou a donc trouvé un écho d’autant plus retentissant. 

Vous avez grandi en Belgique mais êtes désormais installée en France, à Paris. L’histoire de vos bijoux s’inscrit-elle à la frontière des deux pays ? J’ai imaginé Identity alors que je séjournais à Paris pour mon stage de fin d’études. Et je n’ai plus quitté la Ville Lumière depuis. Mais la Belgique n’en reste pas moins mon point d’ancrage. Et j’y vis encore partiellement. Le parcours de ma marque est indissociable de l’un comme de l’autre. Je suis fière que mes créations soient présentes à Knokke, où je passais mes vacances lorsque j’étais petite, ainsi que dans de nombreux autres points de vente de notre pays, comme d’avoir eu quelques années ma propre boutique à Saint-Germain-des-Prés. Et qu’aujourd’hui le label s’affiche dans plusieurs enseignes à Paris, Grenoble ou encore en Corse. 

Quels ont été les moments forts de ces années ? Il y en a eu beaucoup. Avoir vu le label prendre un essor international, après deux, trois ans d’existence et ainsi imposer une vision à contre-courant de la joaillerie de l’époque et de ses codes très classiques. Et en parallèle, découvrir qu’elle était portée par des personnalités comme Madonna ou Demi Moore. Il y a eu la conception de mes propres fragran-ces précieuses, les Eaux Diamantées et puis ce sac imaginé en duo avec Clio Goldbrenner. Mais l’un des principaux demeure sans aucun doute le tourbillon médiatique suscité par Meghan Markle, lorsqu’elle a arboré les boucles d’oreilles La Rose ou encore la bague Infini. Cela se déroulait en 2018, aux environs de son mariage avec le Prince Harry, alors que ses faits et gestes étaient scrutés de toutes parts. Soudain Buckingham Palace se faisait notre porte-parole, en communiquant à la presse les marques appréciées par la duchesse et suscitant un engouement inouï. C’était une période unique, vertigineuse. 

Comment votre label façonne-t-il sa différence ? Par des lignées épurées, qui s’affirment avec subtilité, depuis toujours. Mes envies ont bien sûr évolué avec le temps. Ainsi de ce premier fil, sont nés 25 déclinaisons de coloris et aussi beaucoup d’autres collections, certaines jouant d’audace, mais sans jamais rompre avec le raffinement. Et par des bijoux qui se veulent des talismans, dont l’aura amène à rayonner. Je conserve aussi ce parti pris de démocratiser la joaillerie, sans renoncer à célébrer l’exceptionnelle beauté du diamant. 

Qu’est-ce qui aujourd’hui vous anime ? L’instinct. C’est lui qui m’a toujours guidé. Et le désir de créer un bijou tel un cadeau. Non pas offert forcément par un compagnon ou un mari, mais tel un présent à soi-même. J’ai bien sûr de nombreux clients masculins qui achètent mes pièces pour gâter celle qui fait battre leur cœur, mais j’aime l’idée de concevoir des bracelets, bagues ou colliers qui racontent l’amour de soi, à même la peau. 

www.vanessa-tugendhaft.com 

Audrey Huet imagine des bijoux comme on compose un poème : avec passion, précision et une touche de magie. Chaque pièce, née dans son atelier bruxellois, capture l’éclat des pierres et l’intemporalité de l’or, offrant aux femmes des talismans raffinés pour tous les jours, reflets de leur singularité.

Audrey Huet Joaillerie est le fruit d’une reconversion professionnelle. Comment êtes-vous devenue créatrice de bijoux et gemmologue ? J’ai étudié les sciences politiques qui m’ont amenée à travailler dans diverses grosses entreprises. En 2015, lors de mon premier congé parental, je me suis inscrite à des cours à l’Institut des Arts & Métiers à Bruxelles. J’avais envie de plaisir, d’une activité féminine et manuelle dans ma vie. Je me suis donc formée durant plus d’un an et demi en joaillerie. A l’époque, j’adorais porter des créations fantaisie, originales, colorées. Les brillants et les diamants ultra-classiques ne m’ont jamais fait rêver. Lors de ces cours, on fabriquait nous-mêmes des bijoux mais on avait également un cours de gemmologie dans lequel j’ai découvert la diversité des pierres de couleur. Une véritable révélation ! Je pouvais combiner l’aspect créatif et coloré avec des matériaux précieux. En 2018, j’ai démissionné de mon poste d’employée, j’ai arrêté mes cours de joaillerie et je me suis concentrée sur les pierres afin de maîtriser parfaitement le sujet. Une fois mon diplôme de gemmologue obtenu à la SRBG (Société Royale Belge de Gemmologie), j’ai lancé ma marque !

Votre marque est née en plein cœur de la pandémie. Comment avez-vous relevé ce défi pour faire connaître vos créations malgré les contraintes du Covid ? Ce n’était pas facile, mais d’un autre côté, les gens disposaient de plus de temps pour découvrir de nouvelles choses. J’ai démarché, tenté de contacter les bonnes personnes, certaines personnalités également. Mon mari, travaillant dans le domaine commercial, a dû me pousser car ce n’était pas instinctif pour moi. J’ai aussi lancé mon site web, je me suis mise aux réseaux sociaux, j’ai organisé des ventes chez moi et à l’extérieur, et j’ai participé à des parcours d’artistes.

C’est l’amour des pierres et des couleurs qui définit particulièrement vos bijoux ? Oui assurément, je travaille principalement avec des pierres de couleur précieuses et semi-précieuses serties dans le l’or 18 carats décliné en or blanc, rose ou jaune. Mes créations ont un design de caractère : moderne, léger, épuré mais volumineux et surtout facile à porter tous les jours. Il me tenait vraiment à cœur de proposer des bijoux faciles à porter au quotidien mais avec une touche d’originalité.

Comment se déroule un rendez-vous lorsqu’on vient à votre rencontre pour découvrir vos créations ? Je tiens d’abord à préciser que la majorité de mes clientes sont des femmes, et non des couples. Elles viennent s’offrir un plaisir purement personnel. Souvent, il s’agit d’une bague. Je les accueille chez moi, elles choisissent un des modèles qui existent dans mon catalogue et ensuite la pierre qui leur plaît. Je pose différentes pierres sur leur main pour qu’elles puissent apprécier les nuances et identifier celles qui mettent le mieux en valeur leur carnation. Elles peuvent également venir avec une pierre ou une bague qu’elles possèdent déjà, avec le souhait de lui offrir une nouvelle vie. On collabore alors ensemble afin de réaliser une bague ou bijou sur mesure, en réuti-lisant la pierre ou l’or existant.

Ensuite, place au processus de création. Vous vous chargez d’imaginer le bijou, et des artisans le conçoivent ? Je sélectionne toutes mes pierres à Anvers. A partir de mes dessins, un atelier en Belgique confectionne chaque bijou. Soit je travaille autour d’une pierre coup de cœur qui m’inspire, soit je crée un modèle particulier pour accueillir une pierre. Tout est entièrement fait en Belgique. 

Y a-t-il une pierre que vous aimez plus que les autres ? J’adore les pierres vertes, en particulier la tourmaline verte et le péridot, qui présente un vert quelque peu électrique. 

Remarquez-vous certaines tendances qui se démarquent ? La tendance est au sur mesure et à la transformation de bijoux anciens qui retrouvent une seconde vie à travers de nouvelles créations. Créer un bijou sur mesure en utili-sant l’or et parfois même les pierres de la cliente, c’est transformer une histoire personnelle en une pièce unique. C’est pour moi un moment privilégié, chargé d’émotion tant pour la cliente que pour moi. Quant aux pierres de couleur, elles connaissent de plus en plus de succès. Mais comme pour toute chose colorée, les préférences restent personnelles. On observe que le prix de certaines pierres explose comme les tourmalines ou la London Blue qui ne valaient pas grand-chose auparavant. Aujourd’hui, certaines pierres semi-précieuses sont plus rares et chères que des pierres précieuses. Il suffit de regarder les grandes maisons de joaillerie : elles s’y intéressent de plus en plus. 

Des nouveautés à venir ? J’aime collaborer avec des bijouteries où je dépose mes créations. Actuellement, je collabore avec la bijouterie Valentin à Waterloo, et ce jusqu’à fin février 2025. Un nouveau bijou viendra également agrémenter ma collection de fin d’année : mon premier bracelet jonc. Il sera en or brossé mais ne présentera pas de pierre, pour une fois ! 

www.audreyhuet.com

Sa créativité lumineuse ne connaît pas les frontières ni les genres. Du prêt-à-porter aux accessoires et même au parfum d’intérieur, Nathalie Vleeschouwer affirme sa vision du style, à la fois vibrante et intemporelle. Et se révèle, avec sa nouvelle collection masculine Grandpa Chic, dans la pleine mesure de sa beauté émancipée. 

Vous proposez, cet hiver, un vestiaire masculin inspiré de l’esthétique Grandpa Chic, dont il porte le nom. Quelle en est la signature ? La distinction entre les genres n’a jamais été aussi floue. Cette versatilité et cette fluidité sont passionnantes et le style Grandpa avec ses influences rétro, streetwear et élégantes, en est un superbe exemple. Je crée exclusivement des modèles que je pourrais porter et cette collection n’échappe pas à la règle. Aujourd’hui aux robes, on préfère souvent les pantalons de costume, les gilets amples ou les chemises d’homme. Je me suis donc inspirée de ce qu’aiment mon mari, mon fils ou mes amis, mais en une version qui pourrait également plaire aux femmes. En proposant des rayures et carreaux comme des mailles plus classiques, et en jouant avec des teintes pastel et des coloris chauds, l’ensemble achève de casser les codes pour ne laisser que la beauté du vêtement, peu importe au fond à qui il s’adresse. 

Le lancement des créations hommes date de 2020, mais c’est la première fois que celles-ci s’imposent véritablement au-devant de votre marque. Est-ce le signe d’un profond renouveau pour Nathalie Vleeschouwer ? Depuis sept ans, ma fille Felix collabore à la conception des modèles. Elle y insuffle toujours plus sa touche personnelle et tant mieux, car la diversité est une richesse. Déjà alors que je suivais des cours au Fashion Department de la Royal Academy of Fine Arts d’Anvers, j’adorais analyser la façon dont les étudiants s’habillaient. Et je n’ai jamais cessé depuis de puiser l’inspiration dans les tendances et influences extérieures, tout comme auprès de ceux qui m’entourent. Il n’y a rien de plus stimulant que de (re)découvrir la mode par un autre regard. Notre duo donne parfois lieu à de grands débats mais aussi à une belle dose de curiosité, d’enthousiasme et de fraîcheur. 

Avant ce label portant votre nom, vous fondiez Fragile, en 1990, et ses modèles de prêt-à-porter destinés aux futures mamans. Qu’est-ce qui vous a amené à vous réinventer après 21 ans ? Fragile a été la concrétisation du rêve que j’avais toujours nourri de travailler dans la mode. Un rêve qui m’avait semblé perdu en arrêtant ce cursus mode où je ne me sentais pas à ma place, en raison de mon esprit très commercial. En cela, concevoir une marque à destination des femmes enceintes me permettait de cibler un besoin profond. C’était tellement gratifiant de les amener à s’aimer toujours plus. Mais progressivement, ce bonheur a évolué vers une envie de parler à toutes les femmes et de pouvoir pleinement laisser libre cours à ma fantaisie.

Et vous n’avez depuis cessé d’innover, puisque ce sont désormais aussi des accessoires, des chaussures et même un parfum d’intérieur qui sont venus enrichir l’univers de Nathalie Vleeschouwer. Aimez-vous surprendre ? Concevoir des sacs, des ceintures ou des chaussures, représentait pour moi une suite logique de cette exploration de la mode. La possibilité d’oser plus d’audace encore, par un flash de couleur ou une touche un peu fantasque. Et j’ai le luxe d’être entourée d’une équipe tellement talentueuse que cela me permet de concrétiser mes envies, même les plus incroyables, comme celle de créer un parfum. 

En plus de votre fille, votre fils ainsi que votre mari ont progressivement rejoint le label. Mêler famille et collaboration est-il un défi au quotidien ? Il est clair que l’on ne laisse pas le travail au bureau lorsqu’on rentre à la maison ! Mon fils Lion a intégré la marque l’année dernière et gère les boutiques, mon mari Jan en conçoit la décoration intérieure. Nous sommes tous passionnés et dotés d’un caractère fort. Les discussions lors des repas de famille sont très animées. Je n’aurais jamais imaginé une telle évolution, mais c’est une chance folle, qui ne cesse de me porter.  

Après ce style Grandpa Chic côté masculin et Eclectic Echoes pour la collection féminine, à quoi doit-on s’attendre dans les mois à venir ? Ces créations sont l’aboutissement de tout ce que j’aime. Je prépare donc pour le printemps et l’été une gamme qui restera dans la même mouvance. D’autant qu’en Belgique, on vit davantage entre les saisons que pleinement dans l’une d’elles. L’on y retrouvera des costumes, mais dans des matières plus légères et des drapés, toujours dans un esprit masculin-féminin. Des jeux de gris et de roses, en des mélanges de nuances. Deux couleurs qui de base ne font pas partie de mon dressing et avec lesquelles il était donc très intéressant d’expérimenter. J’aime les challenges, presque autant que savourer les petits instants. La joie est dans chaque détail, tout comme l’inspiration. »

www.nathalievleeschouwer.be